การแนะนำ. 3

1.ดนตรีในระบบศิลปะ 6

1.1.ลักษณะเฉพาะของศิลปะดนตรี 6

1.2.ดนตรีและการวาดภาพ 18

1.3.ดนตรีและวรรณกรรม 26

2. คุณสมบัติของการสอนดนตรีให้กับเด็กวัยประถมศึกษา__________________________________________________________34

2.1.ลักษณะทั่วไปของระบบ การศึกษาเพิ่มเติมเด็กนักเรียน 34

2.2.การรับรู้ดนตรีโดยเด็กอายุชั้นประถมศึกษาปีที่ 36

บทสรุป. 54

บรรณานุกรม. 58

ภาคผนวก 1. 59

ครูที่โดดเด่นแห่งทศวรรษที่ 20 และ 30 ได้ลงทุนความสามารถ ความฉลาด และพลังงานจำนวนมากในการพัฒนาปัญหาการสอนที่เกี่ยวข้องกับการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของแต่ละบุคคล โดยหลักแล้วคือบุคลิกภาพของเด็กและวัยรุ่น: A.V. Lunacharsky, P.P. Blonsky, S. T. Shatsky, B. L. Yavorsky, B. V. Asafiev, N. Ya. Bryusova จากประสบการณ์ของพวกเขาซึ่งเสริมด้วยการพัฒนาวิทยาศาสตร์การสอนและการเลี้ยงดูเด็กครึ่งศตวรรษครูที่ดีที่สุดนำโดยผู้เฒ่า - V.N. Shatskaya, N.L. Grodzenskaya, M.A. Rumer, G.L. Roshal, N.I. Sats ดำเนินการต่อและดำเนินการต่อไปทั้งทางทฤษฎีและปฏิบัติ พัฒนาหลักการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ของเด็กและเยาวชน

เด็กอาจไม่ใช่นักดนตรีหรือศิลปิน (แม้ว่าในวัยเด็กจะคาดเดาได้ยากก็ตาม) แต่บางทีเขาอาจจะกลายเป็นนักคณิตศาสตร์ แพทย์ ครู หรือคนทำงานที่เก่งกาจ จากนั้นงานอดิเรกสร้างสรรค์ในวัยเด็กของเขาจะทำให้ตัวเองรู้สึกได้ วิธีที่เป็นประโยชน์ที่สุดซึ่งร่องรอยที่ดีจะยังคงอยู่ในจินตนาการที่สร้างสรรค์ของเขาความปรารถนาของเขาที่จะสร้างสิ่งใหม่ ๆ ของเขาเองดีกว่าก้าวไปข้างหน้าธุรกิจที่เขาตัดสินใจอุทิศชีวิตของเขา

ใน ปีที่ผ่านมาความจำเป็นในการสร้างแนวคิดการสอนที่จะกำหนดทิศทางที่แน่นอนในการก่อตัวของวัฒนธรรมดนตรีของเด็กนักเรียนซึ่งสอดคล้องกับหลักการพื้นฐานของการพัฒนาในเงื่อนไขของสังคมสังคมนิยมนั้นชัดเจนเป็นพิเศษ

แนวคิดการสอนดนตรีนี้สร้างขึ้นโดย D. B. Kabalevsky และรวบรวมไว้ใน "หลักการพื้นฐานและวิธีการของโปรแกรมดนตรีสำหรับโรงเรียนมัธยม" เป็นหลัก - บทความที่อยู่หน้าโปรแกรมดนตรีใหม่ที่พัฒนาขึ้นภายใต้การนำของเขาซึ่งมีการนำไปใช้อย่างเต็มที่ที่สุดและยัง ในหนังสือ บทความอื่นๆ และสุนทรพจน์มากมาย

แนวคิดของ D. B. Kabalevsky มาจากดนตรีและมีพื้นฐานมาจากดนตรี โดยเชื่อมโยงดนตรีเข้ากับศิลปะอย่างเป็นธรรมชาติและเป็นธรรมชาติด้วยดนตรีเป็นวิชาในโรงเรียน และบทเรียนดนตรีในโรงเรียนก็เชื่อมโยงกับชีวิตอย่างเป็นธรรมชาติ การแสดงสุนทรียภาพ การศึกษา และความรู้ความเข้าใจ ศิลปะดนตรีในเวลาเดียวกันก็เป็นส่วนสำคัญของชีวิต D. B. Kabalevsky เขียนว่า “ศิลปะเชื่อมโยงกับชีวิตอย่างแยกไม่ออก ศิลปะเป็นส่วนหนึ่งของชีวิตเสมอ” เขาเน้นย้ำว่า“ ศิลปะที่มนุษย์สร้างขึ้นนั้นถูกสร้างขึ้นโดยเขาเกี่ยวกับมนุษย์และเพื่อมนุษย์ - นี่คือความหมายพื้นฐานของการเชื่อมโยงระหว่างดนตรีและชีวิต... นั่นคือเหตุผลว่าทำไมศิลปะจึงทำให้โลกแห่งอุดมคติของผู้คนสมบูรณ์ยิ่งขึ้นและทำให้มีจิตวิญญาณมากขึ้น โลกทัศน์และเพิ่มความแข็งแกร่งของพวกเขา”

หัวข้อวิจัย: ลักษณะการสอนดนตรีในระบบการศึกษาศิลปะเพิ่มเติมและการเลี้ยงดูเด็กนักเรียนระดับต้น

วัตถุประสงค์: ความเป็นไปได้ที่แสดงออกและมองเห็นของดนตรีในการศึกษาศิลปะและการเลี้ยงดูของนักเรียนระดับประถมศึกษา

วัตถุประสงค์ของงาน: เพื่อกำหนดบทบาทและความสำคัญของดนตรีในการศึกษาศิลปะและการเลี้ยงดูของเด็กนักเรียนระดับต้น

วัตถุประสงค์ของการวิจัย:

1. สำรวจวิธีการแสดงดนตรีขั้นพื้นฐาน

2. ศึกษาลักษณะปฏิสัมพันธ์กับวรรณกรรมและจิตรกรรม

3. ให้คำอธิบายทั่วไปเกี่ยวกับระบบการศึกษาศิลปะเพิ่มเติมสำหรับเด็กนักเรียน

4. อธิบายลักษณะเฉพาะของการรับรู้ดนตรีของเด็กวัยประถมศึกษา

5. แสดงลักษณะเฉพาะของการจัดการเรียนการสอนดนตรีสำหรับเด็กวัยประถมศึกษา

1. ดนตรีในระบบศิลปะ

1.1. ข้อมูลเฉพาะของ ศิลปะดนตรี

เช่นเดียวกับกิจกรรมทางจิตวิญญาณประเภทอื่นๆ ของมนุษย์ ดนตรีเป็นวิธีในการทำความเข้าใจโลก มอบให้กับบุคคลเพื่อจะได้เรียนรู้ที่จะเข้าใจตัวเอง เห็นความงามของจักรวาล และเข้าใจความหมายของชีวิต “ดนตรีเป็นภาษาของความรู้สึก” Robert Schumann กล่าว แต่ดนตรีเริ่มเรียนรู้วิธีแสดงความรู้สึกเมื่อสิ้นสุดยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเท่านั้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 16-17 นี่เป็นช่วงเวลาที่มนุษย์ตระหนักว่าตัวเองเป็นบุคคลที่สามารถคิด รู้สึก และสร้างสรรค์ได้ เมื่อศิลปะทางโลกเจริญรุ่งเรืองและโอเปร่าได้ถือกำเนิดขึ้น การแสดงออกของความหลงใหลและผลกระทบของมนุษย์กลายเป็นงานหลักของศิลปะดนตรีในศตวรรษที่ 18 และในยุคของแนวโรแมนติก โลกแห่งอารมณ์และความรู้สึกกลายเป็นขอบเขตหลักที่ผู้แต่งหันไปค้นหาธีม รูปภาพ และแม้กระทั่งวิธีการ การแสดงออก.

ความรู้สึก เสียง ภาพร่างของชีวิตโดยรอบ การเคลื่อนไหว... แต่โลกแห่งความคิดขึ้นอยู่กับดนตรีไม่ใช่หรือ? “งานดนตรีทุกชิ้นล้วนมีไอเดีย” บีโธเฟนกล่าว ผู้เขียนเองได้กำหนดแนวคิดที่แสดงใน Fifth Symphony อันโด่งดังของเขาดังนี้: “จากความมืดสู่แสงสว่าง ผ่านการต่อสู้สู่ชัยชนะ” ไม่จำเป็นเลยที่คำนี้จะช่วยให้ดนตรีรวบรวมความคิดได้ ไม่ว่าจะเป็นรายการวรรณกรรม บทละคร บทกวี หรือคำอธิบายของผู้เขียน เราไม่ทราบโปรแกรมของซิมโฟนีที่ 6 ของไชคอฟสกี ซึ่งมีอยู่ในจินตนาการของเขาตามที่ผู้แต่งเอง มีน้อยคนที่รู้ข้อความที่เป็นชิ้นเป็นอันของไชคอฟสกีซึ่งระบุเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างและอุดมการณ์ของงาน อย่างไรก็ตาม แทบจะไม่มีใครสงสัยว่าเพลงนี้เกี่ยวกับชีวิตและความตาย เกี่ยวกับความสับสนของจิตวิญญาณมนุษย์ และเข้าใจถึงความโศกเศร้าของการจากไปอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้

อารมณ์และความรู้สึก การเคลื่อนไหวและการเปลี่ยนแปลง ความคิดและความคิด ชีวิตประจำวันและธรรมชาติ ความจริงและมหัศจรรย์ ความแตกต่างเล็กน้อยของสีและลักษณะทั่วไปที่ยิ่งใหญ่ - ทุกสิ่งสามารถเข้าถึงได้ด้วยดนตรี แม้ว่าจะไม่ได้อยู่ในขอบเขตเดียวกันก็ตาม ศิลปะดนตรีมีความหมายอะไรในการกำจัด มีกฎหมายอะไรบ้างที่แสดงถึงเนื้อหาที่หลากหลายดังกล่าวในรูปแบบใด

ดนตรีมีอยู่ในระบบพิกัดพิเศษ มิติที่สำคัญที่สุดคือพื้นที่และเวลาของเสียง ทั้งสองมิติถือเป็นคุณสมบัติหลักทั่วไปของดนตรี แม้ว่าจะเป็นเพียงระดับเสียงแรกเท่านั้นที่มีความเฉพาะเจาะจงก็ตาม จากเสียงหลายพันเสียงในโลกรอบๆ มีเพียงเสียงดนตรีเท่านั้นที่สามารถกลายมาเป็นดนตรีได้ (เอฟเฟกต์เสียงและการเพอร์คัชชันถูกนำมาใช้อย่างพิถีพิถัน แม้กระทั่งในผลงานของนักประพันธ์เพลงแนวหน้าสมัยใหม่) แต่เสียงดนตรีในตัวเองไม่สามารถรับรู้ได้ทั้งทางอารมณ์หรือสุนทรียศาสตร์ ยังไม่มีดนตรี - และคอลเลกชั่นเสียงดนตรีซึ่งสามารถเปรียบได้กับจานสีของศิลปินหรือชุดคำศัพท์ที่กวีเลือกใช้

เชื่อกันว่าดนตรีที่สื่อความหมายหลักคือทำนอง ความสามัคคี และจังหวะ

ผู้ให้บริการความหมายและหน่วยโครงสร้างที่เล็กที่สุดของภาษาดนตรีคือน้ำเสียง การดำรงอยู่ซึ่งยืนยันอีกครั้งถึงความเชื่อมโยงที่ลึกซึ้งระหว่างโลกทั้งสอง - วาจาและเสียง - และพิสูจน์ว่าในช่วงเริ่มต้นของดนตรีเช่นกัน "มีคำ" ” อย่างไรก็ตาม แนวคิดของน้ำเสียงในที่นี้มีความหมายที่แตกต่าง ลึกซึ้งกว่ามาก และครอบคลุมมากกว่า นักวิชาการ B. Asafiev กล่าวอย่างแม่นยำว่า: “ดนตรีเป็นศิลปะแห่งความหมายที่ลึกซึ้ง (ตัวเอียงของฉัน - L.A.)” ขอให้เราจำไว้ว่าความหมายหนึ่งของคำว่า "น้ำเสียง" คือเสียงซึ่งเป็นลักษณะของเสียง ดังนั้นคำศัพท์ทางดนตรีบางคำ - โทนิค, โทนเสียง, น้ำเสียง, น้ำเสียง ต้นกำเนิดของน้ำเสียงดนตรีจำนวนมากคือน้ำเสียงของคำพูดของมนุษย์ แต่ไม่ใช่น้ำเสียงธรรมดา แต่เป็นน้ำเสียงที่ปรากฏในช่วงเวลาของการแสดงออกถึงอารมณ์หรืออารมณ์ที่ชัดเจนที่สุด น้ำเสียงของการร้องไห้ การบ่น เครื่องหมายอัศเจรีย์ หรือคำถามเข้ามาในดนตรีจากชีวิต และแม้จะไม่เกี่ยวข้องกับคำใดๆ (เช่น ในแนวเพลงบรรเลง) ก็ยังคงความหมายหลักทางอารมณ์และจิตวิทยาเอาไว้ เสียงคร่ำครวญของ Dido จากโอเปร่าเรื่อง "Dido and Aeneas" ของ G. Purcell เสียงร้องของ Holy Fool จากละครโอเปร่า "Boris Godunov" ของ M. Mussorgsky แสดงออกถึงอารมณ์ความรู้สึกโศกเศร้าอย่างชัดเจนพอๆ กับการเคลื่อนไหวครั้งที่สี่ของ Symphony ครั้งที่ 6 ของ Tchaikovsky หรือ Funeral March จาก F. โซนาต้าที่ 2 โชแปง การเพิ่มขึ้นครั้งที่หก - ที่เรียกว่าแรงจูงใจของคำถาม - สะท้อนถึงน้ำเสียงเชิงคำถามของคำพูดของมนุษย์ได้อย่างสมบูรณ์แบบ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่นักประพันธ์โรแมนติกมักใช้วิธีนี้และพบการนำไปใช้อย่างกว้างขวางในผลงานที่มีลักษณะทางอารมณ์และโคลงสั้น ๆ เช่น ผลงานย่อเรื่อง "ทำไม" อันโด่งดังของชูมันน์ จากวงจรเปียโน “Fantastic Pieces” แอตทริบิวต์ที่จำเป็นหลักการที่กล้าหาญในดนตรีนั้นมีความจำเป็นและเชิญชวนน้ำเสียง - โดยเฉพาะอย่างยิ่งเสียงที่สี่ที่เพิ่มขึ้นซึ่งเป็นเสียงสุดท้ายที่เน้นเสียงแบบเมตริก จริงอยู่ที่ต้นกำเนิดของมันไม่เพียงเกี่ยวข้องกับคำพูดเท่านั้น แต่ยังรวมถึงดนตรีทางการทหารและสัญญาณในเมืองด้วย (ซึ่งเขียนขึ้นสำหรับเครื่องเป่าลมเป็นหลัก) เมื่อเข้าสู่ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีระดับมืออาชีพและสูญเสียฟังก์ชั่นที่ใช้ไป องค์ประกอบน้ำเสียงเหล่านี้ได้รับการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญ แต่แก่นแท้ของการแสดงออกยังคงเหมือนเดิม - มันเป็นลวดลายที่สี่และสามอันทรงพลังที่กำหนดลักษณะของภาพหลัก (ผลกระทบ) ในบทเพลงที่กล้าหาญของละครโอเปร่าของอิตาลี ในเพลงปฏิวัติและเพลงสวดอันศักดิ์สิทธิ์ ใน Eroic Symphony ของ Beethoven และบทกวีไพเราะของ Richard Strauss Don Juan

ไม่ใช่ทุกเพลงที่แสดงความเชื่อมโยงโดยตรงกับน้ำเสียงพูด หากเป็นเช่นนั้น ขอบเขตของความเป็นไปได้ในการแสดงออกก็คงไม่กว้างนัก ตัวอย่างเช่นในธีมเพลงองค์ประกอบคำพูดดูเหมือนจะละลายหายไปและบ่อยครั้งที่ไม่มีอยู่เลย - ในกรณีเช่นนี้ความสนใจของผู้ฟังจะถูกดึงดูดเป็นอันดับแรกด้วยแนวทำนองอันไพเราะความงามของการออกแบบ ความยืดหยุ่นของรูปแบบเสียงที่แปลกประหลาดและบางครั้งก็แปลกประหลาด นั่นคือโอเปร่า Cantilena ของอิตาลี (ตัวอย่างคลาสสิกคือ Cavatina ของ Norma จากโอเปร่าที่มีชื่อเดียวกันของ V. Bellini) ธีมโคลงสั้น ๆ ของ Tchaikovsky หรือ Rachmaninov (จำการเคลื่อนไหวช้าๆของเปียโนคอนแชร์โตครั้งที่ 2 ของเขา)

น้ำเสียงในดนตรีมีความหมายที่แสดงออกบางอย่าง แต่ไม่เปิดเผยทุกแง่มุมของภาพลักษณ์ทางศิลปะและไม่สามารถมีบทบาทที่สร้างสรรค์และสร้างสรรค์ได้ ฟังก์ชั่นเหล่านี้สันนิษฐานโดยธีมดนตรี - หน่วยความหมายและสร้างสรรค์หลักของงานดนตรีใด ๆ ที่ไม่ได้ระบุด้วยทำนอง ทำนองเพลงแม้จะสำคัญแค่ไหนก็เป็นเพียงด้านเดียวของธีมเท่านั้น นอกจากนี้ยังมีผลงานที่ไม่มีทำนองในความหมายปกติของคำ: โหมโรงและโทคาตาของยุคบาโรก, บทนำของโอเปร่าของวากเนอร์ "Das Rheingold", ภาพไพเราะของ Lyadov "The Magic Lake", โหมโรงโดย Debussy หรือผลงานของนักแต่งเพลงสมัยใหม่ - O. Messiaen, K. Stockhausen , A. Schnittke และอีกหลายคน อย่างไรก็ตาม ไม่มีเพลงใดที่ไม่มีธีม แก่นเรื่องที่มีความเข้าใจอย่างลึกซึ้งและเป็นสากลมากที่สุดคือความสามัคคีทางดนตรีชนิดหนึ่งซึ่งการแสดงออกทางดนตรีทุกรูปแบบมีปฏิสัมพันธ์กัน: ทำนอง โหมดและความกลมกลืน เครื่องวัดและจังหวะ เนื้อสัมผัส จังหวะ เสียงดนตรี และส่วนประกอบที่สร้างสรรค์ แต่ละองค์ประกอบเหล่านี้มีคุณสมบัติเฉพาะที่มีอยู่ในตัวเท่านั้นและมีขอบเขตของกิจกรรมของตัวเองนั่นคือมันทำหน้าที่เป็นรูปเป็นร่างและองค์ประกอบบางอย่าง

เมโลดี้. ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่เธออยู่ในอันดับต้น ๆ ของรายการของเรา “ลำดับเสียงโมโนโฟนิก ความคิดทางดนตรีโมโนโฟนิกที่แสดงออก” - สิ่งเหล่านี้คือ คำจำกัดความทางทฤษฎีท่วงทำนอง แต่มีการตีความอื่น ๆ “เมโลดี้คือความคิด มันเป็นการเคลื่อนไหว มันเป็นจิตวิญญาณของดนตรี” โชสตาโควิชกล่าว Asafiev เสริมคำพูดของเขาอย่างสมบูรณ์แบบ: "เมโลดี้เป็นและยังคงเป็นการแสดงดนตรีที่โดดเด่นที่สุดและเป็นองค์ประกอบที่เข้าใจและแสดงออกได้มากที่สุด" แท้จริงแล้ว ตลอดเวลา ไม่มีสิ่งใดมีคุณค่าในหมู่นักดนตรีมากเท่ากับความสามารถในการแต่งทำนอง ในบรรดาองค์ประกอบทั้งหมดของภาษาดนตรี ไม่มีการจดจำอะไรนอกจากทำนองเพลง (ดังนั้น ทำนองของรอสซินีจึงผิวปากไปตามถนนโดยคนขับรถแท็กซี่และพ่อค้ารายย่อยในวันรุ่งขึ้นหลังจากการแสดงโอเปร่าของเขารอบปฐมทัศน์); ไม่มีอะไรส่งผลกระทบต่อความรู้สึกทางสุนทรีย์ของบุคคลโดยตรงและไม่มีอะไรที่จะสมบูรณ์ไปกว่าท่วงทำนองที่ฟื้นฟูภาพลักษณ์องค์รวมของงานดนตรีในจิตสำนึกของเรา แต่ทำนองไม่สามารถดำรงอยู่ได้ด้วยตัวเอง เสียงที่ประกอบขึ้นเป็นทำนองจะต้องจัดเป็นระบบบางอย่างซึ่งเรียกว่าทำให้ไม่สบายใจ (ให้เราจำความหมายอื่นของคำภาษารัสเซีย "หนุ่ม" - คำสั่งข้อตกลงการจัดเรียงที่สมเหตุสมผลและถูกต้อง)

การกระทำขององค์ประกอบทั้งหมดของโหมดได้รับการประสานงาน แต่ละองค์ประกอบมีการเชื่อมต่อตามหน้าที่กับองค์ประกอบอื่น ๆ: มีองค์ประกอบหลัก - ยาชูกำลังและองค์ประกอบรองลงไป ด้วยเหตุนี้แรงโน้มถ่วงจึงเกิดขึ้นในดนตรี - แรงดึงดูดและการผลักไสซึ่งทำให้เราได้ยินเสียงบางเสียงที่มั่นคง สงบ สมดุล และบางเสียงไม่เสถียร กำกับแบบไดนามิกและต้องการความละเอียด (เราจะไม่พบความคล้ายคลึงกับคุณสมบัติของสิ่งนี้ ดนตรีในศิลปะอื่นใดจะเทียบได้กับแรงโน้มถ่วงสากลเท่านั้น) เสียงดนตรีมีลักษณะเฉพาะอีกอย่างหนึ่ง สามารถนำมารวมกันได้ไม่เพียงแต่ตามลำดับเท่านั้น แต่ยังพร้อมกันและสร้างชุดค่าผสมประเภทต่างๆ - ช่วงเวลา, คอร์ด สิ่งนี้ไม่ได้สร้างความรู้สึกขัดแย้งหรือไร้ความหมายซึ่งจะเกิดขึ้นอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้หากคนสองคนเริ่มพูดคุยกันโดยฉับพลัน ในทางตรงกันข้าม การผสมผสานเสียงและความสามารถในการได้ยินของเราในการรับรู้ว่าเป็นสิ่งที่สำคัญทำให้เกิดคุณสมบัติในการแสดงออกเพิ่มเติมของดนตรี ซึ่งที่สำคัญที่สุดคือความสามัคคี เรารับรู้การผสมผสานของเสียงในรูปแบบต่างๆ: ไม่ว่าจะเป็นความไพเราะ - ความสอดคล้อง (จากภาษาละติน - ข้อตกลง ความสอดคล้อง ความกลมกลืน) หรือไม่สอดคล้องกัน ขัดแย้งกันภายใน - ความไม่สอดคล้องกัน ตัวอย่างที่เด่นชัดของการจัดระเบียบแบบโหมดฮาร์โมนิกคือคลาสสิกเมเจอร์หรือไมเนอร์ ซึ่งกลายเป็นพื้นฐานสำหรับดนตรีในยุคและสไตล์ต่างๆ ในโหมดเจ็ดขั้นตอนเหล่านี้ จุดศูนย์ถ่วงและองค์ประกอบหลักที่มีเสถียรภาพ ซึ่งรองลงมาคือขั้นตอน ช่วงเวลา และคอร์ดที่ไม่เสถียรคือ Tonic Triad (คอร์ดที่อยู่ในขั้นตอนแรกของโหมด) มือสมัครเล่นคนใดก็ตามที่รู้วิธีเล่นคอร์ด "ซิกเนเจอร์" สามคอร์ดบนกีตาร์ ย่อมคุ้นเคยกับพื้นฐานของระบบโหมดโทนเสียงคลาสสิก ได้แก่ โทนิค (T) ซับโดมิแนนต์ (S) และโดมิแนนต์ (D) ทรีแอด นอกจากโหมดเมเจอร์และไมเนอร์แล้ว ยังมีโหมดอื่นๆ อีกมากมาย เราพบโหมดเหล่านี้ในระบบดนตรีของโลกยุคโบราณ ในดนตรีโบราณ ในนิทานพื้นบ้าน สเปกตรัมของโหมดเหล่านี้ได้รับการขยายอย่างมีนัยสำคัญโดยผลงานของนักแต่งเพลงแห่งศตวรรษที่ 20

ในสภาวะของความสามัคคี นั่นคือวิธีการจัดพื้นที่เสียง ความสามัคคีเกิดขึ้น ความกลมกลืนในความหมายปกติของคำนี้ถือกำเนิดในยุคบาโรกเท่านั้น มีรูปแบบที่ชัดเจนในผลงานของคลาสสิกเวียนนา และถูกนำไปสู่ความซับซ้อน ความซับซ้อน และความหลากหลายสูงสุดในดนตรีโรแมนติก ซึ่งทำให้ตำแหน่งผู้นำของทำนองสั่นคลอน ในดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20 ระบบใหม่มากมายของการจัดระเบียบโหมดฮาร์โมนิกเกิดขึ้น (ตัวอย่างเช่นในหมู่อิมเพรสชั่นนิสต์ Debussy และ Ravel, Messiaen หรือ Stravinsky) นักแต่งเพลงบางคน - ในหมู่พวกเขา Rachmaninov และ Myaskovsky - ยังคงซื่อสัตย์ต่อหลักการคลาสสิก - โรแมนติกและศิลปินเช่น Prokofiev หรือ Shostakovich ก็สามารถผสมผสานประเพณีและนวัตกรรมอย่างเป็นระบบในสาขาฮาร์มอนิกได้ หน้าที่ของความสามัคคีนั้นมีความหลากหลายและมีความรับผิดชอบมาก ประการแรก มันให้การเชื่อมโยง "แนวนอน" ของความสอดคล้องในงานดนตรี นั่นคือมันเป็นหนึ่งในตัวนำหลักของเวลาทางดนตรี ด้วยการเปลี่ยนแปลงของเสียงพยัญชนะที่เสถียรและไม่เสถียร พยัญชนะและไม่สอดคล้องกัน เรารู้สึกถึงช่วงเวลาของความตึงเครียดที่สะสมเพิ่มขึ้นและลดลง - นี่คือลักษณะที่คุณสมบัติการแสดงออกและไดนามิกของความสามัคคีปรากฏออกมา ประการที่สอง ความกลมกลืนสร้างความรู้สึกของสีเสียง เนื่องจากสามารถนำแสงที่ละเอียดอ่อนและการไล่สีมาสู่ดนตรี สร้างเอฟเฟกต์ของการวางจุดที่มีสีสันที่วางชิดกัน และการเปลี่ยนความแตกต่างเล็กๆ น้อยๆ ของสีที่ละเอียดอ่อนได้อย่างราบรื่น ในยุคที่แตกต่างกันผู้แต่งที่แตกต่างกันแสดงคุณสมบัติบางอย่างของความสามัคคีที่แตกต่างกัน: คลาสสิกให้ความสำคัญกับมันประการแรกคือความสามารถในการเชื่อมโยงประสานเสียงอย่างมีเหตุผลเปิดใช้งานกระบวนการพัฒนาดนตรีและสร้างองค์ประกอบ (ซึ่งแสดงออกมาอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในรูปแบบโซนาต้า) ; ความโรแมนติกได้เสริมสร้างบทบาทของคุณสมบัติความสามัคคีที่แสดงออกทางอารมณ์อย่างมีนัยสำคัญแม้ว่าพวกเขาจะไม่แยแสกับความฉลาดของเสียงก็ตาม นักแต่งเพลงอิมเพรสชั่นนิสต์ดื่มด่ำไปกับสีสันของเสียงอย่างสมบูรณ์ - ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ชื่อของการเคลื่อนไหวนี้เกี่ยวข้องโดยตรงกับการเคลื่อนไหวที่คล้ายกันในภาพวาดของยุโรป

การแสดงคุณสมบัติการแสดงออกของโหมดนั้นมีความหลากหลายมาก คีย์เมเจอร์และไมเนอร์ที่คุ้นเคยมีความหมายแฝงทางอารมณ์และสีสันที่ชัดเจน: คีย์เมเจอร์ฟังดูเบา จังหวะและสัมพันธ์กับภาพที่สนุกสนานและสดใส ในขณะที่เพลงที่เขียนด้วยไมเนอร์คีย์ ตามกฎแล้วจะมีสีหม่นหมองและเกี่ยวข้องกับ การแสดงอารมณ์เศร้า เศร้าโศก หรือโศกเศร้า เรารับรู้โทนเสียงทั้ง 24 โทนที่แตกต่างกันโดยสิ้นเชิง แม้แต่ในยุคบาโรกพวกเขาก็มีความหมายเชิงสัญลักษณ์พิเศษซึ่งยังคงอยู่กับพวกเขามาจนถึงทุกวันนี้ ดังนั้น C major จึงเกี่ยวข้องกับแสงสว่าง ความบริสุทธิ์ และความเปล่งประกายของจิตใจอันศักดิ์สิทธิ์ D major เหมาะที่สุดที่จะแสดงความรู้สึกยินดีและชัยชนะ - นี่คือกุญแจสำคัญของพิธีมิสซาอันศักดิ์สิทธิ์ของ Beethoven ซึ่งเป็นบทเพลงที่สนุกสนานและน่ายกย่องของเพลง High Mass ของ Bach เช่น "Gloria" ("Glory") หรือ "Et resurrexit" ("And เขาฟื้นคืนชีพ"); B minor เป็นขอบเขตของภาพที่โศกเศร้าและน่าสลดใจ Bach ใช้โทนสีนี้ในจำนวนมวลชนที่เรากำลังพูดถึงการเสียสละและการทนทุกข์ของพระเยซูไม่ใช่เพื่ออะไร

ดังนั้นโหมดและความกลมกลืนจึงรับประกันการมีอยู่ของดนตรีในพื้นที่เสียง แต่ดนตรีเป็นสิ่งที่คิดไม่ถึงนอก "แกนพิกัด" ที่สอง - เวลาดนตรีซึ่งมีหน่วยวัด จังหวะ และจังหวะ มิเตอร์แบ่งเวลาดนตรีออกเป็นส่วนเท่า ๆ กัน - ส่วนเมตริกซึ่งกลายเป็นความหมายไม่เท่ากัน: มีส่วนรองรับ (แข็งแกร่ง) และไม่รองรับ (อ่อนแอ) ในองค์กรเช่นนี้ การเปรียบเทียบกับบทกวีไม่ใช่เรื่องยาก - นี่เป็นการยืนยันความสัมพันธ์อันลึกซึ้งของศิลปะทั้งสองอีกครั้ง เช่นเดียวกับในบทกวี ในดนตรีมีเมตรสองและสามจังหวะซึ่งส่วนใหญ่กำหนดลักษณะของการเคลื่อนไหวและแม้แต่ลักษณะประเภทของงานเฉพาะ ดังนั้น เครื่องวัดแบบสามจังหวะซึ่งมีการเน้นเสียงจังหวะแรกช่วยให้เราจำเพลงวอลทซ์ได้ และการสลับระยะเวลาที่สม่ำเสมอในสภาพแวดล้อมแบบสองจังหวะช่วยให้เราจับจุดเริ่มต้นของการเดินขบวนได้ อย่างไรก็ตาม มิเตอร์เป็นเพียงพื้นฐานเท่านั้น เป็นเพียงตารางหรือผืนผ้าใบที่ใช้รูปแบบจังหวะเท่านั้น เป็นจังหวะที่สื่อถึงแนวเพลงเฉพาะเจาะจงและให้ความเฉพาะตัวกับทำนองต่างๆ ความสำคัญของจังหวะแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนโดยเฉพาะอย่างยิ่งในประเภทการเต้นรำต่างๆ ซึ่งแต่ละประเภทมีสูตรจังหวะพิเศษ ด้วยจังหวะแม้ไม่ได้ยินทำนอง คุณก็สามารถแยกแยะเพลงวอลทซ์จากมาซูร์กา การเดินขบวนจากลาย โบเลโรจากโพโลเนสได้อย่างไม่ผิดเพี้ยน

จังหวะมีความสำคัญอย่างยิ่งในดนตรี - นั่นคือความเร็วของการแสดงซึ่งขึ้นอยู่กับความถี่ของการสลับจังหวะของเมตริก เทมโพสที่ช้า เร็ว และปานกลางไม่เพียงเกี่ยวข้องกับการเคลื่อนไหวประเภทต่างๆ เท่านั้น แต่ยังรวมถึงการแสดงออกด้วย ตัวอย่างเช่น เป็นไปไม่ได้เลยที่จะจินตนาการถึงความโรแมนติค-สง่างามในจังหวะเร็ว หรือคราโคเวียกในจังหวะอาดาจิโอ Tempo มีผลกระทบอย่างมากต่อ "ความโน้มเอียงของประเภท" - มันเป็นธรรมชาติของการเคลื่อนไหวที่ช้าที่ทำให้สามารถแยกแยะการเดินขบวนงานศพจากการเดินขบวนเจาะหรือการเดินขบวนของ Scherzo และการเปลี่ยนแปลงที่รุนแรงมากขึ้นในจังหวะสามารถคิดใหม่เกี่ยวกับแนวเพลงได้อย่างสมบูรณ์ - เปลี่ยน เพลงวอลทซ์ที่โคลงสั้น ๆ ช้า ๆ กลายเป็น scherzo ที่เวียนหัว และบทเพลงที่กล้าหาญกลายเป็นเพลงคู่บารมี - ซาราแบนด์ที่น่าประทับใจ จังหวะและมิเตอร์มักมีบทบาทสำคัญในการสร้างภาพลักษณ์ทางดนตรี ลองเปรียบเทียบผลงานที่โด่งดังที่สุดของโมซาร์ทสองชิ้น - ธีมของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีที่ 40 และเพลงของ Pamina จากองก์ที่สองของโอเปร่า "The Magic Flute" มีพื้นฐานมาจากน้ำเสียงที่เหมือนกันของการร้องเรียน - lamento ซึ่งใช้โทนสีที่สง่างามใน G minor ดนตรีในช่วงแรกของซิมโฟนีนั้นคล้ายกับคำพูดที่ตื่นเต้นซึ่งมีความรู้สึกหลั่งไหลออกมาโดยตรงทำให้เกิดความรู้สึกเคารพและเกือบจะโรแมนติก เนื้อเพลงของอาเรียมีความเศร้าโศก ลึกล้ำ สิ้นหวัง ราวกับถูกจำกัดจากภายใน แต่เต็มไปด้วยความตึงเครียดที่ซ่อนเร้น ในเวลาเดียวกันอิทธิพลที่เด็ดขาดต่อลักษณะของภาพโคลงสั้น ๆ นั้นกระทำโดยจังหวะ: ในกรณีแรกเร็วและประการที่สองช้าเช่นเดียวกับขนาด: ในซิมโฟนี - สองจังหวะด้วย ลวดลาย iambic มุ่งตรงไปยังจังหวะที่หนักแน่นในเพลงของ Pamina - ด้วยการเต้นเป็นจังหวะสามจังหวะ นุ่มนวลและลื่นไหลมากขึ้น

วิธีการแสดงออกทางดนตรี - ทำนอง, มาตรจังหวะ, โหมดและความกลมกลืน - จะต้องประสานงานและจัดระเบียบในลักษณะใดลักษณะหนึ่ง จะต้องค้นหาศูนย์รวม "วัสดุ" บางชนิด พื้นผิวมีหน้าที่รับผิดชอบในเรื่องนี้ในดนตรี ซึ่งสามารถกำหนดได้ว่าเป็นประเภทของการนำเสนอเนื้อหาทางดนตรี ซึ่งเป็นวิธีการสร้างโครงสร้างทางดนตรี พื้นผิวมีหลายประเภท เราจะแยกหลักการที่สำคัญที่สุดสองประการในการจัดระเบียบโครงสร้างดนตรี - โพลีโฟนิกและโฮโมโฟนิก ครั้งแรกเกิดขึ้นอันเป็นผลมาจากการรวมกันของเสียงไพเราะที่เป็นอิสระหลายเสียง หากใช้เนื้อหาเฉพาะเรื่องเดียวกันในทุกเสียงสลับกันหรือมีการทับซ้อนกันก็จะเกิดการเลียนแบบพฤกษ์ - พื้นผิวประเภทนี้มีชัยในดนตรีประสานเสียงฆราวาสและคริสตจักรในยุคเรอเนซองส์ซึ่งมีการนำเสนออย่างกว้างขวางในผลงานของปรมาจารย์พฤกษ์พิสดาร โดยเฉพาะอย่างยิ่งในความทรงจำของบาคและฮันเดล หากท่วงทำนองที่แตกต่างกันรวมกันในแนวตั้ง เรากำลังเผชิญกับพฤกษ์ที่ตัดกัน ดนตรีไม่แพร่หลายเท่าการเลียนแบบ แต่พบได้ในผลงานของยุคและสไตล์ต่างๆ ตั้งแต่ยุคกลางจนถึงปัจจุบัน ดังนั้นในทั้งสามคนของผู้บัญชาการ Don Giovanni และ Leporello จากโอเปร่า Don Giovanni ของ Mozart ผู้เข้าร่วมแต่ละคนจึงถูกโอบกอดด้วยความรู้สึกของตัวเองดังนั้นส่วนเสียงร้องของฮีโร่ที่รวมเข้าด้วยกันเป็นวงดนตรีโพลีโฟนิกจึงมีความแตกต่างกันอย่างชัดเจนกับแต่ละคน อื่น ๆ: ความเจ็บปวดและความทุกข์ทรมานแสดงออกมาในวลีที่โศกเศร้าของผู้บัญชาการ ความสงสารและความกลัวอันหนาวเหน็บต่อความตายรวมอยู่ในท่วงทำนองที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณของ Don Giovanni และ Leporello ผู้ขี้ขลาดพึมพำลิ้นของเขาด้วยเสียงต่ำ พื้นผิวประเภทที่สอง - โฮโมโฟนี - หมายถึงการมีอยู่ของเสียงอันไพเราะและเสียงประกอบ นอกจากนี้ยังมีตัวเลือกต่างๆ ให้เลือกตั้งแต่โครงสร้างคอร์ดธรรมดาๆ ที่เสียงบนของคอร์ด (Bach chorales) เล่นบทบาทอันไพเราะ ไปจนถึงทำนองที่พัฒนาแล้วและเป็นรายบุคคล (เพลงกลางคืนของโชแปง, โหมโรงของ Rachmaninov)

ทุกสิ่งที่มีการพูดคุยกันจนถึงตอนนี้ถือเป็นพื้นฐานของดนตรี แต่จะมีอยู่เฉพาะบนกระดาษดนตรีเท่านั้นจนกว่าจะรวมเป็นเสียง เพราะเสียงเป็นเงื่อนไขที่ขาดไม่ได้สำหรับการดำรงอยู่ของศิลปะดนตรี เสียงเกิดขึ้นได้อย่างไร ดนตรีสื่อความหมายต่อผู้ฟังได้อย่างไร? ความลับนี้อยู่ในขอบเขตพิเศษของวิธีการแสดงออก - โลกทั้งใบของเสียงต่ำ เสียงและเครื่องดนตรีของมนุษย์ เช่น เครื่องเป่าลมไม้ เครื่องทองเหลือง เครื่องสาย และเครื่องเคาะจังหวะ ช่วยให้ดนตรีมีชีวิตชีวาและมีสีสันที่หลากหลายอย่างน่าทึ่ง ปรากฏทั้งแบบเดี่ยวๆ และแบบผสมกันนับไม่ถ้วน ซึ่งแต่ละชนิดมีคุณสมบัติและรสชาติที่แสดงออกเป็นพิเศษ การร้องเดี่ยวเผยให้เห็นความแตกต่างทางอารมณ์ที่ละเอียดอ่อนที่สุด และความดังแบบ "ปูนเปียก" ที่ยิ่งใหญ่ของคณะนักร้องประสานเสียงแบบผสมสามารถสั่นคลอนห้องใต้ดินของมหาวิหารและ คอนเสิร์ตฮอลล์; เสียงของวงเครื่องสายที่น่าทึ่งในความอบอุ่นและความสามัคคีของเสียงต่ำสร้างความประทับใจให้กับความเป็นพลาสติกและความคมชัดของเส้นกราฟิก เครื่องเป่าลมไม้ที่มีหลายเสียงดึงดูดใจด้วยความโปร่งใสของสีน้ำและความชัดเจนของสี

ความแตกต่างของเสียงและเครื่องดนตรีถูกสังเกตเห็นโดยผู้แต่งเมื่อนานมาแล้ว โซโลที่เต็มไปด้วยอารมณ์ คล้ายกับหัวข้อการเคลื่อนไหวช้าๆ ของซิมโฟนีที่ 4 ของไชคอฟสกี ซึ่งมักถูกกำหนดให้เป็นโอโบ ความสง่างามที่ยอดเยี่ยมและโปร่งใสอย่างเย็นชานั้นเกิดขึ้นได้อย่างสมบูรณ์แบบด้วยฟลุต - ไม่ใช่เพื่ออะไรที่ Rimsky-Korsakov ใช้มันโดยแสดงถึงความสวยงาม แต่ไร้ความอบอุ่นของมนุษย์ Snow Maiden; เสียงของธรรมชาติตามธรรมเนียมกลายเป็นเสียงเรียกของแตร (ให้เราจำไว้ว่าในการแปลจากภาษาเยอรมันคำนี้แปลว่า "เขาป่า" - เขาเป็นผู้แสดงธีมอภิบาลในการทาบทามของ Weber ไปจนถึงโอเปร่า "Oberon" และ "Free Shooter" ); ภาพที่อันตรายและเป็นลางร้ายนั้นสัมพันธ์กับเครื่องดนตรีทองเหลืองอย่างสม่ำเสมอ และความรู้สึกอบอุ่นทางจิตวิญญาณและการแสดงออกทางอารมณ์ที่เล็ดลอดออกมาจากเครื่องสาย (จำธีมด้านข้างที่มีชื่อเสียงของการเคลื่อนไหวครั้งแรกของซิมโฟนีที่ 6 ของไชคอฟสกี)

สิ่งสำคัญคือต้องจำไว้ว่าการแสดงออกทางดนตรีทุกรูปแบบมีความสัมพันธ์กันอย่างใกล้ชิด ส่วนใหญ่ไม่มีอยู่ด้วยตัวเองเลย ตัวอย่างเช่น ทำนองไม่สามารถคิดได้นอกเหนือจากจังหวะและความกลมกลืน หากไม่มีความสามัคคีและความสามัคคีของเนื้อสัมผัสก็ไม่สามารถเกิดขึ้นได้ และจังหวะแม้ว่าจะเป็นอิสระมากกว่าองค์ประกอบอื่น ๆ ทั้งหมด แต่ก็เป็น "มิติเดียว" และไร้แก่นแท้ของดนตรี – เสียง ความเชื่อมโยงของการแสดงออกทางดนตรีทุกรูปแบบพบได้อย่างแท้จริงในทุกขั้นตอน อันที่จริง จากลำดับของเสียงที่ทำซ้ำด้วยจังหวะและจังหวะที่กำหนดเอง เป็นเรื่องยากที่จะจดจำแม้กระทั่งทำนองที่คุ้นเคยอย่างยิ่ง ลองเปรียบเทียบกันดู - ให้เป็นธีมของ Chernomor จาก Ruslan และ Lyudmila ของ Glinka ซึ่งเป็นเพลงประกอบของหอกของ Wotan จาก Ring of the Nibelung ของ Wagner และธีม pas de deux จากบัลเล่ต์ The Nutcracker ท่วงทำนองของพวกเขาเกือบจะเหมือนกัน - ทั้งหมดแสดงถึงระดับจากมากไปน้อยที่ง่ายที่สุด แต่อะไรที่ทำให้ธีมเหล่านี้แตกต่างออกไป - จนถึงจุดที่หนึ่งในนั้นรวบรวมพลังแห่งความชั่วร้าย อีกอันเป็นสัญลักษณ์ของชัยชนะแห่งความรักและความดี และประการที่สามแสดงถึงความคิดที่เป็นนามธรรมโดยสิ้นเชิง ประเด็นทั้งหมดก็คือ ท่วงทำนองเดียวกันนั้นถูกวางไว้ในสภาวะเมโทร-ริธึม โหมด-ฮาร์โมนิก เนื้อสัมผัส และจังหวะที่แตกต่างกันอย่างสิ้นเชิง: โหมดโทนเสียงทั้งหมดที่ผิดปกติและฟังดูแปลกตา จังหวะดั้งเดิมในความสม่ำเสมอ และ tutti ออร์เคสตราที่น่ากลัวที่มีความโดดเด่น ทองแดงประกอบขึ้นเป็นแก่นแท้ของธีมพ่อมดชั่วร้าย การใช้สีที่รุนแรงของผู้เยาว์ตามธรรมชาติ จังหวะการเดินแบบประ การนำเสนอที่พร้อมเพรียงกันของนักพรต และสีเสียงต่ำของสายต่ำและเครื่องดนตรีทองเหลือง เป็นตัวกำหนดลักษณะของเพลงประกอบของ Wagner สีสันหลักที่สว่างไสว สีสันที่สดใส และความสามัคคีที่ไม่มั่นคงในจังหวะที่ลดลง ความเป็นพลาสติกที่เป็นจังหวะ และเสียงเครื่องสายที่อบอุ่นและเต็มอิ่ม ทำให้สเกลที่เรียบง่ายเป็นหนึ่งในธีมโคลงสั้น ๆ ที่สวยงามที่สุดของไชคอฟสกี

ตอนนี้เราได้ตรวจสอบองค์ประกอบต่างๆ ของภาษาดนตรีแล้ว และเห็นความซับซ้อนและความหลากหลายของการเชื่อมโยงกันแล้ว ต้องจำไว้ว่าสิ่งเหล่านี้เป็นเพียงวิธีการในการแสดงภาพลักษณ์ทางศิลปะเท่านั้น แต่ในงานศิลปะชั่วคราว ภาพไม่เคยไม่เปลี่ยนแปลง แม้แต่การแสดงก็ยังต้องใช้เวลา หากมีภาพหลายภาพ ทั้งพวกเขาและผู้ฟังในการรับรู้ล้วนต้องการแรงบางอย่างที่จัดระเบียบวิธีการแสดงออกทั้งชุดในกระแสชั่วขณะ งานนี้ทำในดนตรีตามรูปแบบ ความยากในการทำความเข้าใจซึ่งรุนแรงขึ้นเนื่องจากความจริงที่ว่าจะเข้าใจได้เฉพาะในขณะที่แสดงผลงานดนตรีเท่านั้น ในด้านหนึ่ง รูปแบบ คือ องค์ประกอบหรือโครงสร้างของงานซึ่งเชื่อมโยงทุกส่วนเข้าด้วยกัน ข้อดีของงานดนตรีมักถูกตัดสินโดยความกลมกลืนและความสมดุลของการเรียบเรียงโดยความสัมพันธ์ที่กลมกลืนระหว่างส่วนต่างๆ และทั้งหมด Glinka กล่าวว่า "รูปแบบหมายถึงความงาม" ไม่ใช่เพื่ออะไร ในขณะเดียวกัน รูปแบบก็เป็นหนึ่งในการแสดงออกถึงธรรมชาติขั้นตอนของดนตรีในระดับสูงสุด สะท้อนถึงการเปลี่ยนแปลงของภาพดนตรี เผยให้เห็นความแตกต่างหรือความเชื่อมโยง การพัฒนาหรือการเปลี่ยนแปลง มีเพียงการยอมรับรูปแบบดนตรีโดยรวมเท่านั้นที่เราจะสามารถเข้าใจตรรกะของการพัฒนาภาพลักษณ์ทางศิลปะและแนวทางความคิดสร้างสรรค์ของผู้แต่งได้

เมื่อพูดถึงวิธีการและรูปแบบของการแสดงออกทางดนตรี เราควรจำไว้ว่าด้วยรูปแบบที่มีนัยสำคัญ เราสามารถถือว่าทั้งหมดเป็นภาษาศิลปะเพียงภาษาเดียว ในความเป็นจริง นักแต่งเพลงแต่ละคนพูดภาษาของตัวเอง หรือค่อนข้างจะถูกชี้นำโดยกฎของคำพูดทางดนตรีของเขาเอง และสิ่งนี้ทำให้ดนตรียังคงเป็นศิลปะที่มีชีวิตชีวา เป็นธรรมชาติ และหลากหลายอย่างไร้ขีดจำกัด ราวกับว่าได้ดูดซับกระแสแห่งชีวิตทั้งหมด และสะท้อนและละลายประสบการณ์ของกิจกรรมทางจิตวิญญาณด้านอื่น ๆ ในรูปแบบที่เข้าใจได้ทางความรู้สึก อาจไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่บางคนเชื่อว่าดนตรีเป็นของชนชั้นสูงและต้องได้รับการฝึกอบรมพิเศษและแม้แต่ความสามารถตามธรรมชาติบางอย่างในการรับรู้ ในขณะที่บางคนมองว่าเป็นพลังที่สามารถมีอิทธิพลต่อเราเกินกว่าจิตสำนึกและประสบการณ์ อาจจะถูกต้องทั้งคู่ และนักดนตรีและนักเขียนที่ยอดเยี่ยม Romain Rolland พูดถูกอย่างแน่นอนเมื่อเขาพูดว่า: "ดนตรี ศิลปะที่ใกล้ชิดนี้ สามารถเป็นศิลปะสาธารณะได้เช่นกัน อาจเป็นผลจากสมาธิและความโศกเศร้าจากภายใน แต่ก็สามารถเป็นผลจากความสุขและความเหลื่อมล้ำได้เช่นกัน คนหนึ่งเรียกมันว่าสถาปัตยกรรมที่เคลื่อนไหว อีกอย่างคือจิตวิทยาเชิงกวี คนหนึ่งมองว่ามันเป็นงานศิลปะพลาสติกและเป็นทางการล้วนๆ ส่วนอีกคนหนึ่งเป็นศิลปะที่มีอิทธิพลทางจริยธรรมโดยตรง สำหรับนักทฤษฎีคนหนึ่ง แก่นแท้ของดนตรีอยู่ที่ทำนอง ส่วนอีกคนหนึ่งอยู่ในความกลมกลืน... ดนตรีไม่เข้ากันกับสูตรใดๆ นี่คือบทเพลงแห่งศตวรรษและดอกไม้แห่งประวัติศาสตร์ ซึ่งสามารถหล่อเลี้ยงได้ด้วยความโศกเศร้าและความสุขของมนุษย์”

1.2. ดนตรีและภาพวาด

ดนตรีมีอิทธิพลอย่างต่อเนื่องและยังคงมีอิทธิพลต่อศิลปะรูปแบบอื่น ๆ และตัวมันเองก็ได้รับอิทธิพลจากศิลปะเหล่านั้นด้วย ดนตรีไม่เพียงแต่แสดงออกเท่านั้น แต่ยังเลียนแบบและพรรณนา กล่าวคือ สร้างสรรค์เสียงปรากฏการณ์ต่างๆ ของโลกรอบข้าง เช่น เสียงกรอบแกรบของป่า เสียงน้ำไหล เสียงฟ้าร้อง เสียงระฆัง และการร้องเพลงของ นก; เธอสามารถสะท้อนไม่เพียงแต่เสียงที่ได้ยินเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสิ่งที่มองเห็นได้ด้วย: แสงวาบของสายฟ้า, เอฟเฟกต์ Chiaroscuro, การเปลี่ยนรูปทรงนูน, ความลึกของอวกาศ และการเล่นสี ดังนั้น “นามธรรมที่สุดในบรรดาศิลปะทั้งหมด” จึงหมายถึงสาขาวิชาที่เฉพาะเจาะจงมาก ซึ่งถือเป็นเอกสิทธิ์ของทัศนศิลป์ ซึ่งก็คือทัศนศิลป์ ดังนั้นจึงไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ความคล้ายคลึงกันระหว่างดนตรีและการวาดภาพเกิดขึ้นเช่นในสาขาประเภทต่างๆ: จิตรกรรม, ภาพบุคคล, ภาพร่าง, จิ๋ว, ภาพพิมพ์, อาหรับ - ทั้งหมดนี้เป็นแนวคิดที่มากับดนตรีจากวิจิตรศิลป์และโดยธรรมชาติ หยั่งรากที่นี่ บทประพันธ์ของ G. F. Handel เรื่อง "Israel in Egypt", บทประพันธ์ของ J. Haydn เรื่อง "The Creation of the World" และ "The Seasons", ซิมโฟนีลำดับที่ 6 ("Pastoral") ของ L. Beethoven, ภาพวาดดนตรีโดย N. A. Rimsky-Korsakov หรือโหมโรง C. Debussy - นี่เป็นเพียงตัวอย่างเล็กๆ น้อยๆ ของ “ภาพวาดดนตรี” (คำนี้ใช้เพื่อระบุถึงดนตรีประเภทนี้ในศตวรรษที่ 18) แน่นอนว่า ภาพวาดดนตรีด้อยกว่าจิตรกรรมหรือประติมากรรมอย่างมากในแง่ของความชัดเจนและรายละเอียด แต่มีบทกวีที่ละเอียดอ่อนและเข้าใจยากที่สุดซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของดนตรีเท่านั้น พวกเขาปล่อยให้จินตนาการทำงานซึ่งทำให้การรับรู้สดใสและอารมณ์ ความเป็นธรรมชาติ

ความเฉพาะเจาะจงของดนตรี "ความเป็นปัจเจกบุคคล" ของดนตรีสามารถระบุได้อย่างชัดเจนที่สุดผ่านอิทธิพลซึ่งกันและกันเหล่านี้ ซึ่งบางครั้งก็ไปถึงระดับสูงสุดของการสร้างสายสัมพันธ์ระหว่างศิลปะชิ้นหนึ่งกับอีกชิ้นหนึ่ง และมันคือความสุดขั้วเหล่านี้เองที่ทำให้เกิดผลลัพธ์ที่น่าสนใจ ฟื้นฟู และสมบูรณ์ทางศิลปะมากที่สุด เรามาดูกันว่าเป็นอย่างไรในกรณีที่ดนตรีและภาพวาดมีอิทธิพลซึ่งกันและกัน

อิทธิพลของดนตรีและภาพวาดในฐานะรูปแบบศิลปะที่เป็นอิสระต่อกันเริ่มต้นจากยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา ตั้งแต่เวลานั้นเป็นต้นมา "การพรรณนา" ดนตรีสองประเภทหลักเกี่ยวกับโลกภายนอกได้ถือกำเนิดขึ้น อย่างแรกคือการเลียนแบบเสียงต่าง ๆ ในโลกแห่งความเป็นจริง - เสียงนกร้อง, เสียงสะท้อน, เสียงพึมพำของผึ้งบัมเบิล, เสียงฟ้าร้องดังกึกก้อง, เสียงระฆังดัง, เสียงกรอบแกรบของป่า ฯลฯ (เช่นนกไนติงเกลนกกาเหว่า และนกกระทาใน "Pastoral Symphony" ของ Beethoven ซึ่งเป็นการเลียนแบบเสียงก้องในงานของ O Lasso "Echo" ตอนไพเราะ "Flight of the Bumblebee" จากโอเปร่าของ N. A. Rimsky-Korsakov "The Tale of Tsar Saltan" ฯลฯ ) .

ประเภทที่สองขึ้นอยู่กับการใช้การเชื่อมโยงระหว่างปรากฏการณ์เสียงและปรากฏการณ์ที่ไม่ใช่เสียง ดังนั้นจังหวะดนตรีที่เร็วและช้าจึงสอดคล้องกับจังหวะเร็วหรือช้าของการเคลื่อนไหวจริง เสียงสูงหรือต่ำ - ตำแหน่งเชิงพื้นที่ของวัตถุหรือบุคคลตลอดจนน้ำหนักมวล การเคลื่อนไหวของสเกลจากล่างขึ้นบนหรือบนลงล่างสัมพันธ์กับการเคลื่อนไหวที่แท้จริงที่คล้ายกัน: เสียงและเครื่องดนตรี "i" mbres ทำให้เกิดความสัมพันธ์ของแสง: "แสง" (ไวโอลินและขลุ่ยในทะเบียนเสียงสูง โซปราโน) หรือ " มืด” (คลาริเน็ตเบส, บาสซูน, ดับเบิลเบส ), “ มันเงา” (ทรัมเป็ต) หรือ“ ด้าน” (คลาริเน็ต) ในบางกรณีเสียงยังสามารถเชื่อมโยงกับสีได้ (ปรากฏการณ์ของ "การได้ยินด้วยสี" ซึ่ง - " หลังจากนั้นเล็กน้อย) “ การเชื่อมโยงประเภทนี้ใช้กันอย่างแพร่หลายในภาพวาดดนตรีแห่งรุ่งอรุณ (“ รุ่งอรุณบนแม่น้ำมอสโก” โดย M. P. Mussorgsky จุดสิ้นสุดของภาพวาดที่สองของ“ Eugene Onegin” โดย P. “ I. Tchaikovsky) ภาพแสงวูบวาบ เปลวไฟ (“ Proms-tei” และบทกวี“ To the Flame” โดย A. N. Scriabin) บางครั้งผู้แต่งด้วยความช่วยเหลือของการเชื่อมต่อที่เชื่อมโยงที่ละเอียดอ่อนพยายามสร้างรูปลักษณ์ของบุคคล (“ Girl with flaxen hair” โดย C. Debussy) , กลิ่น ("กลิ่นหอมกระพือใน "อากาศยามเย็น" โดย C. Debussy ) (1) ภาพดนตรีประเภทนามธรรมอยู่ที่แกนกลาง - ดนตรี; เพลงโปรแกรมที่ดี “การเขียนโปรแกรม” ทางดนตรีและภาพมีการนำเสนออย่างกว้างขวางในผลงานของนักแต่งเพลงแนวโรแมนติกและอิมเพรสชั่นนิสต์ทุกคน

ให้เรายกตัวอย่างผลงานดนตรีโรแมนติกชิ้นหนึ่งโดย F. Liszt "The Thinker" จากวงจร "Years of Wandering" สำหรับศิลปินแนวโรแมนติกอย่างที่เราจำได้คืองานศิลปะ : เป็นไดอารี่โคลงสั้น ๆ ซึ่งเป็น "ภาพเหมือน" ของจิตวิญญาณของเขาซึ่งรวบรวมโลกที่ซับซ้อนของความรู้สึกที่ขัดแย้งกัน ดังนั้นผู้แต่งจึง“ ตามกฎแล้วไม่ได้พยายามดิ้นรนเพื่อการเปรียบเทียบภาพภายนอก งานของเขาคือการถ่ายทอดความประทับใจของงานประติมากรรมหรือภาพและประสบการณ์ที่พวกเขาสร้างขึ้น นี่คือ "นักคิด" โดย F. Liszt

ผู้แต่งถ่ายทอดความประทับใจของรูปปั้นของ Michelangelo ซึ่งตั้งอยู่ในโบสถ์เมดิซีของโบสถ์ซานลอเรนโซ วาดภาพลอเรนโซเดเมดิชี ดยุคแห่งอูร์เบีย มีภาพดยุคนั่งอยู่ในท่าครุ่นคิดและก้มศีรษะ เขาสวมชุดเกราะอัศวินและเสื้อคลุมดยุค ท่าทางของรูปปั้นแสดงถึงความรอบคอบ สมาธิ และการหมกมุ่นอยู่กับตนเอง ลิซท์ถ่ายทอดสถานะนี้ในดนตรี

ควรเพิ่มว่าการก่อตัวของแผนของผู้แต่งยังได้รับอิทธิพลจากรูปปั้นอีกชิ้นของ Michelangelo - ร่างเชิงเปรียบเทียบของ "กลางคืน" ซึ่งตั้งอยู่ (พร้อมกับร่างของ "รุ่งอรุณ", "วัน", "ทไวไลท์") ในเวลาเดียวกัน โบสถ์ นี่เป็นหลักฐานจากความจริงที่ว่าหลังจากนั้นไม่นาน Liszt ได้สร้างบทละคร "The Thinker" ในเวอร์ชันออเคสตรา แต่เรียกมันว่า "Night" นอกจากนี้ในหน้าชื่อเรื่องของละครเรื่อง "The Thinker" ฉบับพิมพ์ครั้งแรกยังมีคำบรรยาย: บทกวีของ Michelangelo ที่อุทิศให้กับประติมากรรม "Night"

ฝันหวานสำหรับฉัน และหวานยิ่งกว่าเป็นหิน! ในช่วงเวลาแห่งความอับอายและการล้มลง การไม่ได้ยิน การไม่มองเป็นเพียงความรอดเท่านั้น เงียบไว้เพื่อไม่ให้ฉันตื่น

ดังนั้น วงกลมของภาพที่เป็นตัวกำหนดแนวคิดทางอุดมการณ์ของบทละครคือถั่วเหลือง ความรอบคอบ การจมอยู่ในความคิด แก่นสารของรัฐเหล่านี้คือความตายซึ่งสมบูรณ์และสละสิทธิ์จากโลกภายนอกโดยสมบูรณ์ (ท้ายที่สุดแล้ว ประติมากรรมทั้งสองชิ้นก็เป็นส่วนหนึ่งของหลุมฝังศพที่ซับซ้อน) ในบทกวี รัฐเหล่านี้ขัดแย้งกับความเป็นจริงที่ไม่น่าดู

แนวคิดโรแมนติกนี้เกิดขึ้นได้อย่างไรในดนตรี?

ลักษณะเศร้าโศกทั่วไปของภาพถ่ายทอดผ่านคีย์รอง (C ชาร์ปรอง) และเสียงอู้อี้และเงียบ สถานะของข้อ จำกัด และการจมอยู่ในความคิดนั้นถ่ายทอดโดยธรรมชาติของท่วงทำนอง: จาก 17 เสียงของธีมมีสิบสี่เสียงซ้ำเสียง "mi" เดียวกัน ดนตรีสร้างอะนาล็อกทางอารมณ์ของเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างของประติมากรรมซึ่งเสริม ลึกซึ้งและพัฒนามัน

อิมเพรสชันนิสม์ทางดนตรีเปิดหน้าใหม่ในการปฏิสัมพันธ์ระหว่างดนตรีและวิจิตรศิลป์ นักแต่งเพลงบทกวี (C. Debussy, M. Ravel, P. Dukas, F. Schmint, J. Roger-Ducas ฯลฯ) พัฒนาโปรแกรมวาดภาพเพิ่มเติม ประสบความสำเร็จในการถ่ายทอดสภาวะทางจิตวิทยาอันละเอียดอ่อนที่เกิดจากการไตร่ตรองโลกภายนอก ความไม่แน่นอนและความละเอียดอ่อนของอารมณ์ ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ที่ไม่แน่นอน ได้รับการเติมเต็มในดนตรีของอิมเพรสชั่นนิสต์ด้วยการบันทึกเสียงที่ดีที่สุด ศูนย์รวมของแนวคิดใหม่และทั่วไปสำหรับศิลปะดนตรีจำเป็นต้องมีรูปแบบใหม่ “ Symphonic Sketches-Dawn-Scoops” ถือกำเนิดขึ้นโดยผสมผสานความนุ่มนวลของสีน้ำของการวาดภาพเสียงเข้ากับความลึกลับเชิงสัญลักษณ์ของอารมณ์ ในเพลงเปียโน - โปรแกรมย่อขนาดที่ถูกบีบอัดเท่ากันโดยใช้เทคนิคพิเศษของเสียง "การสะท้อน" และการวาดภาพทิวทัศน์ ... "

ตัวอย่างของดนตรีเปียโนอิมเพรสชั่นนิสต์คือบทละครของ M. Ravel เรื่อง "The Play of Water" (1902) ตามที่ผู้แต่งเขียนเอง ละครเรื่องนี้ได้รับแรงบันดาลใจจาก “เสียงน้ำและเสียงดนตรีอื่นๆ ที่ได้ยินในน้ำพุ น้ำตก และลำธาร” ด้วยการใช้เทคนิคการเล่นเปียโนอัจฉริยะของประเพณี Lisztov ที่ได้รับการปรับปรุงด้วยจิตวิญญาณของอิมเพรสชั่นนิสม์ นักแต่งเพลงได้สร้าง "ภาพของการเล่นน้ำอย่างสงบ ไม่แยแสกับโลกแห่งความรู้สึกของมนุษย์ แต่สามารถมีอิทธิพลต่อพวกเขา - เพื่อกล่อมและกอดรัดหู ” ดนตรีจะไหลไปในเสียงของข้อความและโทนสีของอาร์เพจจิโอ เช่น เสียงพึมพำของน้ำ หรือตกเหมือนหยดด้วยเสียงของทำนองเพนทาโทนิกอันไพเราะ (นั่นคือ ประกอบด้วยห้าเสียง)

อิทธิพลของดนตรีที่มีต่อทัศนศิลป์ได้เพิ่มคุณค่าให้กับวัฒนธรรมศิลปะของโลกโดยให้ผลลัพธ์ที่น่าสนใจไม่น้อย อิทธิพลนี้ดำเนินไปในสามทิศทางหลัก

ประการแรก เป็นแบบทั่วไปและกว้างที่สุด ใช้ดนตรีเป็นธีมของการวาดภาพและประติมากรรม .ภาพเครื่องดนตรีและคนเล่นเครื่องดนตรีมีมาตั้งแต่สมัยโบราณ ในบรรดาผลงานประเภทนี้ก็มีของแท้อยู่ด้วย ผลงานชิ้นเอกเช่น "Rural Concert" โดย Giorgione, "The Guitarist" และ "The Savoyard with a Marmot" โดย Watteau, "Apollo, Hyacinth และ Cypress มีส่วนร่วมในดนตรีและการร้องเพลง" โดย A. Ivanov เป็นต้น นอกเหนือจาก ข้อดีของภาพที่แท้จริง (เช่นในกรณีของภาพวาดที่ระบุไว้) รูปภาพของเครื่องดนตรีและนักดนตรีสามารถมีความสำคัญทางประวัติศาสตร์ วัฒนธรรม และสารคดีได้ เพราะบ่อยครั้งนี่เป็นข้อมูลเพิ่มเติม และบางครั้งก็เป็นเพียงแหล่งข้อมูลเดียวเกี่ยวกับดนตรี

ทิศทางที่สองของอิทธิพลของดนตรีที่มีต่อทัศนศิลป์รวบรวมความพยายามที่จะถ่ายทอดความประทับใจของงานดนตรีเฉพาะในงานภาพหรืองานประติมากรรม ในกรณีส่วนใหญ่ สิ่งเหล่านี้คือภาพประกอบสำหรับเพลงที่เกี่ยวข้องกับข้อความ นี่คือวงจรกราฟิกของศิลปินชาวเยอรมัน A. Richter และ Czech M. Alesh ที่รวบรวมภาพของเพลงพื้นบ้านภาพประกอบโดย F. Hass สำหรับเพลงของ F. Schubert, M. Klinger สำหรับเพลงของ J. Brahms ฯลฯ อิทธิพลของดนตรีในงานประเภทนี้แสดงออกมาในจังหวะการเรียบเรียงและสีสันของภาพ ดังนั้นในภาพวาดของ M. Schwindt เรื่อง "The Forest King" ที่เขียนขึ้นภายใต้ความประทับใจของเพลงบัลลาดที่มีชื่อเดียวกันของ F. Schubert ทั้งจังหวะของการแข่งขันยามค่ำคืนที่ดุเดือดและความสยองขวัญในการมองเห็นตอนกลางคืนจึงถ่ายทอดได้อย่างน่าเชื่อถือ

สถานที่พิเศษในบรรดาภาพประกอบดนตรีถูกครอบครองโดยวงจรกราฟิก "Fantasy on Themes of Brahms" (1894) โดยศิลปินชาวเยอรมัน M. Klinger ความเป็นเอกลักษณ์ของวัฏจักรนี้ถูกกำหนดโดยข้อเท็จจริงที่ว่ามันไม่เพียงแสดงถึงความพยายามที่จะรวบรวมดนตรีไว้ในภาพกราฟิกเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความพยายามที่จะสร้างการสังเคราะห์กราฟิกเชิงศิลปะและสัญลักษณ์ทางศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งเทียบเท่ากับเสียงดนตรี วงจรภาพรวมอยู่ในคอลเลกชันบันทึกที่มีผลงานของบราห์มส์และรวมเป็นหนึ่งเดียวกับเขา งานดนตรีและกราฟิกช่วยเสริมและแสดงภาพซึ่งกันและกัน โดยสรุปวงกลมของภาพและแนวคิดที่เหมือนกัน

ทิศทางที่สามของอิทธิพลของดนตรีที่มีต่อวิจิตรศิลป์นั้นเกี่ยวข้องกับความปรารถนาของศิลปินที่จะใช้ลักษณะจังหวะการประพันธ์และการจัดรูปแบบของเสียงดนตรีเมื่อสร้างภาพวาด ในขณะเดียวกัน อิทธิพลซึ่งกันและกันของศิลปะทั้งสองก็เกิดขึ้นในระดับที่ลึกซึ้งและสำคัญยิ่งขึ้น

นับเป็นครั้งแรกที่สิ่งนี้แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนและมีประสิทธิภาพที่สุดในยุคแห่งความโรแมนติกด้วยความปรารถนาที่จะผสมผสานศิลปะ ภาพวาดโรแมนติกกลายเป็น "ดนตรี" มากขึ้น: การวาดภาพและสีสันเริ่มทำหน้าที่ไม่มากนักในการพรรณนาสิ่งต่าง ๆ สัตว์ ผู้คนอย่างแม่นยำ แต่เป็นศูนย์รวมของแก่นแท้ภายในอารมณ์และจิตวิญญาณ ในงานด้านภาพ สีและการจัดองค์ประกอบจะต้องมาก่อน ความสามารถในการสร้างความประทับใจด้วยสีและเส้นราวกับเป็นของตัวเอง โดยค่อนข้างเป็นอิสระจากภาพหรือนอกเหนือจากนั้น หลักการวาดภาพประดับจังหวะและมีสีสันมีความเข้มข้นมากขึ้น

โดยเฉพาะอย่างยิ่งนี่คือภาพวาดของหนึ่งในตัวแทนชั้นนำของแนวโรแมนติกในการวาดภาพ - E. Delacroix ลองใช้ภาพเหมือนของโชแปงเป็นตัวอย่าง เราเห็นว่า “ใบหน้าของโชแปงถูกบดบัง การแสดงออกของเขาดูราวกับว่าผู้แต่งหมกมุ่นอยู่กับประสบการณ์ของเขาหมกมุ่นอยู่กับตัวเองเข้าสู่โลกส่วนตัวของเขา บางทีเสียงดนตรีหรืออาจเกิดในจิตวิญญาณของเขา สีของภาพบุคคลนั้นมืดมนเกือบเป็นเอกรงค์ แต่เมื่อเทียบกับพื้นหลังที่มืดมิด ราวกับการแสดงออกของชีวิตฝ่ายวิญญาณที่เข้มข้น ลายเส้นสีขาว แดง และเหลืองสดก็กะพริบ สีที่สุภาพและเงียบงันบังคับให้เรามุ่งความสนใจไปที่การแสดงออกทางสีหน้าเป็นพิเศษ” การแรเงาและโครงร่างที่ไม่ชัดเจนของใบหน้าเน้นย้ำถึงความสำคัญของสภาพภายในของฮีโร่และให้แนวคิดเกี่ยวกับความร่ำรวยความร่ำรวยและความเข้มข้นของการดำรงอยู่ทางจิตวิญญาณของเขา

การพัฒนาหลักการของการวาดภาพดนตรีเพิ่มเติมนำไปสู่การละทิ้งความเป็นกลาง ในงานของ V. Kandinsky เส้น สี จุดบนผืนผ้าใบกลายเป็นช่องทางในการถ่ายทอดเนื้อหาทางอารมณ์และดนตรี ศิลปินได้สร้างพจนานุกรมจดหมายโต้ตอบที่มีสีสันและดนตรี Kandinsky เข้าใจสีว่าเป็นเสียงดนตรีของเครื่องดนตรีบางชนิดและเชื่อมโยงกับความสัมพันธ์ต่างๆ ในบทความของเขาเรื่อง "On the Spiritual" (1911) ผู้ก่อตั้งโคลงสั้น ๆ นามธรรมนิยมให้ลักษณะต่อไปนี้กับสเปกตรัมสี:

สีเหลืองคือเสียงแตรที่มีโน้ตสูง ส้ม - ระฆังกลางหรือวิโอลา (ไวโอลิน, เสียง); สีแดง - การประโคม, หลอกหลอน, น้ำเสียงที่หนักแน่น; เขาม่วง-อังกฤษ, บาสซูน; เชลโลสีฟ้าอ่อน; ความลึกของเบสสีน้ำเงิน-ดับเบิ้ล, ออร์แกน; สีเขียว - ไวโอลินในทะเบียนกลาง สีขาว—ความเงียบ หยุดชั่วคราว เสียงของโลกเมื่อถูกปกคลุมไปด้วยน้ำแข็ง สีดำ - การหยุดชั่วคราว แต่มีลักษณะที่แตกต่าง - "ศพที่อยู่เหนือกว่าเหตุการณ์ทั้งหมด"

ภาพวาดของ Kandinsky รวมถึงดนตรีของ Scriabin ที่สร้างขึ้นในปีเดียวกันนั้นทำหน้าที่เป็นพื้นฐานสำหรับการสร้างการสังเคราะห์ดนตรีสีแสงใหม่ซึ่งได้รับการพัฒนาด้วยความสำเร็จทางเทคนิคในยุคของเรา

ประสบการณ์ที่น่าสนใจที่สุดในการคาดเดาลักษณะการเรียบเรียงและเป็นทางการของดนตรีเมื่อสร้างภาพวาดเป็นของศิลปินและนักแต่งเพลงชาวลิทัวเนีย M. Ciurlionis (2418-2454) ภาพวาดของ CIurlionis ถือเป็นดนตรีประเภทหนึ่งที่มองเห็นได้ ภาพวาดของเขาบางรอบเรียกว่า "โซนาตา" ("โซนาต้าแห่งท้องทะเล", "โซนาต้าแห่งดวงอาทิตย์", "โซนาต้าแห่งฤดูใบไม้ผลิ" ฯลฯ ) และสร้างขึ้นโดยการเปรียบเทียบกับโครงสร้างของวงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิก ประกอบด้วยสามหรือสี่ส่วน: Allegro, Andante, Scherco? ตอนจบ องค์ประกอบ จังหวะ อารมณ์ และโครงสร้างเป็นรูปเป็นร่างของแต่ละส่วนสอดคล้องกับจังหวะและลักษณะของส่วนต่างๆ ของวงจรนัตโน-ซิมโฟนิก

ตัวอย่างเช่น “Sonata of the Sea” ประกอบด้วยสามส่วน ส่วนแรก - Allegro และส่วนสุดท้าย - Finale - พรรณนาถึงทะเลที่มีพายุ กระสับกระส่าย และรวดเร็ว เราเห็นคลื่นสูงขึ้นและดูเหมือนได้ยินเสียงคำรามและเสียงคำรามของลม ในตอนจบ “คลื่นขนาดมหึมาพุ่งเข้าหาภาพในแนวทแยง ราวกับเสียงระเบิดอันทรงพลังของวงออเคสตรา ที่น่าทึ่งในพลังและความแข็งแกร่งของมัน ยอดของมันถูกคลื่นพาดผ่านด้านหลัง และด้านล่างตรงเชิงเขา เรือเล็ก ๆ ดูเหมือนจะเต้นด้วยการเคลื่อนไหวที่เฉียบคม สูงชัน และมีทิศทางตรงกันข้าม ฟองน้ำบนผนังคลื่นก่อให้เกิดอักษรย่อของ CIurlionis ที่มองเห็นได้ผ่าน ชั่วครู่หนึ่ง - แล้วพวกมันก็จะหายไปพร้อมกับเรือที่ถูกคลื่นกลืนหายไป” (2) ส่วนตรงกลางคืออันดันเต้ สงบและเงียบสงบ ทะเลพักผ่อนอย่างลึกลับ สปอตไลต์สว่างขึ้นบนขอบฟ้าราวกับดวงตาของสัตว์ประหลาดในเทพนิยาย ซึ่งอาณาจักรใต้น้ำมีซากปรักหักพังและซากเรือที่จมอยู่

1.3. ดนตรีและวรรณกรรม

ดนตรีและวรรณกรรมมีอิทธิพลอย่างมากต่อกันและกัน ดนตรียังเป็นกระบวนการโดยเนื้อแท้ซึ่งทำให้คล้ายกับศิลปะอื่นๆ ที่มีลักษณะชั่วคราวในธรรมชาติ เช่น ละครและภาพยนตร์ การลงและการขึ้น การเข้าใกล้และระยะทาง การเคลื่อนไหวและการพักผ่อน จังหวะของชีพจรและความรู้สึกของการหมุน การสั่นสะเทือน ความทะเยอทะยาน - ทั้งหมดนี้แสดงออกมาในระดับหนึ่งหรืออย่างอื่นในดนตรีชิ้นใดก็ตาม ที่นี่เรือของ Sinbad the Sailor กำลังโยกไปตามคลื่น (“ Scheherazade” โดย Rimsky-Korsakov) เรือแล่นอย่างราบรื่นไปตามผืนน้ำของคลอง (เพลงของเรือแจวเวนิสของ Mendelssohn) ผู้ขับขี่ควบม้าด้วยความเร็วสูงสุดบน ม้าร้อน (เพลง "The Forest King" โดย Schubert) และที่นี่เขากำลังวิ่งรถจักรความเร็วสูง "Pacific 231" (เพลงซิมโฟนิกของ Honegger ในชื่อเดียวกัน) บางครั้งคุณสมบัติขั้นตอนของดนตรีจะถูกเน้นโดยคำบรรยายประเภทลักษณะเฉพาะของงานเช่น "perpetuum mobile" - "perpetual movement" แต่ละยุคสมัยไม่เพียงแต่ทิ้งร่องรอยทางโวหารหรือแนวเพลงไว้ในศิลปะดนตรีเท่านั้น แต่ยังทำให้เกิดการเคลื่อนไหวทางดนตรีประเภทของตัวเองและสัมผัสถึงช่วงเวลาทางดนตรีของตัวเองอีกด้วย เป็นไปได้ไหมที่จะเปรียบเทียบการขับร้องบทสวดเกรโกเรียนในยุคกลางที่ราบรื่นและไม่เร่งรีบกับจังหวะที่บ้าคลั่งและจังหวะที่วิตกกังวลของดนตรีแห่งศตวรรษที่ 20

เสียง - วัสดุก่อสร้างที่ใช้ประกอบพื้นที่ดนตรี - สามารถรับรู้ได้ทันเวลาเท่านั้น (ท้ายที่สุดแล้วแม้แต่เสียงเดียวเพื่อที่จะเกิดขึ้นและรับรู้ได้จะต้องคงอยู่ชั่วขณะหนึ่ง) ในระบบ "เวลาเสียง" องค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของดนตรีจะเกิดขึ้นและทำงาน: ทำนอง โหมดและความประสาน จังหวะเมตร เนื้อสัมผัส และบางส่วน เช่น ทำนอง สามารถเกิดขึ้นได้ที่จุดตัดของ "พิกัดทั้งสอง" เท่านั้น " - เสียงและเวลา องค์ประกอบของภาษาดนตรีทำหน้าที่ร่วมกันในระบบหนึ่ง โดยแต่ละองค์ประกอบมีบทบาทในการแสดงออก ความหมาย และสร้างสรรค์เป็นของตัวเอง ระบบวิธีการแสดงดนตรีมักเรียกว่าภาษาดนตรี อย่างไรก็ตามชื่อนี้ดูเหมือนจะไม่ถูกต้องทั้งหมด - มันจะแม่นยำกว่าถ้าจะเปรียบเทียบไม่ใช่ด้วยภาษา แต่ด้วยคำพูดซึ่งสะท้อนถึงธรรมชาติของดนตรีทางโลกและการสื่อสารโดยตรงมากกว่า เช่นเดียวกับคำพูด ดนตรีขึ้นอยู่กับปฏิสัมพันธ์ของสองปัจจัย - ความต่อเนื่องและการแยกส่วน นี่คือการไหลของข้อมูลที่จัดระเบียบตามกฎของไวยากรณ์ บทบาทของเครื่องหมายวรรคตอนในดนตรีเล่นโดย caesuras หยุดชั่วคราว หยุดเสียงยาว จังหวะซึ่งแยกโครงสร้างความหมายและโครงสร้างออกจากกัน - แรงจูงใจ วลี ประโยค จุด เช่นเดียวกับวลี ประโยค ย่อหน้าในการพูดด้วยวาจา มีการจัดเรียงในลำดับชั้นที่แน่นอนและมีความหมายบางอย่าง - แต่ความหมายไม่ใช่แนวความคิด แต่เป็นดนตรี ซึ่งครอบคลุมหลายแง่มุมของการรับรู้ รวมถึงอารมณ์

เสียงและถ้อยคำยังคงเสริมสร้างซึ่งกันและกันในบทสวดทางศาสนา พิธีมิสซาและพิธีกรรม บทร้องและบทปราศรัย เพลง และบทเพลงโรแมนติก แม้แต่ดนตรีบรรเลงที่แยกออกจากคำพูดและท่าทางก็มักจะแบกรับภาระของน้ำเสียงในการพูดความน่าสมเพชเชิงปราศรัยและหันไปหาวรรณกรรมเป็นระยะ ๆ ไปจนถึงโครงเรื่องและรูปภาพวรรณกรรม การอุทธรณ์นี้นำไปสู่การสร้างศิลปะดนตรีสาขาพิเศษ - ที่เรียกว่าโปรแกรมดนตรี การเขียนโปรแกรมบ่งบอกถึงดนตรีในยุคโรแมนติกโดยเฉพาะ

ผลงานดนตรีโรแมนติกหลายชิ้นมีพื้นฐานทางวรรณกรรม ไม่ว่าจะเป็นในรูปแบบของโครงเรื่องที่มีรายละเอียด การเล่าเรื่อง (เช่นใน Symphony Fantastique ของ G. Berlioz) หรือ "ดิน" ซึ่งเป็นที่มาของภาพดนตรี นี่คือผลงานหลายชิ้นของ F. Liszt: ซิมโฟนี "Faust", ชิ้นส่วนเปียโน "Petrarch's Sonnet No. 104", "After Reading Dante"; B. Smetana: บทกวีไพเราะ "Richard III", "Camp Wallenstein"; P. Tchaikovsky: "Manfred", การทาบทามแฟนตาซี "Romeo and Juliet" ฯลฯ ในกรณีนี้ผู้แต่งดูเหมือนจะพูดถึงความประทับใจในงานวรรณกรรมในภาษาของดนตรีบรรเลง

นอกจากนี้ยังสามารถถ่ายทอดแนวคิดเชิงปรัชญาที่ซับซ้อนในดนตรีได้อีกด้วย ความพยายามที่จะรวมแนวคิดดังกล่าวเข้ากับโปรแกรมงานดนตรี โดยให้ไว้ในรูปแบบของบันทึกย่อของผู้แต่งและการกำหนดธีมดนตรี (“ธีมแห่งความฝัน”, “ธีมแห่งการสร้างสรรค์”, “ธีมแห่งการยืนยันตนเอง”, “ธีมแห่งความตั้งใจ”, “ธีมแห่งจังหวะวิตกกังวล”, “ธีมแห่งความปรารถนา”), A. N. รับหน้าที่แสดงการพัฒนาของธีมเหล่านี้ - ความคิด, การปะทะกัน, ปฏิสัมพันธ์, การเผชิญหน้า Scriabin ใน "บทกวีแห่งความปีติยินดี" อันโด่งดัง นอกเหนือจากการกำหนดเหล่านี้โดยผู้แต่ง หลังจากคะแนนของบทกวีเสร็จสิ้นและพิมพ์แล้ว ยังมีข้อความบทกวีของบทกวีที่แต่งโดยผู้แต่ง

“ผลของอิทธิพล ทีวรรณกรรมเกี่ยวกับดนตรีที่เราเห็นแม้จะนำเสนอโดยย่อแต่ยังห่างไกลจากการนำเสนอที่สมบูรณ์นั้นมีความน่าสนใจและเกิดผล ผลกระทบของดนตรีต่อวรรณกรรมก็น่าประทับใจไม่แพ้กัน ผลกระทบดังกล่าวบ่งบอกถึงศิลปะโรแมนติกและสัญลักษณ์นิยมตลอดจนวรรณกรรมของ ศตวรรษที่ 20

วรรณกรรมโรแมนติกที่เน้นดนตรีเป็นศิลปะที่โรแมนติกที่สุดกลายเป็นกระจกสะท้อนจิตวิญญาณของศิลปิน (จำได้ว่า “การหลั่งไหลจากใจของฤาษี - - ผู้รักศิลปะ") โคลงสั้น ๆ ของเขา "ไดอารี่คำสารภาพ ร้อยแก้วกลายเป็นโคลงสั้น ๆ กลายเป็น "ชีวประวัติของความรู้สึก"

บทกวีโรแมนติกกลายเป็นดนตรี - หลักการจังหวะและน้ำเสียง - ไพเราะได้รับการปรับปรุง Heine เขียนว่า: บทกวี "ความรู้สึกสอดคล้องกับสัมผัสซึ่งความหมายทางดนตรีมีความสำคัญอย่างยิ่ง ทำนองที่ไพเราะและไพเราะเป็นพิเศษดูเหมือนจะมีส่วนทำให้ “เครื่องดนตรีที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้น ซึ่งออกแบบมาเพื่อเน้นความรู้สึกนี้หรือความรู้สึกนั้นเป็นพิเศษในท่วงทำนองที่ผ่อนคลาย เช่นเดียวกับเสียงที่อ่อนโยนของเขาสัตว์ในป่าถูกขัดจังหวะด้วยเสียงแตรอย่างกะทันหัน” จึงเป็นที่มาของคำนี้ “เครื่องมือกลอน” ปรากฏขึ้น ต่อมารวมอยู่ในการวิจารณ์วรรณกรรม

ในที่สุด ดนตรีซึ่งเป็นองค์ประกอบของความรู้สึก ซึ่งเป็นหัวข้อของการอธิบายและการไตร่ตรอง กลายเป็นประเด็นสำคัญในวรรณกรรมและบทกวีโรแมนติก สิ่งบ่งชี้ที่ชัดเจนในเรื่องนี้คือผลงานของ E. T. A. Hoffmann บุคคลที่มีพรสวรรค์ในระดับสากล นักเขียน นักแต่งเพลง ผู้ควบคุมวง และจิตรกร แก่นของดนตรีในรูปแบบและเฉดสีที่หลากหลายกลายเป็นธีมที่ตัดขวางในงานวรรณกรรมของเขา (เรื่องสั้น: "Cavalier Gluck", "The Musical Sufferings of Johann Kreisler, Kapellmeister", บทสนทนา "กวีและนักแต่งเพลง", "Fragments ของชีวประวัติของ Johannes Kreisler” ซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของนวนิยายเรื่อง “Everyday Life”) มุมมองของแมว Murr

ความปรารถนาที่จะเลียนแบบดนตรียังส่งผลต่อพื้นฐานที่เป็นทางการและสร้างสรรค์ของวรรณกรรมโรแมนติกด้วย งานวรรณกรรมของนักเขียนโรแมนติกบางคน โดยเฉพาะฮอฟฟ์มันน์ มักมีโครงสร้างตามกฎของรูปแบบดนตรี ดังที่ V.V. Vanslov ตั้งข้อสังเกตว่า "เราสามารถพูดได้ว่า "Serapion Brothers" ของ Hoffmann สร้างขึ้นบนหลักการของชุด ใน "The Everyday Views of Murr the Cat" ของโครงร่างโซนาต้าสามารถสืบย้อนได้ และเรื่องราว "Adventures on the Eve of the New Year” และ “Robbers” เป็นตัวแทนของทั้งรูปแบบหรือการถอดความในธีมของ Chamisso และ Schiller แอล. ติ๊กผู้โรแมนติกอีกคนหนึ่งใช้การเปรียบเทียบทางดนตรีเพื่อกำหนดรูปแบบการเล่นของเขา ดังนั้นเขาจึงเรียกการแสดงสลับฉากที่น่าทึ่งในละครซิมโฟนี "Prince of Zerbino" และการสลับฉากในละครเรื่อง "The World Inside Out" เรียกว่าเป็นส่วนหนึ่งของวงจรโซนาต้า - ซิมโฟนิก: "Andan เต้" ; "อดาจิโอ", "รอนโด" “สำหรับลักษณะภายนอกของการเปรียบเทียบประเภทนี้ สิ่งเหล่านี้แสดงถึงการวางแนวที่ลึกซึ้งของความโรแมนติกที่มีต่อศิลปะดนตรี”

สัญลักษณ์ที่นำมาใช้จากแนวโรแมนติกแนวคิดของ panmusic-kala-justi ซึ่งเป็นความเชื่อมโยงภายในที่ลึกซึ้งระหว่างดนตรีกับแก่นแท้ของชีวิตโดยทั่วไป ดนตรีที่มีความเป็นกลางที่คลุมเครือและความไม่มั่นคงของภาพนั้นสอดคล้องกับแนวคิดของ Symbolists อย่างสมบูรณ์เกี่ยวกับสิ่งที่ศิลปะควรเป็น ดังนั้น กวีเชิงสัญลักษณ์ ยิ่งกว่าโรแมนติก ยังได้เสริมสร้างละครเพลงของบทกวี สร้างภาพของบทกวีที่โดดเด่นด้วยเครื่องมือที่มีความซับซ้อนและสง่างาม

ดังนั้นจากปากกาของ P. Verlaine (J844-1896) หนังสือบทกวีเรื่อง Romances without Words (1874) จึงได้รับการตีพิมพ์ ชื่อของคอลเลกชันบ่งบอกถึงความสนใจต่อดนตรีแห่งบทกวี ในบทกวี "Poetic Art" (1882) ซึ่งปฏิเสธและล้อเลียนหลักการของลัทธิคลาสสิกที่กำหนดไว้ใน "Poetic Art" ที่มีชื่อเสียงของ N. Boileau Verlaine พูดถึงละครเพลงเป็นพื้นฐานของกวีเชิงสัญลักษณ์ คำว่า "ดนตรีต้องมาก่อน" ของ Verlaine กลายเป็นหนึ่งในสโลแกนของสัญลักษณ์ นักวิจัยคนหนึ่งตั้งข้อสังเกตว่าโลกที่อยู่ใต้ปากกาของกวีมีลักษณะเป็นโลกแห่งบทกวีของบทกวีของ Verlaine กลายเป็นภาพเหมือนของจิตวิญญาณของเขา Verlaine “ขยายความรู้สึกอันละเอียดอ่อนอันน่าทึ่งไปสู่ทุกสิ่งที่เขาจ้องมอง ต้นไม้ ใบไม้ เม็ดฝน นกทุกต้นดูเหมือนจะส่งเสียงแทบไม่ได้ยิน ทั้งหมดนี้รวมกันเป็นดนตรีแห่งโลกแห่งบทกวีของ Verlaine นอกเหนือจากลักษณะเฉพาะนี้ นอกเหนือจากเพลงนี้แล้ว ไม่มีบทกวีของ Verlaine นี่คือที่มาของความยากลำบากและบางครั้งก็เป็นไปไม่ได้ในการแปลบทกวีของ Verlaine เป็นภาษาอื่น” แม้แต่การแปลที่ดีที่สุดก็ไม่สามารถถ่ายทอดการผสมผสานระหว่างสระ พยัญชนะ และเสียงจมูกซึ่งเป็นลักษณะเฉพาะของบทกวีของ Verlaine ได้ ดังนั้นในบทกวี "Autumn Song" จากคอลเลกชัน "Saturnichs Poems" อารมณ์ทั่วไปคือความเศร้า ความเหงา ลางสังหรณ์ถึงความตายในโลกที่หนาวเย็นและไม่แยแส Verlaine หันไปใช้เทคนิคพิเศษที่ช่วยยกระดับละครเพลงของท่อนนี้: เขาเน้นเสียงที่เด่น ใช้การซ้ำ และคำคล้องจองของผู้หญิงอย่างต่อเนื่อง การแปลภาษารัสเซียถ่ายทอดคุณลักษณะเหล่านี้ของต้นฉบับจากระยะไกลเท่านั้น:

ต่อ. V. Bryusov ในบทกวีของนักสัญลักษณ์ชาวรัสเซีย ความสนใจเป็นพิเศษบทกวีของ K. Balmont และ I. Annensky มีชื่อเสียงในด้านละครเพลงของกลอนนี้ ในคำนำของคอลเลกชัน "Burning Buildings" ฉบับที่สอง Balmont เขียนว่า: "ในหนังสือเล่มก่อน ๆ ของฉัน... ฉันแสดงให้เห็นว่ากวีที่รักดนตรีสามารถทำอะไรกับภาษารัสเซียได้ พวกเขามีจังหวะและเสียงระฆังอันไพเราะที่พบเป็นครั้งแรก” บทกวีของบัลมอนต์เป็นหนี้บุญคุณทางดนตรีจากการใช้คำเลียนเสียงธรรมชาติ การสัมผัสอักษร และความเชี่ยวชาญของแนวปะการังภายในอย่างกว้างขวาง ทั้งหมดนี้เป็นเรื่องปกติสำหรับบทกวีโปรแกรมหนึ่งของกวี - "ฉันเป็นผู้เชี่ยวชาญในการพูดช้าๆของรัสเซีย ... " จากซีรีส์เรื่อง The Snake's Eye (1901)

ฉันเป็นผู้เชี่ยวชาญการพูดช้าๆ ของรัสเซีย

ต่อหน้าฉันยังมีกวีผู้บุกเบิกคนอื่น ๆ

ฉันค้นพบความเบี่ยงเบนครั้งแรกในคำพูดนี้

ร้องเพลงโกรธกริ่งแผ่วเบา

ฉันเป็นคนหยุดกะทันหัน

ฉันเป็นคนเล่นฟ้าร้อง

ฉันเป็นกระแสที่ชัดเจน

ฉันมีไว้สำหรับทุกคนและไม่มีใคร

สาดหลายฟองแตกและหลอมรวมกัน อัญมณีแห่งดินแดนดั้งเดิม เสียงเรียกของป่าแห่งเดือนพฤษภาคมสีเขียว - ฉันจะเข้าใจทุกสิ่ง ฉันจะแย่งชิงทุกสิ่ง แย่งชิงทุกสิ่งจากผู้อื่น

อ่อนเยาว์ตลอดกาลเหมือนความฝัน

เข้มแข็งเพราะว่าคุณมีความรัก

ทั้งในตัวคุณเองและในผู้อื่น

ฉันเป็นบทกวีที่วิจิตรบรรจง

ความเข้มข้นของละครเพลงของบทกวีที่เข้มข้นขึ้นอย่างมากทำให้กวีไปสู่รูปแบบที่เก่าแก่ที่สุดและเก่าแก่ที่สุด - คาถาที่มีการทำซ้ำคำเป็นจังหวะอย่างไม่สิ้นสุด นี่คือบทกวี "ชื่นชมยินดี" จากหนังสือบทกวี "Green Vertograd" (1909)

โอ้หัวเราะคุณหัวเราะ!

โอ้หัวเราะคุณหัวเราะ!

ว่าพวกเขาหัวเราะด้วยความหัวเราะ, ว่าพวกเขาหัวเราะด้วยความหัวเราะ,

โอ้หัวเราะอย่างสนุกสนาน!

โอ้ เขาจะทำให้คุณหัวเราะ เสียงหัวเราะของคนหัวเราะที่ฉลาด!

ต่อหน้าฉันยังมีกวีผู้บุกเบิกคนอื่น ๆ

โอ้ หัวเราะไปกับเสียงหัวเราะของผู้หัวเราะขั้นสุดยอด!

สเมโว สเมโว

หัวเราะ หัวเราะ หัวเราะ หัวเราะ หัวเราะ,

โอเมยุนชิกิ, สเมยอนชิกิ.

โอ้หัวเราะคุณหัวเราะ!

โอ้หัวเราะคุณหัวเราะ!

กวีพยายามเจาะเข้าไปในรากของคำ เข้าไปในเสียงเริ่มต้นของราก พยายามที่จะเจาะเข้าไปในความหมายที่เก่าแก่ที่สุดของเสียงและคำ และ - ผ่านคำพูด - เข้าสู่ความทรงจำของมนุษยชาติ ตามรังของคำที่เกี่ยวข้อง Khlebnikov สร้างคำศัพท์ใหม่: "เสียงหัวเราะ", "emeyevo" และอื่น ๆ จากรากศัพท์ "sme" "คาถา" ของ Khlebnikov ทำเครื่องหมายขอบเขตที่เกินกว่านั้นซึ่งแทบจะเป็นไปไม่ได้เลยที่จะ "ปิดปาก" ของบทกวีเพิ่มเติม จากนั้นคำนั้นก็สูญเสียความหมายกลายเป็นเรื่องไร้สาระหรือคำอุทาน กวีนิพนธ์ในฐานะศิลปะสิ้นสุดลงแล้ว

ดังนั้น บทนี้จึงพิจารณาคุณลักษณะของดนตรีในฐานะรูปแบบศิลปะอิสระ ตลอดจนปฏิสัมพันธ์ของดนตรี วรรณกรรม และภาพวาด ความสัมพันธ์ของเสียง สี และภาพพิสูจน์ความจำเป็นในการทำความเข้าใจศิลปะแบบองค์รวม ระบบการศึกษาศิลปะเพิ่มเติมมักมุ่งเป้าไปที่การสอนศิลปะประเภทใดประเภทหนึ่ง อย่างไรก็ตาม การศึกษาสาขาวิชาทฤษฎี (ทฤษฎีและประวัติศาสตร์ดนตรี วิจิตรศิลป์ การละคร) เปิดโอกาสให้มีความเป็นไปได้อย่างไร้ขีดจำกัดในการสอนศิลปะในฐานะระบบที่เชื่อมโยงถึงกัน โดยอิงจากแนวคิดหลัก เช่น ความกลมกลืน องค์ประกอบ ภาพลักษณ์ทางศิลปะ และมุ่งเป้าไปที่การสะท้อนทางอารมณ์ของ ความเป็นจริง

2. คุณสมบัติของการสอนดนตรีให้กับเด็กวัยประถมศึกษา

2.1. ลักษณะทั่วไปของระบบการศึกษาเพิ่มเติมสำหรับเด็กนักเรียน

เงื่อนไขในการจัดตั้งการศึกษาเพิ่มเติมเป็นขอบเขตของการตัดสินใจด้วยตนเองอย่างอิสระของแต่ละบุคคลคือการดำเนินการตามโปรแกรมการสอนที่แปรผันและแตกต่างซึ่งสนองความต้องการด้านการศึกษาของลูกค้าที่มีแรงจูงใจและเนื้อหาที่แตกต่างกันซึ่งหลักคือเด็กและผู้ปกครอง . ความต้องการประเภทสำคัญได้แก่:

1. ความต้องการเชิงสร้างสรรค์ (สร้างสรรค์) ถูกกำหนดโดยความปรารถนาของผู้ปกครองในการพัฒนาความสามารถส่วนบุคคลของเด็กและโดยความปรารถนาของเด็กในการตระหนักรู้ในตนเองในกิจกรรมประเภทที่พวกเขาเลือก

2. ความต้องการด้านความรู้ความเข้าใจของเด็กและผู้ปกครอง กำหนดโดยความปรารถนาที่จะขยายปริมาณความรู้ รวมถึงในพื้นที่ที่อยู่นอกเหนือขอบเขตของโปรแกรมการศึกษาของโรงเรียน

3. ความต้องการด้านการสื่อสารของเด็กและวัยรุ่นในการสื่อสารกับเพื่อนฝูง ผู้ใหญ่ และครู

4. ความต้องการชดเชยของเด็กที่เกิดจากความปรารถนาที่จะแก้ไขปัญหาส่วนตัวในด้านการเรียนรู้หรือการสื่อสารผ่านความรู้เพิ่มเติม

5. ความต้องการการแนะแนวอาชีพของเด็กนักเรียนที่เกี่ยวข้องกับการปฐมนิเทศสู่การฝึกอบรมก่อนวิชาชีพ

6. ความต้องการด้านสันทนาการของเด็กในวัยต่างๆ พิจารณาจากความปรารถนาที่จะจัดเวลาว่างอย่างมีความหมาย

การดำเนินการตามความต้องการด้านการศึกษาส่วนบุคคลทำให้สามารถบรรลุเป้าหมายสำคัญทางสังคมของการพัฒนาส่วนบุคคลได้

ความสำคัญทางสังคมของโปรแกรมการสอนของการศึกษาเพิ่มเติมนั้นได้รับการรับรองโดยชุดเป้าหมายการพัฒนาส่วนบุคคลดังต่อไปนี้:

การพัฒนาองค์ความรู้ดำเนินการผ่านโปรแกรมเพิ่มเติมตลอดจนโปรแกรมสำหรับเด็กที่มีพรสวรรค์

การปรับตัวทางสังคม รวมถึงประสบการณ์การมีปฏิสัมพันธ์ระหว่างบุคคล โครงการริเริ่มทางสังคมต่างๆ ผ่านโครงการต่างๆ ของสมาคมสาธารณะสำหรับเด็ก การเลือกกิจกรรมวิชาชีพอย่างมีสติและประสบความสำเร็จผ่านโปรแกรมปฐมนิเทศและการฝึกอบรมเฉพาะทางก่อนวิชาชีพ

ปลดล็อกศักยภาพเชิงสร้างสรรค์ผ่านโปรแกรมที่มีเนื้อหาและระดับการเรียนรู้ที่แตกต่างกันสำหรับเด็กที่มีความสามารถแตกต่างกัน รวมถึงเด็กที่มีปัญหาด้านการเรียนรู้และการสื่อสาร ตลอดจนเด็กที่มีพรสวรรค์

การพัฒนาวัฒนธรรมทั่วไป รวมถึงวัฒนธรรมกิจกรรมยามว่าง ผ่านโปรแกรมที่หลากหลายในประเด็นความรู้ความเข้าใจ ให้เลือกรูปแบบและวิธีการจัดเวลาว่าง

การดำเนินการตามเป้าหมายเหล่านี้ได้รับการรับรองโดยมุ่งเน้นไปที่กิจกรรมเชิงปฏิบัติของเด็ก เอกลักษณ์ของโปรแกรมการสอนก็คือทั้งหมด ความรู้ทางทฤษฎีซึ่งรวมอยู่ในเนื้อหาของโปรแกรมได้รับการทดสอบในแนวปฏิบัติเชิงสร้างสรรค์ เปลี่ยนเป็นประสบการณ์ทางปัญญา การสื่อสาร และทางสังคมของการตระหนักรู้ในตนเองในกิจกรรมต่างๆ

โปรแกรมการศึกษา ได้แก่ โปรแกรมสำหรับเด็กก่อนวัยเรียน เด็กนักเรียน วัยรุ่นที่สำเร็จการศึกษาในโรงเรียน โปรแกรมมีความแตกต่างกันในด้านระยะเวลา เงื่อนไขการพัฒนา เทคโนโลยี ทิศทาง ความสมบูรณ์ของการศึกษาเพิ่มเติมในฐานะปรากฏการณ์ทางสังคมวัฒนธรรมเป็นตัวกำหนดธรรมชาติของโปรแกรม การรวมกันภายในโปรแกรมเดียวของระบบเพื่อการพัฒนาศักยภาพทางปัญญา อารมณ์ ศีลธรรม และการสื่อสารของแต่ละบุคคล ความสมบูรณ์ของโปรแกรมการศึกษายังมั่นใจได้ด้วยการบูรณาการสาขาวิชาต่างๆ ภายในโปรแกรมเดียว การแทรกซึมและการเสริมกิจกรรมประเภทต่างๆ (ความรู้ความเข้าใจ การสื่อสาร สุนทรียภาพ ฯลฯ)

ลักษณะที่สำคัญที่สุดของโปรแกรมการศึกษา ได้แก่ "การเปิดกว้าง" การเคลื่อนย้ายเนื้อหาและเทคโนโลยีภายในที่เกี่ยวข้องกับการวางแนวส่วนบุคคลโดยคำนึงถึงความสนใจและความต้องการของเด็กแต่ละคน

โปรแกรมการศึกษาด้านศิลปะมุ่งเน้นไปที่การพัฒนาวัฒนธรรมทั่วไปและสุนทรียศาสตร์ของนักเรียน ความสามารถทางศิลปะและความโน้มเอียงในรูปแบบศิลปะที่เลือกสรร โปรแกรมทั้งหมดมีลักษณะสร้างสรรค์ที่โดดเด่น โดยให้โอกาสในการแสดงออกอย่างสร้างสรรค์และด้นสดอย่างสร้างสรรค์ ในทางปฏิบัติสมัยใหม่ของการศึกษาเพิ่มเติม มีการจัดตั้งโปรแกรมที่มีการนำเสนออย่างกว้างขวางที่สุดหลายโปรแกรม: โปรแกรมความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรี โปรแกรมความคิดสร้างสรรค์การแสดงละคร โปรแกรมความคิดสร้างสรรค์การออกแบบท่าเต้น โปรแกรมทัศนศิลป์และศิลปะและงานฝีมือ ลักษณะเฉพาะของโปรแกรมศิลปะทั้งหมดคือลักษณะหลายระดับ โดยมุ่งเน้นไปที่นักเรียนที่มีศักยภาพด้านความรู้ความเข้าใจและความคิดสร้างสรรค์ที่แตกต่างกัน

ดังนั้นลักษณะที่สำคัญที่สุดของระบบการศึกษาศิลปะเพิ่มเติมคือการมุ่งเน้นไปที่การพัฒนาความสามารถเชิงสร้างสรรค์และเสรีภาพของเด็กในการนำนวัตกรรมการสอนไปใช้

2.2. การรับรู้ดนตรีของเด็กวัยประถมศึกษา

ในวรรณคดีดนตรี-ระเบียบวิธี คำว่า "การรับรู้" และ "การฟัง" สำหรับดนตรีมักจะปรากฏเหมือนกัน แน่นอน คุณสามารถฟังเพลงโดยเฉพาะ โดยเฉพาะเพลงที่เด็กนักเรียนไม่สามารถแสดงเองได้ (เช่น ดนตรีออเคสตรา) อย่างไรก็ตาม จุดประสงค์ของการฟังไม่ใช่เพียงเพื่อให้คุ้นเคยกับงานเช่นนั้นเท่านั้น ปัญหาของการฟัง - การรับรู้ทางดนตรี - กว้างกว่าการฟังเพียงอย่างเดียว นอกจากนี้ยังครอบคลุมถึงประสิทธิภาพด้วย เนื่องจากเราไม่สามารถทำงานได้ดีหากไม่ได้ยินว่ากำลังทำอะไรและทำอย่างไร การฟังเพลงไม่เพียงแต่หมายถึงการตอบสนองทางอารมณ์โดยตรงเท่านั้น แต่ยังหมายถึงการเข้าใจและสัมผัสเนื้อหา จัดเก็บภาพไว้ในความทรงจำ และจินตนาการถึงเสียงเพลงภายใน

ปัญหาการรับรู้ทางดนตรีเป็นหนึ่งในปัญหาที่ซับซ้อนที่สุดเนื่องจากความเป็นส่วนตัวของกระบวนการนี้และแม้จะมีเนื้อหาจำนวนมากที่ครอบคลุม (การสังเกตการศึกษาพิเศษ) แต่ก็ยังไม่ได้รับการแก้ไขในหลาย ๆ ด้าน

ก่อนอื่น คุณต้องจำไว้ว่าการรับรู้ใด ๆ (ของวัตถุใดวัตถุหนึ่ง ปรากฏการณ์ ข้อเท็จจริง) เป็นกระบวนการที่ซับซ้อนซึ่งอวัยวะรับสัมผัสต่างๆ มีส่วนร่วม ทำให้เกิดการเชื่อมต่อแบบสะท้อนกลับที่มีเงื่อนไขที่ซับซ้อนและซับซ้อน

แนวคิดของ "การรับรู้" ถูกกำหนดไว้ในจิตวิทยาว่าเป็นภาพสะท้อนของวัตถุและปรากฏการณ์แห่งความเป็นจริงในคุณสมบัติส่วนบุคคลทั้งหมด (รูปร่าง ขนาด สี ฯลฯ ) ที่กระทำต่อประสาทสัมผัสในขณะนั้น

การรับรู้ ตราบเท่าที่มันเกี่ยวข้องกับปัจเจกบุคคล ประสบการณ์ส่วนตัวของมันก็เป็นเรื่องส่วนบุคคลและแตกต่างกันเช่นกัน ส่วนใหญ่จะถูกกำหนดโดยลักษณะเฉพาะ ระบบประสาทรายบุคคล; มันยังคงเป็นการไตร่ตรองในการใช้ชีวิตแบบสะท้อนกลับอยู่เสมอ

การรับรู้ด้านสุนทรียศาสตร์หมายถึงความสามารถพิเศษของบุคคลในการรับรู้ถึงความงามของวัตถุรอบตัวเขา (ความงามของรูปร่าง สี เสียงดนตรี ฯลฯ) ความสามารถในการแยกแยะระหว่างความสวยงามและความน่าเกลียด โศกนาฏกรรมและการ์ตูน ประเสริฐและเป็นฐาน B. M. Teplov ตั้งข้อสังเกตว่าสำหรับ การรับรู้ด้านสุนทรียศาสตร์สิ่งสำคัญไม่ใช่ความหมายของวัตถุที่รับรู้โดยเฉพาะกับรูปลักษณ์ของมัน - น่าพอใจหรือไม่เป็นที่พอใจ กล่าวคือ ในการรับรู้เชิงสุนทรีย์ด้านประสาทสัมผัสของการรับรู้มีอำนาจเหนือกว่า

การรับรู้ดนตรี (“การรับรู้ทางดนตรี”) เป็นการรับรู้ทางสุนทรีย์ประเภทหนึ่ง: การรับรู้ดนตรี บุคคลต้องรู้สึกถึงความงามของมัน แยกความแตกต่างระหว่างความประเสริฐ ความตลกขบขัน...กล่าวคือ ไม่ใช่ว่าการฟังเพลงทุกครั้งจะเป็นดนตรี- การรับรู้ด้านสุนทรียภาพ เราสามารถพูดได้ว่าการรับรู้ทางดนตรีคือความสามารถในการได้ยินและสัมผัสกับเนื้อหาทางดนตรี (ภาพดนตรี) ทางอารมณ์ในฐานะที่เป็นเอกภาพทางศิลปะ โดยเป็นการสะท้อนความเป็นจริงทางศิลปะและเป็นรูปเป็นร่าง ไม่ใช่เป็นผลรวมทางกลไกของเสียงต่างๆ

เนื่องจากการ “เจาะเข้าไปในโครงสร้างภายในของดนตรี” เป็นกระบวนการที่ซับซ้อน จึงจำเป็นต้องได้รับการสอนเป็นพิเศษ เพียงแค่ฟังเพลงที่ไม่ได้จัดระเบียบ แต่อย่างใดไม่ได้ชี้นำจะทำให้คนมีเพียงเล็กน้อย - เขาต้องการความรู้ที่หลากหลายและประสบการณ์การรับรู้อย่างมีสติ

การรับรู้ทางดนตรีมีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับงานสร้างรสนิยมทางดนตรีและสุนทรีย์ รสนิยมนั้นโดดเด่นด้วยสิ่งที่บุคคลชอบเลือกและประเมินว่าสิ่งที่น่าสนใจและจำเป็นที่สุด หากผลงานทางศิลปะระดับสูงได้รับการประเมินทางอารมณ์เชิงบวกในทันที นั่นหมายความว่าเขามีรสนิยมที่ดี ไม่อย่างนั้นก็แย่ (อาจไม่ได้รับการพัฒนา) รสนิยมอาจมีจำกัดและกว้าง และในขณะเดียวกัน ดีหรือไม่ดี กล่าวคือ คนๆ หนึ่งอาจชอบงานศิลปะอย่างแท้จริง แต่อาจมีมากหรือน้อยก็ได้ สิ่งเดียวกันอาจกล่าวได้เกี่ยวกับรสชาติที่ไม่ดี: คุณชอบมากแต่คุณภาพต่ำ หรือทั้งน้อยและคุณภาพต่ำ

รสนิยมทางดนตรีที่ดีหมายความว่าเจ้าของสามารถสัมผัสถึงความสุขและความสุขจากผลงานที่สวยงามอย่างแท้จริง งานอื่น ๆ อาจก่อให้เกิดความเกลียดชังอย่างแข็งขัน (หากอ้างว่ามีความสำคัญ) หรือรับรู้โดยไม่ทิ้งร่องรอยสำคัญใด ๆ ไว้ในจิตวิญญาณของผู้ฟัง

ที่กล่าวมาทั้งหมดยืนยันถึงความสำคัญของตำแหน่งในความจำเป็นในการสอนการรับรู้ดนตรี แน่นอนก่อนอื่นคุณต้อง "สื่อสาร" กับเธอฟัง

ในบทเรียนดนตรีอุเกะในโรงเรียนประถม นักเรียนพร้อมกับดนตรีที่เขียนขึ้นเป็นพิเศษสำหรับเด็ก จะได้พบกับผลงานที่นอกเหนือไปจากละครเพลงสำหรับเด็กล้วนๆ ด้วยผลงานศิลปะคลาสสิกที่จริงจัง การแนะนำเด็กนักเรียนให้รู้จักกับบรรยากาศทางจิตวิญญาณของศิลปะอันยิ่งใหญ่ การแนะนำตัวอย่างความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีของรัสเซีย โซเวียต และต่างประเทศให้กว้างขวางที่สุดเท่าที่เป็นไปได้คือโปรแกรมของระบบชั้นเรียนดนตรีใหม่ในโรงเรียนมัธยมศึกษาตอนต้น ในเวลาเดียวกันความสามารถของเด็กนักเรียนในการกำกับอารมณ์และในเวลาเดียวกันการรับรู้ที่มีความหมายของผลงานดนตรีคลาสสิกที่มีความหมายนั้นถือเป็นผลลัพธ์สูงสุดของการพัฒนาทางดนตรีของเด็กนักเรียนซึ่งเป็นขั้นตอนของการก่อตัวของวัฒนธรรมของพวกเขา

แต่ลองคิดดู: ทำไมเด็กอายุเจ็ด, แปด, เก้าขวบถึงพัฒนาความสามารถในการรับรู้งานศิลปะทางดนตรีที่ยอดเยี่ยม? แท้จริงแล้ว เมื่อมองปัญหาที่เกิดขึ้นโดยไม่คำนึงถึงเงื่อนไขการเรียนรู้ที่แท้จริง อาจเกิดความสงสัยในเรื่องนี้ได้ อย่างไรก็ตามการเรียนการสอนสมัยใหม่ซึ่งจัดเตรียมระบบทั้งหมดสำหรับการกระตุ้นศักยภาพทางอารมณ์และสติปัญญาของนักเรียนให้กับครูสามารถขจัดปัญหาการเข้าไม่ถึงได้อย่างมีนัยสำคัญ มันเป็นเรื่องของรูปแบบกระบวนการความรู้ทางดนตรีที่เกิดขึ้น ความเป็นไปได้ของรูปแบบการสอนดังที่นักจิตวิทยาชื่อดัง Bruner, V.V. Davydov และคนอื่นๆ ชี้ให้เห็นอย่างถูกต้องนั้นกว้างและหลากหลายอย่างน่าประหลาดใจ

“ตัวกลางที่มีมนต์ขลัง” เหล่านั้นคืออะไรที่ช่วยเอาชนะ “ความเป็นไปไม่ได้” ในการรับรู้ดนตรีคลาสสิกของเด็กนักเรียนรุ่นเยาว์ สามารถสรุปได้โดยย่อ: การเชื่อมโยงวิภาษวิธี - การเชื่อมโยงการสอนพหุภาคีซึ่งรวมถึงดนตรีและเด็ก การเชื่อมต่อมีความสอดคล้อง ย้อนหลัง และในอนาคต การเชื่อมต่อที่ตัดกัน ความเชื่อมโยงระหว่างงานดนตรีต่างๆ ความเชื่อมโยงระหว่างดนตรีและประสบการณ์ในวัยเด็ก กล่าวอีกนัยหนึ่ง การเชื่อมโยงนั้นกว้างขวางและสมบูรณ์มาก ซึ่งเมื่อสร้างเป็นระบบองค์รวมแล้ว ความสัมพันธ์เหล่านั้นกลับกลายเป็นว่าไม่สมกับจำนวนการเชื่อมโยงที่ผู้ฟังรุ่นเยาว์เผชิญในสถานการณ์การรับรู้ศิลปะธรรมดาๆ ที่ไม่มีการจัดระเบียบที่ไม่มีการจัดระเบียบ

ให้เราอธิบายตำแหน่งนี้ด้วยเนื้อหาของโปรแกรม ในโรงเรียนประถมศึกษา 1 นักเรียนจะได้พบกับ Taorchesk ของ Tchaikovsky, Beethoven, Chopin, Prokofiev, Dunaevsky, Khachaturian และผลงานของศิลปินสำคัญอื่น ๆ สิ่งสำคัญอยู่ที่คุณภาพ ลำดับใด และบริบทใดที่เด็กๆ เรียนรู้เกี่ยวกับงานศิลปะของพวกเขา ผลงานของไชคอฟสกีซึ่งเผยให้เห็นเกย์แก่เด็กนักเรียนรุ่นเยาว์ไม่ได้เกี่ยวกับผืนผ้าใบไพเราะขนาดใหญ่ "ผู้ใหญ่" สำหรับน้ำเสียงของพวกเขา แต่สำหรับละครของการเรียบเรียง แต่สำหรับท่วงทำนองของเพลง การเต้นรำการเดินขบวนซึ่งผู้แต่งอยู่ใกล้เด็ก ๆ มากที่สุด มีนาคมจาก "The Nutcracker", เพลงวอลทซ์จาก "Sleeping Beauty", เต้นรำจาก "Swan Lake"; การแสดงเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย "In the field there is a birch" ซึ่งต่อมาเด็ก ๆ ร้องเพลงในภาษาของตอนจบของซิมโฟนีที่ 4 ~ เหล่านี้เป็นขั้นตอนแรกในการแนะนำให้เด็กนักเรียนรุ่นเยาว์รู้จักงานของไชคอฟสกี อย่างไรก็ตามนี่คือความคุ้นเคยกับไชคอฟสกีของแท้ (และไม่ใช่กับ "ดัดแปลง" ที่ทำให้ง่ายขึ้นเทียม) - ด้วยความงดงามของบทกวีจิตวิญญาณอันประเสริฐและในขณะเดียวกันก็เป็นเพลงรัสเซีย ความอ่อนโยนและความงดงามเป็นสองแง่มุมที่โดดเด่นที่สุดที่ส่องสว่างเส้นทางให้เด็กนักเรียนเข้าใจดนตรีของไชคอฟสกี

หน้าแรกที่เปิดโลกของ Beethoven ให้กับเด็กนักเรียนคือ "The Groundhog" ดนตรีที่เข้าถึงเด็กๆ ด้วยความเรียบง่ายที่น่าเศร้าและความเห็นอกเห็นใจ แต่ไม่ใช่สิ่งที่สำคัญที่สุดจากดนตรีของ Beethoven ที่บรรจุอยู่ในนั้น โดยคำนึงถึงความอ่อนไหวทางสังคม การประท้วงต่อต้านความอยุติธรรม และจรรยาบรรณอันลึกซึ้งในงานของ Beethoven “Merry. Sad”, “March” ทำนองจากการเคลื่อนไหวครั้งที่สามของซิมโฟนีชุดที่ 5 และการแสดงซิมโฟนีในส่วนนี้เผยให้เห็นแง่มุมต่างๆ ของเมฆอันกล้าหาญของ Beethoven เน้นย้ำงานด้านนี้ของเขา

"แกนกลาง" เป็นเรื่องปกติที่สุดสำหรับนักแต่งเพลงและแง่มุมที่สำคัญอื่น ๆ ของความสามารถของเขา - หลักการที่เด็กนักเรียนคุ้นเคยไม่เพียง แต่กับดนตรีของ Beethoven และ Tchaikovsky เท่านั้น แต่ยังรวมถึงศิลปะของ Grieg, Prokofiev, Khachaturian ด้วย และศิลปินสำคัญอื่นๆ

เด็กๆ จะค่อยๆ คุ้นเคยกับผลงานของนักประพันธ์เพลงคลาสสิกทีละขั้นตอน แต่การพบกับเพลง Susanin ของ Glinka ถือเป็นก้าวกระโดดที่ก้าวกระโดด เด็กนักเรียนตกใจกับการประชุมครั้งนี้ จากนั้นเด็ก ๆ จะฟังและแสดงผลงานอื่น ๆ ของ Glinka แต่อย่างแม่นยำ: งานนี้ "เกินจริงในการสอน" ความสามารถทางปัญญาและอารมณ์ของเด็ก ๆ และมีอิทธิพลต่อความสามารถของเด็ก ๆ ในการรับรู้ผลงานอื่น ๆ ของดนตรีรัสเซียคลาสสิกอย่างเพียงพออย่างมีความหมาย ทาง. Prokofiev นักเขียนจากดนตรียุคใหม่ที่อยู่ใกล้เรามีความเฉียบแหลมและมีเอกลักษณ์เฉพาะในภาษาดนตรีของเขาในขั้นต้นทักทายเด็ก ๆ ด้วยพลังอันร่าเริงของ "เดือนมีนาคม" จากนั้นเดินไปกับเด็ก ๆ ไปตามขั้นตอนของการเติบโตทางจิตวิญญาณของพวกเขา (“ The Child and the Wolf”) เรียกพวกเขาสู่โลกนี้ว่าเป็น "ผู้ใหญ่" ไม่เพียง แต่ในภาษาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงละครด้วย: โซดาแห่งดนตรีร้องครวญคราง (ชิ้นส่วนจาก "ซินเดอเรลล่า", "อเล็กซานเดอร์เนฟสกี้")

เด็กนักเรียนค้นพบความเชื่อมโยงที่หลากหลายระหว่างดนตรีรัสเซีย ตั้งแต่ "Kalinka" และ "Kamarinskaya" ไปจนถึง "Glory" ของ Glinka และ "Arise, Russian People" ของ Prokofiev และดนตรีของประเทศและชนชาติอื่น ๆ ดนตรีที่ร้องและบรรเลง ดนตรีของตัวเล็ก รูปแบบและดนตรีขนาดใหญ่ในกระบวนการเรียนดนตรี เมื่อศึกษาหัวข้อการศึกษาต่างๆ จะรับรู้ถึงดนตรีที่เคยรู้จักในแต่ละครั้งในรูปแบบใหม่ วิธีการผสมผสานความรู้ทางดนตรีเข้ากับกระบวนการรับรู้ทางดนตรีของเด็กนักเรียนนั้นมีความหลากหลายทางการสอน ในชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 ความรู้ทางดนตรีมีหน้าที่บ่งบอกเป็นส่วนใหญ่: ความรู้เกี่ยวกับ "สามเสาหลัก" (เพลง การเต้นรำ การเดินขบวน) ทำหน้าที่เป็นแนวทางสำหรับเด็กในการรับรู้ประเภทของดนตรีที่ยอดเยี่ยม - โอเปร่า บัลเล่ต์ และซิมโฟนี ในชั้นประถมศึกษาปีที่ 2 ความรู้ทางดนตรีของอูเกะไม่เพียงแต่เป็นแนวทางเท่านั้น แต่ยังหมายถึงวิธีการสังเกตดนตรีด้วย ตัวอย่างเช่น ความรู้เกี่ยวกับน้ำเสียง การพัฒนา รูปแบบ (การสร้าง) ของดนตรีจะนำการรับรู้ทางดนตรีของนักเรียนไปสู่สิ่งที่สำคัญที่สุดและจำเป็นใน ดนตรีชิ้นหนึ่งช่วยให้สามารถทำงานกับองค์ประกอบต่างๆ ของดนตรีได้ ในชั้นประถมศึกษาปีที่ 3 ความรู้ด้านดนตรียังทำหน้าที่เป้าหมายพร้อมด้วยฟังก์ชันบ่งชี้และปฏิบัติการ โดยมุ่งเป้าไปที่การรับรู้ทางดนตรีของเด็กในการระบุชุมชนระหว่างประเทศ ซึ่งเป็นเครือญาติทางอุดมการณ์ของดนตรีจากเชื้อชาติต่างๆ ดังนั้นการเชื่อมโยงการสอนที่หลากหลายจึงล้อมรอบจิตสำนึกทางดนตรีของเด็ก ๆ ที่เกี่ยวข้องกับบุคลิกภาพของพวกเขาในความสัมพันธ์ต่าง ๆ เกี่ยวกับดนตรีและการสรุปทัศนคติส่วนตัวของพวกเขาต่อผลงานดนตรีคลาสสิก

ดังนั้น, องค์กรการสอนกระบวนการพัฒนาดนตรีของเด็กซึ่งกำหนดโดยตรรกะของการจัดระเบียบของโปรแกรมช่วยให้เด็กนักเรียนที่อยู่ในโรงเรียนประถมศึกษาสามารถรับรู้ผลงานดนตรีคลาสสิกได้อย่างสุนทรีย์เพียงพอ ครูสอนดนตรีต้องไม่ลืมเกี่ยวกับลักษณะการสอนของโอกาสนี้ไม่ต้องพึ่งพา "ศักยภาพสูงในวัยผู้ใหญ่" ของเด็กยุคใหม่ แต่ต้องมั่นใจในการสอนอย่างเป็นระบบเพื่อพัฒนาการรับรู้ทางดนตรีของเด็กนักเรียน

การดึงดูดดนตรีคลาสสิกที่ดีที่สุดซึ่งสร้างขึ้นโดยตัวแทนที่โดดเด่นของวัฒนธรรมดนตรีโลกคือเป้าหมายพื้นฐานของโครงการ เนื้อหาใดที่อยู่เบื้องหลังแนวคิดนี้

ในแง่ของดนตรีวิทยา คำตอบที่ชัดเจนสำหรับคำถามนี้ได้รับการพัฒนาแล้ว: คลาสสิกเป็นตัวอย่างของภาษา รูปแบบ และแก่นแท้ของสุนทรียภาพของดนตรี ซึ่งเป็นที่ฝึกฝนความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีและการแสดงมานานหลายปี แต่ในแง่ของการศึกษาและจิตวิทยา คำตอบนั้นไม่ง่ายและเป็นที่รู้จักมากนัก ท้ายที่สุดแล้ว เราไม่ได้คิดเสมอไปว่าเมื่อชื่นชมผลงานที่ยอดเยี่ยมของคลาสสิก ดนตรีเช่นนี้เกี่ยวกับ "รายการทางจิตวิทยา" ที่ซ่อนอยู่ในผลงานเหล่านี้ซึ่งทำให้งานนี้มีชีวิตและมีชีวิตขึ้นมา เด็กๆ ซึ่งเป็นสิ่งมีชีวิตที่เติบโตทางด้านจิตใจ สังเกตเห็นจิตวิทยาที่ซ่อนอยู่นี้อย่างละเอียดถี่ถ้วน โดยพยายามค้นหาความกลมกลืนระหว่างพวกเขาเอง ความรู้สึกของชีวิต และดนตรี พวกเขาแสวงหาสิ่งใหม่ๆ แต่สำหรับพวกเขา สิ่งใหม่นั้นกว้างใหญ่ไพศาลมาก พวกเขามุ่งมั่นในการกระทำและการแสดงออก แต่ผลลัพธ์กลับไม่แน่นอนนัก พวกเขาต้องการโอบกอดโลกทั้งใบ แต่จิตสำนึกและความรู้สึกของพวกเขายังคงอยู่ในความมั่นคงซึ่งไม่ใช่ขอบเขตที่น่าพอใจที่สุดเสมอไป ครูสอนดนตรีจะไม่พบกันครึ่งทางในสถานการณ์เช่นนี้ได้อย่างไร ความสนใจของเด็กเพื่อการเปิดเผยตนเอง วิธีที่จะไม่นำพวกเขาไปสู่แหล่งข้อมูลที่ลึกที่สุดและสมบูรณ์ที่สุดโดยรู้ว่าภูมิปัญญาของการสร้างสรรค์ที่มีมนุษยธรรมของ Glinka, Chopin, Tchaikovsky และศิลปินหัวก้าวหน้าที่โดดเด่นอื่น ๆ นั้นเหมาะสมกับผู้ฟังเสมอ - ภูมิปัญญาที่ละเอียดอ่อน, ภูมิปัญญาที่อ่อนโยนของคลาสสิกกำหนด ขนาดจิตวิญญาณที่กว้างซึ่งสอดคล้องกับความรู้สึกและความคิดของพวกที่กำลังเติบโต มันกว้างขวาง รื่นเริง และสดชื่น” และในขณะเดียวกันก็มีความกลมกลืนและเรียบง่ายมาก คลาสสิก ~ คู่มือที่เป็นที่ต้องการมากที่สุดสำหรับการพัฒนาจิตใจของเด็ก - นี่คือความหมายพื้นฐานของการเลี้ยงลูกด้วยศิลปะชั้นสูง

ดนตรีในขณะที่ปฏิบัติงานที่สำคัญหลายอย่างอาจถูกเรียกร้องให้แก้ปัญหาบางทีสิ่งที่สำคัญที่สุด - เพื่อปลูกฝังความรู้สึกมีส่วนร่วมภายในแก่เด็ก ๆ ในวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณของมนุษยชาติเพื่อนำโลกของพวกเขาเข้าสู่โลกแห่งประวัติศาสตร์ที่เปล่งเสียงออกมาเต็มรูปแบบ สิ่งนี้จะได้รับการศึกษาในภาษาการสอน: เพื่อให้ความรู้ ตำแหน่งชีวิตเด็กนักเรียนในโลกแห่งดนตรี ความหลงใหลใน Beethoven ดนตรีของ Prokofiev และ Khachaturian การแต่งเนื้อเพลงของดนตรี Rachmanian และดนตรีของ Grieg เป็นมากกว่างานอดิเรกที่สมเหตุสมผล ในอันนี้. ในบรรยากาศทางอารมณ์ มุมมองของเด็กๆ ก่อตัวขึ้น ทัศนคติที่ไม่อวดดีผสานเข้ากับความคิดสร้างสรรค์ และความสัมพันธ์ทางสังคมก็ก่อตัวขึ้น”

แต่ให้เราหันไปดูด้านขั้นตอนของการฝึกสอนของครู โดยเฉพาะอย่างยิ่งเมื่อมีคำถามมากมายเกิดขึ้นที่นี่ซึ่งต้องการคำตอบจากนักจิตวิทยา ให้เราอาศัยสิ่งที่ยากที่สุดบางอย่าง

ปัญหาที่เฉียบพลันและยากประการหนึ่งในทฤษฎีและการปฏิบัติของการศึกษาด้านดนตรีของเด็กนักเรียนคือคำถามเกี่ยวกับความสามารถทางดนตรี ในกลุ่มเด็กที่แข็งแกร่งหลายล้านคนที่ได้สัมผัสดนตรีเป็นครั้งแรก มีเด็กที่แตกต่างกันในเรื่องทั่วไปและการฝึกดนตรี เด็กในชนบทแตกต่างจากเด็กในเมือง เด็กที่อาศัยอยู่ในศูนย์วัฒนธรรมและอุตสาหกรรมขนาดใหญ่ - จากนักเรียนในเมืองเล็ก ๆ ความแตกต่างทั้งไลฟ์สไตล์บรรยากาศ ชีวิตทางวัฒนธรรมแน่นอนว่าส่งผลต่อผู้ชายด้วย แต่นี่หมายความว่าเด็กบางคนสามารถและสามารถเรียนดนตรีได้ในขณะที่เด็กคนอื่นๆ ไม่สามารถเรียนศิลปะดนตรีได้หรือไม่? มาตอบทันที: ไม่ จากการวิจัยพบว่า เด็กที่มีสุขภาพการได้ยินทุกคนสามารถเข้าสู่โลกแห่งภาพและเสียงของดนตรีพื้นบ้านและดนตรีอาชีพได้อย่างเป็นธรรมชาติ

วิธีการแบบดั้งเดิมมีพื้นฐานอยู่บนแนวคิดทางจิตวิทยา โดยระบุหูทางดนตรีและการรับรู้ทางดนตรีด้วยการวางแนวเสียง การได้ยินแบบอะคูสติก (โดยพื้นฐานแล้วความสามารถในการรับรู้การเคลื่อนไหวของระดับเสียงและความแม่นยำของการสร้างเสียงร้อง) ถือเป็นคำพ้องความหมายกับการได้ยินทางดนตรี “ความเท่าเทียมกัน” นี้เป็นสาเหตุของความเข้าใจผิดทางทฤษฎีหลายประการ เช่นเดียวกับการคำนวณผิดและความล้มเหลวที่ตามมาในการฝึกดนตรีศึกษา โดยเฉพาะส่งผลให้สูญเสียการศึกษา จุดเริ่มต้นในการศึกษาด้านดนตรี การเปลี่ยนแปลงในการสอนดนตรีไปสู่เทคโนโลยีและรูปแบบนิยม ไปสู่ความโดดเด่นของแนวทาง Hanslickian ในการแก้ปัญหาความสามารถทางดนตรี นักจิตวิทยาโซเวียตผู้โด่งดัง B.M. Teplov ในงานของเขา "จิตวิทยาความสามารถทางดนตรี" (1947) ราวกับว่ามองเห็นความเป็นไปได้ของสถานการณ์เช่นนี้ทำให้การได้ยินทางดนตรีแตกต่างไปสู่การได้ยิน "ในที่แคบ" และใน "ความหมายที่กว้างของคำ"

โปรแกรมดี.เอส Kabalevsky อาศัยประเพณีที่ได้รับการปกป้องในสมัยของพวกเขาโดย Glinka และ Tchaikovsky และโดยเฉพาะอย่างยิ่งในยุคของเราโดย Asafiev ได้ฟื้นฟูแนวศิลปะความเข้าใจเชิงอุปมาอุปไมยของหูดนตรีในขณะที่ได้ยินโดยมุ่งเป้าไปที่ "ดนตรีเป็นชีวิต" เป็นหลัก ศิลปะที่ประกอบขึ้นประกอบด้วยความรู้สึก ความคิด แนวคิดชีวิตและภาพบุคคล แนวทางส่วนบุคคลในการปลูกฝังความสามารถของเด็กนักเรียนในการรับรู้ทางดนตรี (เช่น แนวทางที่เพียงพอสำหรับตำแหน่งเริ่มต้นของศิลปะดนตรี: บุคลิกภาพ - วัฒนธรรมดนตรี) และการสอนดนตรีได้รับวิธีการเร่งการพัฒนาหูของเด็กนักเรียนในด้านดนตรีในความรู้สึกใกล้ชิดของช้าง การทดลองทางจิตวิทยาง่ายๆ: ความสามารถในการได้ยินและสร้างลำดับเสียงในแบบฝึกหัดที่ยากสำหรับเด็ก และความสามารถในการได้ยินและทำซ้ำตามจินตนาการทางศิลปะของงานดนตรี - แสดงให้เห็นอย่างชัดเจนถึงข้อได้เปรียบที่โดดเด่นของวิธีที่สองเหนือ ครั้งแรก การทดลองนี้สามารถให้ผลลัพธ์ที่น่าประทับใจยิ่งขึ้นหากคุณพยายามพิจารณาจากมุมมองของความสัมพันธ์เชิงความหมายและส่วนบุคคลที่รวมอยู่ในกระบวนการนี้ในทั้งสองกรณี - และสิ่งนี้เปลี่ยน "การทดลอง" ให้กลายเป็นความจริงของการปฏิบัติที่สร้างสรรค์ของการเปลี่ยนแปลง ( ไม่เปลี่ยนแปลง) ,-การพัฒนาบุคลิกภาพ

ในระยะเริ่มแรก การเชื่อมโยงระหว่างการได้ยินทางดนตรีกับความสามารถด้านประสาทสัมผัสและประสาทสัมผัสอื่นๆ มีความสำคัญอย่างยิ่ง การแยกทางสายตา มอเตอร์ และส่วนประกอบอื่นๆ โดยไม่ตั้งใจไม่ได้เร่งให้เกิดการเร่ง แต่ก่อให้เกิดอันตรายต่อพัฒนาการของการได้ยินทางดนตรีและการเล่นดนตรี

ดังนั้น เมื่อคำนึงถึงความแตกต่างระหว่างเด็กในระดับพัฒนาการของการได้ยินทางดนตรี ครูจึงต้องใช้แนวทางที่แตกต่างในการกระตุ้นและประเมินความสำเร็จทางการศึกษาของเด็กนักเรียนที่อายุน้อยกว่า ในเวลาเดียวกัน ครูจะประเมินพัฒนาการของนักเรียน โดยไม่ได้อิงตามเกณฑ์เฉลี่ยของ "นักเรียนดี - แย่" แต่โดยคำนึงถึงความก้าวหน้าของนักเรียนแต่ละคน โดยคำนึงถึงระดับเริ่มต้นของเขาด้วย สิ่งสำคัญคือต้องไม่กระทบต่อกิจกรรมของเด็ก ความมั่นใจในตนเอง และความปรารถนาที่จะเข้าใจศิลปะดนตรีอย่างลึกซึ้งและครอบคลุมยิ่งขึ้น

แนวคิดของ "วิธีการ" ในการสอนตามประเพณีมักเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นกิจกรรมที่เป็นระเบียบเพื่อให้บรรลุเป้าหมายทางการศึกษา วิธีการนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยสามลักษณะ: ทิศทางของการเรียนรู้ (เป้าหมาย), วิธีการดูดซึม (ลำดับของการกระทำ), ธรรมชาติของปฏิสัมพันธ์ของวิชา (การสอนและการเรียนรู้) ในขณะเดียวกันก็มีวิธีต่างๆ กิจกรรมการศึกษาครูและนักเรียนมีการเชื่อมต่อและมีปฏิสัมพันธ์กันอย่างใกล้ชิด ในบางช่วงของการพัฒนาการสอนดนตรี การให้เหตุผลของวิธีการเป็นลำดับการกระทำของครูในการเรียนรู้เนื้อหาการศึกษาโดยนักเรียนอยู่เบื้องหน้า ระบบการศึกษาสมัยใหม่กำหนดงานตามการจัดกิจกรรมร่วมกันของครูและนักเรียนซึ่งกิจกรรมของวิชาต่างๆ กระบวนการศึกษากลายเป็นปัจจัยหลักและกำหนดอุปกรณ์ระเบียบวิธี

ไม่มีโปรแกรมการดำรงชีวิต เขียนโดย D. B. Kabalevsky โดยไม่มีวิธีการที่สอดคล้องกัน ไม่มีวิธีการใด ๆ หากไม่สอดคล้องกับโปรแกรมเฉพาะนี้ โปรแกรมและวิธีการในการเชื่อมโยงวิภาษวิธี การโต้ตอบ และพัฒนาอย่างต่อเนื่องเป็นแนวคิดการสอนแบบเดียว การเชื่อมต่อนี้ไม่ใช่เพียงสิ่งเดียว แต่เป็นเงื่อนไขบังคับสำหรับการเรียนในวิชาของโรงเรียนให้ประสบความสำเร็จ

มีแนวทางที่แตกต่างกันในการจำแนกวิธีการ ในการสอน หนึ่งในวิธีการที่พบบ่อยที่สุดคือการจำแนกวิธีการตามแหล่งความรู้ ได้แก่ วิธีทางวาจา เมื่อแหล่งความรู้คือคำพูดหรือคำที่พิมพ์ วิธีการมองเห็นเมื่อแหล่งที่มาของความรู้ถูกสังเกต วัตถุ ปรากฏการณ์ เครื่องช่วยการมองเห็น วิธีปฏิบัติเมื่อผู้เรียนได้รับความรู้และพัฒนาทักษะโดยการปฏิบัติจริง ให้เราดูรายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับคุณสมบัติของการใช้แต่ละกลุ่มวิธีการเหล่านี้ในบทเรียนดนตรีเป็นบทเรียนศิลปะ

วิธีการสอนด้วยวาจา (เรื่องราว การอธิบาย การสนทนา การอภิปราย การบรรยาย การทำงานกับหนังสือ) เป็นผู้นำในระบบวิธีการสอน ช่วยให้คุณสามารถถ่ายทอดข้อมูลจำนวนมากในเวลาที่สั้นที่สุด วางปัญหา ระบุวิธีการแก้ไข และสรุปผล ด้วยความช่วยเหลือของคำพูด ครูสามารถปลุกภาพที่สดใสของอดีต ปัจจุบัน และอนาคตในจิตใจของเด็ก ๆ คำนี้กระตุ้นจินตนาการ ความทรงจำ ความรู้สึกของนักเรียน คำพูดของอาจารย์ที่เขียนโดย V. A. Sukhomlinsky เป็นเครื่องมือที่ไม่สามารถถูกแทนที่ได้ในการมีอิทธิพลต่อจิตวิญญาณของนักเรียน ประการแรก ศิลปะแห่งการศึกษารวมถึงศิลปะแห่งการพูด การหันไปหาหัวใจมนุษย์... คำพูดนี้ไม่สามารถอธิบายความลึกของดนตรีได้อย่างครบถ้วน แต่หากไม่มีคำพูด เราก็ไม่สามารถเข้าถึงขอบเขตความรู้เกี่ยวกับความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนที่สุดนี้ได้ คำอธิบายของดนตรีควรมีเนื้อหาที่เป็นบทกวี บางสิ่งบางอย่างที่จะทำให้คำนี้ใกล้ชิดกับดนตรีมากขึ้น เนื่องจากเป็นจุดอ้างอิงที่แน่นอนสำหรับการรับรู้ทางดนตรี คำหนึ่งจึงไม่สามารถขจัดความคลุมเครือทางความหมายของภาพศิลปะได้ มันบอกทิศทางที่จินตนาการเชิงสร้างสรรค์ของเด็กพัฒนาขึ้นเท่านั้น

วิธีการมองเห็นมีจุดมุ่งหมายในการสอนเพื่อสร้างความคุ้นเคยให้กับนักเรียนเกี่ยวกับปรากฏการณ์ชีวิต กระบวนการ วัตถุในรูปแบบธรรมชาติหรือในการแสดงสัญลักษณ์โดยใช้ภาพวาด การทำซ้ำ แผนภาพ แบบจำลองทุกประเภท

เนื่องจากธรรมชาติของเสียงของศิลปะดนตรี วิธีการสอนด้วยภาพและการได้ยิน หรือวิธีการสร้างภาพการได้ยิน การสอนจึงมีความสำคัญเป็นพิเศษ การแสดงภาพประเภทลำดับความสำคัญในบทเรียนดนตรีคือเสียงของดนตรี ซึ่งเกี่ยวข้องกับการสาธิตผลงานดนตรีทั้งในรูปแบบเสียงสดและการใช้อุปกรณ์สร้างเสียง สิ่งที่มีคุณค่าเป็นพิเศษในเรื่องนี้คือการแสดงดนตรีโดยเด็ก ๆ เอง: การร้องเพลงประสานเสียง, การร้องเพลงแต่ละทำนอง, การเปล่งเสียง, การเล่นดนตรีเบื้องต้น, การเล่นเครื่องดนตรีในจินตนาการ, น้ำเสียงพลาสติก, การดำเนินรายการ, การแสดงดนตรีบนเวที ฯลฯ ปริมาณและคุณภาพของเพลงที่เล่น ในบทเรียนตลอดจนหน้าที่ในการละครของบทเรียนเป็นตัวบ่งชี้สำคัญของความสำเร็จของกระบวนการสอนดนตรี

ในบรรดาวิธีการและเทคนิคที่เน้นการฟังที่หลากหลาย บุคคลที่โดดเด่นในด้านการศึกษาดนตรีมวลชน (B.V. Asafiev, B.L. Yavorsky, N.L. Grodzenskaya, D.B. Kabalevsky) เน้นย้ำวิธีการสังเกตเป็นพิเศษและถือว่าเป็นองค์ประกอบพื้นฐานของการศึกษาด้านดนตรี

การสังเกตศิลปะตาม B.V. Asafiev หมายถึงประการแรกเพื่อให้สามารถรับรู้ได้ ประการแรกนี้หมายความว่ากิจกรรมการแสดงทุกรูปแบบ การแต่งเพลงโดยเด็ก ๆ จะได้รับอุปนิสัยที่จริงใจและมีสติ “ การสังเกต (ดนตรี - บันทึกของบรรณาธิการ) นำไปสู่การปฐมนิเทศของจิตสำนึกไม่ใช่ต่อวัตถุแต่ละชิ้นและคุณสมบัติของพวกมันในฐานะ "การแยกจากกัน" แต่ไปสู่การพึ่งพาซึ่งกันและกันและการผันคำกริยาของปรากฏการณ์ ดังที่มักจะเกิดขึ้นเมื่อสังเกตคุณสมบัติของปรากฏการณ์ที่จับต้องได้เท่านั้น แต่มองไม่เห็น ” เฉพาะในกรณีนี้ B.V. Asafiev เชื่อว่าดนตรีมีผลกระทบทางการศึกษาต่อเด็ก ๆ บนพื้นฐานของการเสริมประสบการณ์ชีวิตของพวกเขา "สภาวะทางจิตที่มีคุณค่าทางสังคม" ได้รับการปลุกให้ตื่น "ความคิดริเริ่มความมีไหวพริบไหวพริบในองค์กรทัศนคติเชิงวิพากษ์" ได้รับการพัฒนา นักเรียนเรียนรู้ที่จะสรุปและสรุปข้อมูลทั่วไป

ในการฝึกสอนดนตรี วิธีการมองเห็นและการมองเห็นหรือวิธีการทำให้มองเห็นชัดเจนก็ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายเช่นกัน ตัวอย่างเช่น อุปกรณ์ช่วยสอนด้วยภาพ แผนภาพ แผ่นโน้ตเพลง พจนานุกรมลักษณะทางอารมณ์ การทำซ้ำใช้เพื่อเตรียมเด็กให้รับรู้ถึงดนตรีและเพิ่มความประทับใจทางดนตรีด้วยการเชื่อมโยงทางภาพ ภาพวาดของเด็กเกี่ยวกับดนตรีและดนตรีทำหน้าที่คล้ายกันในบทเรียนดนตรี

ตามที่นักจิตวิทยาชื่อดังชาวรัสเซีย A. N. Leontiev การใช้การสร้างภาพควรคำนึงถึงสองประเด็น: บทบาทเฉพาะของเนื้อหาภาพในการดูดกลืนและความสัมพันธ์ของเนื้อหาหัวเรื่องกับหัวเรื่องที่จะหลอมรวม ด้วยเหตุนี้จึงจำเป็นต้องใช้ความชัดเจนดังกล่าวซึ่งกำหนดโดยแก่นแท้ของดนตรีในฐานะศิลปะน้ำเสียงเวลาการฟังที่เป็นอิสระรูปแบบเสียงน้ำเสียงที่มีความหมายของงานและกิจกรรมทางดนตรีที่แท้จริงของเด็ก

การสอนนักเรียนให้ติดตาม เข้าใจ และประเมินกระบวนการน้ำเสียงที่เกิดขึ้นในดนตรี โดยเน้นการวางแนวการได้ยินของระบบการศึกษาด้านดนตรีถือได้ว่าเป็นแนวทางพื้นฐานของการศึกษาด้านดนตรีในประเทศ จำเป็นต้องรักษาความสามัคคีในการโต้ตอบของการได้ยิน ความชัดเจนของภาพ การปฏิบัติจริงกับดนตรี

ถึง วิธีปฏิบัติในการสอนทั่วไป วิธีการต่างๆ มุ่งเป้าไปที่การรับข้อมูลในกระบวนการดำเนินการ “การสังเกตดนตรี” B.V. Asafiev เขียน “ก่อนอื่นเลย นำไปสู่ความประทับใจจากการได้ยินที่เข้มข้นขึ้น... และด้วยเหตุนี้ จึงเป็นการเพิ่มคุณค่าของประสบการณ์ชีวิตและความรู้เกี่ยวกับโลกของเราผ่านการได้ยิน... แต่มันเป็น จำเป็นต้องกระตุ้นสัญชาตญาณของนักแสดงในตัวผู้ฟัง จำเป็นที่ผู้คนจำนวนมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้จะต้องมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการสร้างดนตรีขึ้นมาใหม่ แม้จะเป็นเพียงขอบเขตที่เล็กที่สุดก็ตาม เฉพาะเมื่อบุคคลดังกล่าวรู้สึกจากภายในเนื้อหาที่ใช้ดนตรีเท่านั้น เขาจึงจะรู้สึกถึงกระแสของดนตรีภายนอกได้ชัดเจนยิ่งขึ้น

การมีส่วนร่วมในคณะนักร้องประสานเสียงทำให้เกิดความเป็นไปได้ที่จิตสำนึกทางดนตรีและความอ่อนไหวทางดนตรีจะเติบโตอย่างรวดเร็วยิ่งไปกว่านั้นหากยังคงดำเนินการกับการเคลื่อนไหวของเสียงที่พัฒนามือถือและเป็นอิสระ ... คำอธิบายใด ๆ จากภายนอกไม่ว่ามันจะสมบูรณ์แบบแค่ไหนก็ตาม เป็น เผยให้เห็นความหมายของคำศัพท์ทางเทคนิค ชี้แจงความหมายในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่ง แต่ไม่สามารถให้ความเข้าใจเกี่ยวกับดนตรีที่ไม่ได้มาจากการวิเคราะห์วิธีการแบบแห้งๆ แต่จากความรู้สึกที่มีชีวิตและความรู้สึกโดยตรง การมีส่วนร่วมส่วนบุคคลในการสืบพันธุ์พัฒนาคุณสมบัติเหล่านี้เพราะมันเป็นไปไม่ได้ที่จะรับรู้ด้วยความเป็นอยู่ทั้งหมดและไม่ใช่ด้วยจิตใจเท่านั้นที่ประสบความสำเร็จอย่างสร้างสรรค์หากอย่างน้อยก็ชั่วขณะหนึ่งของชีวิตคุณไม่รู้สึกเหมือนเป็นผู้สร้าง หรือผู้สมรู้ร่วมคิดในความคิดสร้างสรรค์ของใครบางคน เช่น นักแสดง " . รูปแบบเดียวกันนี้ใช้กับการรับรู้ดนตรีบรรเลงของเด็ก ๆ การรับรู้จะมีประสิทธิภาพมากที่สุดหากไม่เพียงแต่การได้ยินเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงกิจกรรมทางสายตาและมอเตอร์ด้วย การร้องเพลงตามที่ N. L. Grodzenskaya กล่าวไว้คือ "วิธีการที่กระตือรือร้นและสำคัญมากในการพัฒนาการรับรู้ทางดนตรี" ในเรื่องนี้ในสถานที่พิเศษในสถานที่พิเศษคือการกระทำที่เด็กสามารถสะท้อนถึงดนตรีที่รับรู้การเปล่งเสียงรวมถึงน้ำเสียงพลาสติกโน้ตดนตรีและสัญลักษณ์กราฟิก ทั้งหมดนี้ช่วยให้สัมผัสประสบการณ์ทางดนตรี เข้าใจเจตนาของผู้แต่งได้แม่นยำยิ่งขึ้น จดจำได้กระชับและรวดเร็วยิ่งขึ้น ในเวลาเดียวกัน เป็นเวลาหลายปีที่การรับรู้ทางดนตรีถูกระบุด้วยการฟังเพลง กิจกรรมดนตรีประเภทที่กระตือรือร้นและมีความสำคัญ ได้แก่ การร้องเพลงประสานเสียง การเล่นเครื่องดนตรี ฯลฯ สิ่งสำคัญคือการพัฒนาทักษะและความสามารถในการดำเนินกิจกรรมประเภทนี้

ปัญหาที่สร้างสรรค์และแปลกใหม่ที่สุดประการหนึ่งของการสอนการศึกษาด้านดนตรีคือคำถามว่าจะบรรลุภารกิจด้านการศึกษาของโปรแกรมในสถานการณ์เฉพาะของบทเรียนได้อย่างไร เงื่อนไขทางจิตวิทยาในการบรรลุผลนี้คืออะไร? เงื่อนไขที่สำคัญที่สุดคือการคำนึงถึงผลกระทบเฉพาะของศิลปะดนตรีที่มีต่อบุคลิกภาพของนักเรียนซึ่งเป็นตัวกำหนดความคิดริเริ่มของอิทธิพลที่ซับซ้อนทั้งหมดของครูที่มีต่อนักเรียน เราสามารถระบุองค์ประกอบหลักของอิทธิพลทางจิตวิทยาของครูได้: การกระตุ้นความสนใจ - ความหลงใหลในวิชานี้ - ทำให้ความคิดของนักเรียนลึกซึ้งยิ่งขึ้น การรับรู้ - การกลับมาของนักเรียนสู่สถานการณ์การสอนดั้งเดิมของบทเรียนในระดับใหม่ ขั้นตอนทางจิตวิทยาทั้งหมดของอิทธิพลการสอนดนตรีเหล่านี้มีจุดมุ่งหมายเพื่อการเปลี่ยนแปลงในท้ายที่สุด บุคลิกภาพทั้งหมดนักเรียนในกระบวนการเรียนดนตรีผลลัพธ์ของพวกเขาคือ "ขั้นตอน" เพื่อเข้าสู่ส่วนการพัฒนาคุณธรรมและสุนทรียภาพของเด็ก ๆ ที่เรียบง่าย แต่สมบูรณ์ภายใน อันที่จริง ขั้นตอนแรกของอิทธิพลการสอนดนตรีเกี่ยวข้องกับการเปิดเผยทางอารมณ์ (ความสุข ความประหลาดใจ ความชื่นชม) ของเด็กที่มีบุคลิกภาพ ซึ่งไม่เพียงแต่เกี่ยวข้องกับการรับรู้เท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสามารถทางสติปัญญา ประสบการณ์ชีวิต และแรงจูงใจส่วนตัวในกระบวนการเรียนดนตรีด้วย

ขั้นตอนที่สองของอิทธิพลการสอนดนตรี ซึ่งเป็นไปตามธรรมชาติจากขั้นที่แล้ว ทำหน้าที่ในการนำ "ความสนใจที่ตื่นเต้น" นี้ไปใช้ในกระบวนการ

เพื่อที่จะรักษากระบวนการที่น่าสนใจนี้ไว้ในช่วงระยะเวลาหนึ่งของบทเรียน ไม่เพียงแต่จะต้องแนะนำสิ่งใหม่ ๆ แง่มุมใหม่ ๆ เท่านั้น แต่ยังต้องทำให้ลึกซึ้งยิ่งขึ้นด้วย คำแนะนำในการสอนของกระบวนการนี้จะต้องมีจุดสูงสุดทางอารมณ์ของตัวเอง สุดยอด จากช่วงเวลานี้ เป็นเรื่องธรรมดาที่สุดที่จะนำเด็กๆ ไปสู่ความตระหนักรู้ ความเข้าใจทางปัญญาของเนื้อหาทางการศึกษาที่รับรู้ ตำแหน่งส่วนตัวของเด็กนักเรียนบ่งบอกถึงความสมบูรณ์และในขณะเดียวกันก็ "ก้าวไกล" บทเรียน (สู่อนาคต) ของจิตสำนึกทางดนตรีของเด็กนักเรียน

ขั้นตอนหลักสี่ขั้นตอนของอิทธิพลการสอนดนตรีตามอัตภาพเหล่านี้ไม่จำเป็นต้องใช้กับบทเรียนทั้งหมดเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงแต่ละส่วนที่ค่อนข้างสมบูรณ์ในแง่ของความหมายด้วย ด้วยเหตุนี้ ครูแต่ละคนจึงสามารถมี "คะแนนทางจิตวิทยา" ของตัวเองสำหรับโครงสร้างบทเรียนทางการศึกษาที่น่าตื่นเต้น

ฉันอยากจะดึงความสนใจไปที่ความจริงที่ว่าในทุกขั้นตอนของบทเรียน (แต่ในตอนแรกโดยเฉพาะอย่างยิ่ง) บทบาทที่สำคัญเป็นของสองปัจจัย: ความแปลกใหม่และความสำคัญที่ยั่งยืนของปัจจัยอิทธิพลภายนอก" ประการแรกมักจะต้องมี "การเตรียมการเบื้องต้น" ” จากครู - เทคนิคดั้งเดิมวิธีการและวิธีการแนะนำอารมณ์" เข้าสู่บทเรียนซึ่งเป็น "ตัวเลือกการแนะนำ" ประการที่สองเกี่ยวข้องกับ แบบฟอร์มใหม่อัพเดทชีวิตและประสบการณ์ทางดนตรีของเด็กนักเรียนเสริมสร้างความมั่นใจและความปรารถนาในการพัฒนาทางดนตรีปัจจัยที่สองมีความสำคัญมากขึ้นเนื่องจากเป็นตัวกำหนดความมั่นคงและการพัฒนาที่สม่ำเสมอของเด็กนักเรียนในทุกสถานการณ์ของการเรียนรู้ดนตรีตลอดจนชั้นเรียนดนตรีนอก มัน เป็นปัจจัยพื้นฐานมากกว่าปัจจัยแรก แต่ปัจจัยแรกเป็นเงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการเปิดใช้งานในเงื่อนไขและระยะเวลาเฉพาะต่างๆ

วิธีการแสดงละครทางอารมณ์ซึ่งใช้ในการเชื่อมโยงและเป็นเอกภาพกับวิธีการทั่วไปทางดนตรีช่วยให้ครูสามารถดำเนินงานด้านการศึกษาของโปรแกรมในเงื่อนไขเฉพาะของบทเรียนได้

ในสถานการณ์ของบทเรียนดนตรี ครูจะต้องคำนึงถึงลักษณะทางอารมณ์และอุปมาอุปไมยของอิทธิพลการสอนที่ส่งถึงนักเรียนอย่างละเอียดที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ คำพูดของครูควรเป็นรูปเป็นร่างเชิงกวีและในขณะเดียวกันก็ปรับทิศทางจิตใจของเด็กได้อย่างชัดเจน - กระชับและชัดเจนซึ่งจะสอดคล้องกับลักษณะเฉพาะทางจิตวิทยาของผลกระทบของดนตรีต่อบุคลิกภาพของเด็กนักเรียน ซึ่งจะเป็นการนำไปปฏิบัติในการสอนของครูนิติศาสตร์ดนตรี

แน่นอนว่าข้างต้นครอบคลุมถึงกลยุทธ์ทั่วไปของพฤติกรรมของครูในการโต้ตอบกับ shkelviks ความเป็นมนุษย์ ความอ่อนไหวทางอารมณ์ และไหวพริบไม่ใช่ข้อกำหนดภายนอกสำหรับครู แต่เป็นไปตามสถานการณ์ทางศีลธรรมของปฏิสัมพันธ์เชิงสุนทรีย์ระหว่างผู้ฟังและดนตรีโดยธรรมชาติ ท้ายที่สุดหากปราศจากความอบอุ่นและการปลดปล่อยทางอารมณ์โดยปราศจากความสนใจส่วนตัวของเด็กนักเรียนในด้านศิลปะดนตรีอย่างเปิดเผยไม่มีใครสามารถนับผลที่สร้างสรรค์มากขึ้นของการรุกทางอารมณ์ที่เป็นรูปเป็นร่างได้อย่างเต็มที่ ศิลปะดนตรี กิจกรรมของครูสอนดนตรีทั้งเล็กและใหญ่มุ่งเป้าไปที่ "การพัฒนาเด็ก" อยู่เสมอ นี่คือการกำหนดสภาพแวดล้อมในการสร้างกระบวนการศึกษาในห้องเรียนอย่างสร้างสรรค์

ดังนั้นเมื่อสรุปการพิจารณาประเด็นที่ประกอบขึ้นเป็นเนื้อหาของรากฐานทางจิตวิทยาของการศึกษาด้านดนตรีสำหรับเด็กนักเรียนที่อายุน้อยกว่าเราสังเกตว่าวงกลมของปัญหาเหล่านี้หมุนรอบ "ตัวเลข" หลักสามประการของกระบวนการศึกษาด้านดนตรี: ดนตรี - ครู - นักเรียน ครูเป็นผู้ไกล่เกลี่ยที่มีความสนใจอย่างลึกซึ้งในการมีปฏิสัมพันธ์เชิงสร้างสรรค์ "" ของเด็กนักเรียนกับศิลปะดนตรี เขาวัดทุกอย่าง ขั้นตอนของเขาที่เกี่ยวข้องกับการจัดองค์กรการกระตุ้นการควบคุมและการประเมินความสำเร็จทางการศึกษาของเด็กด้วยเนื้อหาทางศีลธรรมและสุนทรียศาสตร์ของดนตรีหลักการทางประชาธิปไตยของศิลปะดนตรีที่ก้าวหน้าหักเหในแนวทางการสอนและหลักการของโปรแกรมการศึกษาด้านดนตรีช่วยให้ เขาจะเลือกแนวทางทางจิตวิทยาที่ถูกต้องในการแนะแนวการสอนดนตรีและโดยทั่วไปแล้วการพัฒนาทางจิตวิญญาณของเด็กนักเรียนในบทเรียนดนตรี

เช่นเดียวกับที่คุณไม่สามารถก้าวลงสู่แม่น้ำสายเดียวกันสองครั้งได้ คุณไม่สามารถสอนบทเรียนสองบทที่เหมือนกันได้

โดยพื้นฐานแล้ว วัฒนธรรมดนตรีสามารถนิยามได้ว่าเป็นการสร้างสรรค์ผ่านความคิดสร้างสรรค์ และประการแรกคือการสร้างสรรค์โลกภายในของตนเองผ่านกิจกรรมทางศิลปะประเภทต่างๆ ความคิดสร้างสรรค์ในฐานะที่ความสามารถของเด็กในการสร้างสรรค์สิ่งใหม่ ต้นฉบับ ดีที่สุดนั้นจะเกิดขึ้นอย่างแข็งขันที่สุดเมื่อกิจกรรมทางดนตรีจากวัตถุแห่งความคิดสร้างสรรค์ภายนอกผ่านเข้าสู่สภาวะภายใน (การสะท้อน) และกลายเป็นการเปิดเผยตัวตนของเด็กอย่างมีความหมาย

ความคิดสร้างสรรค์ให้กำเนิดจินตนาการที่มีชีวิตและจินตนาการอันสดใสในตัวเด็ก ความคิดสร้างสรรค์โดยธรรมชาติแล้วขึ้นอยู่กับความปรารถนาที่จะทำสิ่งที่ไม่เคยทำมาก่อนหรือทำสิ่งที่มีอยู่ตรงหน้าคุณในรูปแบบใหม่ที่ดีกว่าในแบบของคุณเอง กล่าวอีกนัยหนึ่ง หลักการสร้างสรรค์ในตัวบุคคลคือการมุ่งไปข้างหน้า ให้ดีขึ้น ก้าวหน้า เพื่อความสมบูรณ์แบบ และแน่นอน เพื่อความงามในความหมายสูงสุดและกว้างที่สุดของแนวคิดนี้

นี่คือความคิดสร้างสรรค์ประเภทหนึ่งที่ศิลปะปลูกฝังในตัวบุคคล และในหน้าที่นี้ ไม่มีอะไรจะแทนที่ได้ ด้วยความสามารถอันน่าทึ่งในการกระตุ้นจินตนาการที่สร้างสรรค์ในตัวบุคคล ไม่ต้องสงสัยเลยว่ามันครองอันดับหนึ่งในบรรดาองค์ประกอบที่หลากหลายที่ประกอบกันเป็นระบบที่ซับซ้อนของการเลี้ยงดูของมนุษย์ และหากไม่มีจินตนาการที่สร้างสรรค์ก็ไม่มีทางที่จะก้าวไปข้างหน้าในกิจกรรมของมนุษย์ในด้านใดด้านหนึ่งได้

บ่อยครั้งที่ผู้ปกครองและแม้แต่นักการศึกษาสามารถได้ยินคำพูดเช่นนี้:“ ทำไมเขาถึงใช้เวลาอันมีค่าในการเขียนบทกวี - เขาไม่มีพรสวรรค์ด้านบทกวีเลย ทำไมเขาถึงวาด - เขาจะไม่กลายเป็นศิลปินอยู่แล้ว! พยายาม การแต่งเพลงบางประเภท - ท้ายที่สุดแล้วมันไม่ใช่ดนตรี แต่เป็นเรื่องไร้สาระ!.. ”

ช่างเป็นข้อผิดพลาดในการสอนครั้งใหญ่จริงๆ ในคำเหล่านี้! จำเป็นต้องสนับสนุนความปรารถนาในความคิดสร้างสรรค์ของเด็ก ไม่ว่าผลลัพธ์ของแรงบันดาลใจเหล่านี้จะไร้เดียงสาและไม่สมบูรณ์เพียงใดก็ตาม วันนี้เขาเขียนท่วงทำนองที่น่าอึดอัดใจไม่สามารถร่วมกับพวกเขาได้แม้แต่เพลงที่เรียบง่ายที่สุด แต่งบทกวีซึ่งมีคำคล้องจองที่สอดคล้องกับจังหวะและมิเตอร์ที่เงอะงะ วาดภาพสิ่งมีชีวิตมหัศจรรย์ที่ไม่มีแขนและมีขาเดียว...

เขาอาจจะไม่เป็นศิลปิน นักดนตรี หรือกวี (แม้ในวัยเด็กนี้เป็นเรื่องยากมากที่จะคาดเดาได้) แต่บางทีเขาอาจจะกลายเป็นนักคณิตศาสตร์ แพทย์ ครู หรือคนทำงานที่เก่งที่สุด แล้วแนวทางที่เป็นประโยชน์ที่สุดจะทำให้ ตัวเองรู้จัก งานอดิเรกสร้างสรรค์ในวัยเด็กของเขาซึ่งร่องรอยที่ดีจะยังคงอยู่ในจินตนาการที่สร้างสรรค์ของเขาความปรารถนาของเขาที่จะสร้างสิ่งใหม่ ๆ ของเขาเองดีกว่าก้าวไปข้างหน้าธุรกิจที่เขาตัดสินใจอุทิศชีวิตของเขา

บทบาทอันใหญ่หลวงของศิลปะและจินตนาการเชิงสร้างสรรค์ในการพัฒนาการคิดทางวิทยาศาสตร์นั้นเห็นได้จากข้อเท็จจริงอันน่าทึ่งที่ว่าส่วนสำคัญของปัญหาทางวิทยาศาสตร์และทางเทคนิคถูกหยิบยกขึ้นมาเป็นครั้งแรกด้วยศิลปะ และเพียงหลังจากนั้น บ่อยครั้งหลังจากหลายศตวรรษและแม้กระทั่งนับพันปีเท่านั้นที่ได้รับการแก้ไขโดย วิทยาศาสตร์และเทคโนโลยี.

การสนทนาเกี่ยวกับการบำรุงเลี้ยงความคิดสร้างสรรค์ในตัวบุคคลนำเราไปสู่ปัญหาที่สำคัญและเร่งด่วนในเงื่อนไขของเรา: ความแตกต่างระหว่างผู้เชี่ยวชาญ-ผู้สร้างและช่างฝีมือผู้เชี่ยวชาญ อันนี้สุดๆ ปัญหาสำคัญเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับปัญหาการศึกษาด้านสุนทรียภาพ

ผู้สร้างที่เชี่ยวชาญอย่างแท้จริงนั้นแตกต่างจากช่างฝีมือผู้เชี่ยวชาญทั่วไปตรงที่เขามุ่งมั่นที่จะสร้างบางสิ่งที่นอกเหนือไปจากสิ่งที่เขา "ได้รับคำสั่ง" ให้สร้าง ช่างฝีมือพอใจกับความจริงที่ว่าเขาสร้างสรรค์เฉพาะสิ่งที่เขาควรจะทำเท่านั้น - "จากที่นี่ไปที่นี่" เขาไม่เคยมุ่งมั่นเพื่อสิ่งที่ดีกว่าและดีกว่าและไม่ต้องการที่จะเป็นภาระให้กับตัวเองด้วยแรงบันดาลใจเช่นนั้น เขาไม่สามารถถูกกล่าวหาว่าทำงานไม่ดีได้ - ท้ายที่สุดแล้วเขาทำทุกอย่างที่เขาควรจะทำและอาจทำได้ดีด้วยซ้ำ แต่ทัศนคติที่เป็นทางการโดยทั่วไปต่องานของตน ไม่ว่าจะอยู่ในสาขาใด ไม่เพียงแต่ไม่ทำให้ชีวิตก้าวไปข้างหน้า แต่ยังทำหน้าที่เป็นเบรกด้วย เพราะในความสัมพันธ์กับชีวิตเราไม่สามารถยืนนิ่งได้ เราทำได้แค่ก้าวไปข้างหน้า หรือ ตกอยู่ข้างหลัง.

การมีหรือไม่มีความคิดสร้างสรรค์ในตัวบุคคล ทัศนคติที่สร้างสรรค์ต่องานของเขากลายเป็นแหล่งต้นน้ำที่ส่งผ่านระหว่างผู้สร้างผู้เชี่ยวชาญและช่างฝีมือผู้เชี่ยวชาญ

สิ่งนี้จะต้องเน้นย้ำให้ชัดเจน เพราะบางครั้งเราได้ยินความคิดเห็นแปลกๆ มากกว่าว่ามีทั้งอาชีพที่ "สร้างสรรค์" และอาชีพที่ "ไม่สร้างสรรค์" เข้าใจผิดที่สุด! และความเข้าใจผิดนี้ในทางปฏิบัติมักนำไปสู่ความจริงที่ว่าบุคคลที่มีส่วนร่วมในงานที่คาดคะเนว่าไม่สร้างสรรค์ถือว่าตนเองมีสิทธิ์ที่จะมีทัศนคติที่ไม่สร้างสรรค์ต่องานของเขา

ฉันไม่รู้จักพื้นที่ดังกล่าว อาชีพดังกล่าว ซึ่งเป็นไปไม่ได้ที่จะแสดงความคิดสร้างสรรค์ และเมื่อพวกเขาบอกว่านักเรียน - ผู้สำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนการศึกษาทั่วไปควรมุ่งเน้นไปที่อาชีพใดอาชีพหนึ่งฉันคิดว่าพวกเขาลืมสิ่งสำคัญ: ตั้งแต่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 มีความจำเป็นต้องปลูกฝังให้นักเรียนมีความคิดที่ว่า ไม่มีอาชีพที่ไม่ดี เช่นเดียวกับไม่มีอาชีพที่ไม่สร้างสรรค์ ซึ่งเมื่อทำงานในทุกอาชีพ แต่ละคนจะสามารถค้นพบโลกใหม่แม้จะเล็กก็ตาม แต่ถ้าเขาทำงานตามงานฝีมือ ไม่ใช่อย่างสร้างสรรค์ เขาจะไม่สร้างอะไรที่คุ้มค่าในอาชีพ "สร้างสรรค์" เลย

ดังนั้นงานที่สำคัญที่สุดของการศึกษาด้านสุนทรียภาพในโรงเรียนคือการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ในนักเรียนไม่ว่าจะปรากฏที่ใด - ในคณิตศาสตร์หรือดนตรีในฟิสิกส์หรือในกีฬาในงานสังคมสงเคราะห์หรือในการอุปถัมภ์ของนักเรียนระดับประถมศึกษาปีที่ 1 ความคิดสร้างสรรค์มีบทบาทอย่างมากในห้องเรียน ครูที่ดีทุกคนรู้เรื่องนี้ ท้ายที่สุดแล้ว เมื่อความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ปรากฏขึ้น จะช่วยประหยัดทั้งความพยายามและเวลาได้เสมอ และในขณะเดียวกันผลลัพธ์ก็เพิ่มขึ้น ด้วยเหตุนี้จึงไม่เป็นความจริงสำหรับครูที่ไม่เต็มใจที่จะแนะนำองค์ประกอบของสุนทรียศาสตร์และศิลปะในวิชาที่พวกเขาสอน โดยอ้างถึงข้อเท็จจริงที่ว่าภาระงานของตนเองและภาระงานของนักเรียนมีมากเกินไปอยู่แล้ว ครูเหล่านี้ไม่เข้าใจว่าพวกเขายอมแพ้ผู้ช่วยที่ใจดี ใจกว้าง และซื่อสัตย์ขนาดไหน

สิ่งสำคัญคือในการทำดนตรีอย่างสร้างสรรค์ (การร้องเพลง, การเล่นเครื่องดนตรี, การแสดง, น้ำเสียงพลาสติกและคำพูด, การคิด ฯลฯ ) เด็กจะแสดงสถานะของเขา, สัมผัสอารมณ์ของเขาในดนตรีตามอัตวิสัย, และไม่ได้ทำงานด้านเทคนิคของครู ภูมิปัญญาแห่งความคิดสร้างสรรค์อยู่ที่ว่าไม่จำเป็นต้องรีบเร่งความรู้สึกด้วยความคิดเราต้องวางใจในจิตไร้สำนึกของจิตวิญญาณของเด็ก ค่อยๆ รวบรวมและเปรียบเทียบความประทับใจ ความคิดทางดนตรีและการได้ยินของเขา ทันใดนั้นเขาก็ผลิดอกออกมาในการแสดงออกที่สร้างสรรค์ของเขา ราวกับดอกไม้ที่จู่ๆ ก็เบ่งบาน

1. อับดุลลิน อี.บี. ดนตรีในโรงเรียนประถมศึกษา. ม., 1985

2. หนังสือเรียนทฤษฎีวัฒนธรรมศิลปะเบื้องต้น เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก: 1993

3. การศึกษาเพิ่มเติมสำหรับเด็ก: Proc. ความช่วยเหลือสำหรับนักเรียน สูงกว่า หนังสือเรียน สถานประกอบการ./เอ็ด. ส.อ. เลเบเดวา. – อ.: ศูนย์สำนักพิมพ์ด้านมนุษยธรรม VLADOS, 2003.

4.จากประวัติศาสตร์การศึกษาด้านดนตรี เรียบเรียงโดย Apraksina O.A. การตรัสรู้ที่กรุงมอสโก พ.ศ. 2533

5. Kabalevsky D. การศึกษาจิตใจและหัวใจ มอสโก, การศึกษา, 2524

6. Kabalevsky D. จะบอกเด็ก ๆ เกี่ยวกับดนตรีได้อย่างไร มอสโก, การศึกษา, 1989

7. Kabalevsky D. ดนตรีในระดับ 4-7, มอสโก, การศึกษา, 2529

8. โปรแกรม Kabalevsky D. ดนตรีสำหรับโรงเรียนมัธยมศึกษา 1 3 ชั้นเรียน มอสโก, การศึกษา, 2523

9. ดนตรีที่โรงเรียน. เรียบเรียงโดย: T. Bader, E. Kritskaya, L. Levandovskaya มอสโก 2518

10. พอร์ฟิริเยวา เอ.แอล. ดนตรีคลาสสิกและความทันสมัย ม., 2545

11. จิตวิทยา. พจนานุกรมเอ็ด A. Petrovsky, M.: Politizdat, 1990.

12. เทเลวิช เอ.เอ. เรื่อง การศึกษาความรู้สึกของนักเรียนในการเรียนดนตรี อ.: 1968

13. ผู้อ่านเกี่ยวกับวิธีการศึกษาด้านดนตรี เรียบเรียงโดย Apraksina O.O. – มอสโก: การตรัสรู้ 2530

14. ชโคเลียร์ ไอ.วี. การศึกษาด้านดนตรีของเด็ก ม.: 2001

ปัญหาสมัยใหม่
การศึกษาด้านดนตรี
เด็กนักเรียนระดับต้น

เชบอคซารย์ 2010

กระทรวงศึกษาธิการและวิทยาศาสตร์
สหพันธรัฐรัสเซีย

สถาบันการศึกษาระดับอุดมศึกษาของรัฐ
อาชีวศึกษา
“รัฐชูวัช
มหาวิทยาลัยครุศาสตร์ตั้งชื่อตาม ไอ. ยา. ยาโคฟเลวา"

ปัญหาสมัยใหม่
การศึกษาด้านดนตรี
เด็กนักเรียนระดับต้น

ของสะสม บทความทางวิทยาศาสตร์

ปัญหานี้จัดทำขึ้นเพื่อฉลองครบรอบ 80 ปีของ ChSPU ที่ตั้งชื่อตาม I. Ya. Yakovleva

เชบอคซารย์ 2010

บีบีเค 74.266.7

ประเด็นร่วมสมัยการศึกษาด้านดนตรีของเด็กนักเรียนระดับต้น: การรวบรวมบทความ บทความทางวิทยาศาสตร์ / ตัวแทน เอ็ด S. G. Grigorieva, Z. M. Belyaeva – เชบอคซารย์: ​​ชูวัช. สถานะ เท้า. มหาวิทยาลัย, 2010. – 102 น.

จัดพิมพ์โดยการตัดสินใจของสภาวิชาการของสถาบันการศึกษาแห่งรัฐด้านการศึกษาวิชาชีพชั้นสูง "มหาวิทยาลัยการสอนแห่งรัฐชูวัชซึ่งตั้งชื่อตาม ไอ. ยาโคฟเลวา"

คอลเลกชันนี้จัดทำขึ้นบนพื้นฐานของวัสดุของการประชุมทางวิทยาศาสตร์และการปฏิบัติของพรรครีพับลิกัน "ปัญหาสมัยใหม่ของการศึกษาดนตรีของเด็กนักเรียนระดับต้น" ซึ่งจัดขึ้นที่คณะจิตวิทยาและการศึกษาเมื่อวันที่ 29 กันยายน 2553

ส่งถึงครู นักจิตวิทยา นักศึกษา ครูมหาวิทยาลัย นักการศึกษา และนักวิจัย

© สถาบันการศึกษาของรัฐด้านการศึกษาวิชาชีพชั้นสูง “รัฐชูวัช”
มหาวิทยาลัยครุศาสตร์ตั้งชื่อตาม และฉัน. ยาโคฟเลวา", 2010

^ การตีพิมพ์ทางวิทยาศาสตร์

ปัญหาสมัยใหม่ของการศึกษาด้านดนตรีสำหรับเด็กนักเรียนชั้นมัธยมศึกษาตอนต้น

รวบรวมบทความทางวิทยาศาสตร์

บรรณาธิการที่รับผิดชอบ: Grigorieva S. G. , Belyaeva Z. M.

ออกแบบปกโดย Ruskova S.P., Stolyarova Yu.A.

ลงนามเพื่อเผยแพร่เมื่อ 10/29/53 รูปแบบ 60x84/16 กระดาษเขียน.
การพิมพ์มีประสิทธิภาพ มีเงื่อนไข เตาอบ ล. 6.3. ยอดจำหน่าย 100 เล่ม หมายเลขคำสั่งซื้อ

GOU VPO "รัฐชูวัช"
มหาวิทยาลัยครุศาสตร์ตั้งชื่อตาม ไอ. ยาโคฟเลวา"

พิมพ์ในแผนกการพิมพ์

GOU VPO "การสอนของรัฐ Chuvash
มหาวิทยาลัยที่ตั้งชื่อตาม ไอ. ยาโคฟเลวา"

428000, เชบอคซารย์, st. เค. มาร์กซา, 38

↑ รุสคอฟ สตานิสลาฟ ปิเมโนวิช
ปริญญาเอก เท้า. วิทยาศาสตร์, รองศาสตราจารย์,

คณบดีคณะจิตวิทยาและศึกษาศาสตร์

บทบาทของดนตรีในการพัฒนาสุนทรียศาสตร์ของเด็กนักเรียน

ดนตรีมีบทบาทอย่างมากในการพัฒนาสุนทรียศาสตร์ของเด็กนักเรียน เช่นเดียวกับนิยาย ภาพวาด และศิลปะรูปแบบอื่นๆ อย่างไรก็ตาม ดนตรีมีลักษณะที่น่าอัศจรรย์ในตัวเอง: มีโลกของตัวเอง ความเป็นจริงตามวัตถุประสงค์ของตัวเอง วิธีการแสดงออก และวิธีการสะท้อนชีวิตของตัวเอง

ในความคิดของฉัน โดยธรรมชาติแล้ว มันเป็น "มนุษย์" มากกว่างานศิลปะประเภทอื่นๆ เพราะตั้งแต่แรกเกิดมันอาศัยอยู่ในเราแต่ละคนในรูปแบบของประสบการณ์ทางอารมณ์: ความสุขและความปรารถนา ความโศกเศร้าและความโศกเศร้า แรงบันดาลใจและความสนุกสนาน ความเศร้า และความรัก มักอยู่ในสภาพที่ไม่เป็นรูปธรรมหรือแม้แต่หมดสติ อย่างไรก็ตามหากมีการสร้างเงื่อนไขการสอนที่จำเป็นภายใต้การแนะนำของมืออาชีพบุคคลสามารถพัฒนาความรู้สึกสุนทรียะของการรับรู้ดนตรีในระดับสูงเพียงพอและแม้กระทั่งความสามารถในการสร้างดนตรี

ดนตรีเป็นบทพูดเดียวของความรู้สึก “ความรู้สึกหมายถึงความรู้สึกโดยตรงและเป็นที่เข้าใจได้เฉพาะความรู้สึกเท่านั้น” (L. Feuerbach) เราจะจำคำพูดของ K. Marx ไม่ได้ได้อย่างไร: “ถ้าคุณต้องการเพลิดเพลินกับศิลปะ คุณต้องเป็นคนที่มีการศึกษาด้านศิลปะ” เพื่อ การศึกษาทางศิลปะ หมายถึง การรู้และสามารถ “ก่อนอื่น การรู้ทฤษฎีและประวัติศาสตร์ศิลปะ การรู้การปฏิบัติทางศิลปะ และสามารถใช้งานศิลปะทางจิตวิญญาณได้ ในทางกลับกัน การศึกษาทางศิลปะจะ “นำ” ไปสู่ วัฒนธรรมศิลปะ ดังนั้นจึงจำเป็นต้องเริ่มกระบวนการพัฒนาสุนทรียศาสตร์ของเด็กนักเรียนด้วยดนตรีด้วยการพัฒนาความรู้สึกการดูดซึมความรู้ทางดนตรีความเข้าใจในรูปแบบดนตรีจากง่ายที่สุดไปจนถึงซับซ้อนที่สุด

ในดนตรี เราสามารถค้นพบความสัมพันธ์เชิงสุนทรีย์ทุกประเภทที่จำเป็นสำหรับการวิเคราะห์ความงามอันสมบูรณ์ของความเป็นจริงและศิลปะ ประการแรกคือหมวดหมู่เช่น: ความสมบูรณ์แบบ, สวยงาม, สวยงาม, สง่างาม, น่าเกลียด, ประเสริฐ, ฐาน, โศกนาฏกรรม, แย่มาก, การ์ตูน ฯลฯ

นอกจากนี้ ดนตรียังแสดงถึงความสมบูรณ์ของความสัมพันธ์ระหว่างความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะกับผู้คน - สัญชาติ ในทุกบทเพลงในผลงานของนักประพันธ์เพลงคนใดก็ตาม เราพบความสัมพันธ์ระหว่างความพิเศษ ความเฉพาะเจาะจง และเอกลักษณ์ที่มีอยู่ในวัฒนธรรมศิลปะของชาติ กับความทั่วไปซึ่งเกิดขึ้นเนื่องจากความเชื่อมโยงและการพึ่งพาอาศัยกันอย่างครอบคลุมของชาติต่างๆ ปฏิสัมพันธ์ของวัฒนธรรมประจำชาติ

ความแปลกประหลาดของศิลปะดนตรีก็อยู่ที่ความจริงที่ว่าเนื่องจากความเฉพาะเจาะจงของภาษาจึงสามารถเข้าถึงได้สำหรับทุกเชื้อชาติ ไม่มีดนตรีใดที่ผู้อื่นไม่สามารถรับรู้ได้ เป็นที่ยอมรับกันโดยทั่วไปว่ายิ่งระดับวัฒนธรรมของการดำรงอยู่ของชาติสูงขึ้นเท่าใด ความเชื่อมโยงระหว่างประเทศก็จะยิ่งกว้างขึ้น ดนตรีก็จะยิ่งรวมอยู่ในการติดต่อระหว่างประเทศมากขึ้นเท่านั้น และได้รับการเสริมคุณค่าด้วยประเพณีของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติอื่นๆ

จำเป็นต้องพูดถึงปรากฏการณ์ทางดนตรีอีกประการหนึ่งซึ่งเป็นปรากฏการณ์สากล ความจริงก็คือการรับรู้โลกในลักษณะเฉพาะและการเรียนรู้ตามกฎแห่งความงามนักดนตรีมืออาชีพย่อมประเมินพวกเขาจากมุมมองของความสำคัญของพวกเขาต่อมนุษยชาติอย่างหลีกเลี่ยงไม่ได้ หลักการสากลของมนุษย์กลายเป็นพื้นฐานของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะซึ่งมีมนุษยนิยม ความเป็นมนุษย์ทั้งมวล และความเป็นสากล ดังนั้นเราจึงได้ข้อสรุปว่าดนตรีมีความสวยงามและมีศักยภาพทางการศึกษาอย่างมาก

พลังการศึกษาของดนตรีถูกกำหนดด้วยเหตุผลหลายประการ:

- ดนตรีแสดงโดยตรง อิสระ ไม่แสร้งทำเป็นว่าเป็นจริง ไม่กำหนดแนวความคิดอย่างเด็ดขาด ไม่ใช่การสอน

- ตอบสนองความสนใจและความต้องการทางจิตวิญญาณต่าง ๆ ของบุคคล - สุนทรียภาพ, การชดเชย, ความนับถือตนเอง, คุณธรรม, ความรู้ความเข้าใจ ฯลฯ

– ถ่ายทอดประสบการณ์ของศิลปิน-นักแต่งเพลง บุคคลอื่นๆ มากมาย เหตุการณ์ ยุคสมัย แต่ก็เปิดกว้างเสมอ ประสบการณ์ส่วนตัวผู้ที่สื่อสารกับเธอรวมถึงประสบการณ์นี้ระหว่างการสื่อสารสร้างความเป็นไปได้ของการร่วมเขียนในการค้นพบความจริง - ความงามและความงาม - ความจริงความดีและความชั่วศีลธรรมและผิดศีลธรรมมนุษยธรรมและไร้มนุษยธรรม ฯลฯ ;

– ทำหน้าที่อย่างครอบคลุมตลอด โลกฝ่ายวิญญาณมนุษย์และพลังทางจิตวิญญาณทั้งหมดของมนุษย์ กระตุ้นอารมณ์และการได้ยิน ความคิดและความรู้สึก แรงกระตุ้นจากสติและปฏิกิริยาตามสัญชาตญาณ จินตนาการและสัญชาตญาณ ส่งผลต่อบุคลิกภาพของผู้ที่สื่อสารกับเขา

ดังนั้น ดนตรีจึงมีศักยภาพทางการศึกษามหาศาล และเหนือสิ่งอื่นใดคือผลของประสบการณ์ ความสามารถในการทำให้เราได้สัมผัสกับสิ่งที่บรรจุอยู่ในนั้น ท้ายที่สุดแล้วการได้สัมผัสกับบางสิ่งบางอย่างหมายถึงการแนบปรากฏการณ์ (เหตุการณ์) ของความเป็นจริงเข้ากับชีวิตส่วนตัวของคุณเพื่อให้เป็นไปตามที่นักจิตวิทยาพูด ข้อเท็จจริงในชีวประวัติของคุณ... นั่นคือถ้าเหตุการณ์นี้หรือเหตุการณ์นั้นปรากฏการณ์การกระทำ บุคคลมีประสบการณ์ มันฝังอยู่ในส่วนลึกของจิตสำนึกของเขา สร้างอารมณ์ ทัศนคติส่วนตัวที่ใกล้ชิดต่อชีวิตและแรงจูงใจในระยะยาวสำหรับกิจกรรมของเขา นี่คือจุดที่พลังการศึกษาหลักของดนตรีอยู่การยืนยันแนวคิดนี้คือการแสดงออกที่มีชื่อเสียงของเพลโต: “ ใครก็ตามที่ได้รับการศึกษาในด้านนี้เท่าที่ควรจะรับรู้ถึงการละเว้นและข้อบกพร่องต่างๆ ในธรรมชาติและศิลปะอย่างกระตือรือร้น... เขาจะ สรรเสริญสิ่งสวยงาม และเมื่อรับมันเข้าไปในจิตวิญญาณของเขาแล้ว เขาจะกินมัน และตัวเขาเองจะไร้ตำหนิ และเขาจะประณามและเกลียดชังสิ่งที่น่าเกลียดตั้งแต่อายุยังน้อยอย่างถูกต้อง…”

อเล็กเซเยฟ เยฟเจนีย์ วาเลรีวิช

นักศึกษาชั้นปีที่ 5 คณะดุริยางคศาสตร์และการสอน

สถาบันการศึกษาของรัฐด้านการศึกษาวิชาชีพชั้นสูง "ChSPU ตั้งชื่อตาม ไอ. ยาโคฟเลวา"

^ ประสบการณ์การใช้เพลงพื้นบ้าน

ในการทางสังคมวัฒนธรรมชาติพันธุ์
เด็กนักเรียนชั้นมัธยมศึกษาตอนต้น

ทันสมัย การฝึกสอนมีโปรแกรมการศึกษาต่างๆ ในคลังแสงที่มุ่งเป้าไปที่การขัดเกลาทางสังคมทางชาติพันธุ์และวัฒนธรรมของเด็ก

แนวความคิดสมัยใหม่สำหรับการใช้เพลงพื้นบ้านในการขัดเกลาทางสังคมชาติพันธุ์และวัฒนธรรมของเด็กนักเรียนที่อายุน้อยกว่านั้นมีพื้นฐานอยู่บนบทบัญญัติเกี่ยวกับเพลงพื้นบ้านว่าเป็นวิธีที่มีประสิทธิภาพในการแนะนำเด็กให้เข้าสู่วัฒนธรรมดั้งเดิม ในทางกลับกัน ประเพณีถือเป็นภาษาในการสื่อสารระหว่างประชาชน ซึ่งเป็นรูปแบบพิเศษในการสร้างสถานการณ์การสื่อสารที่ไม่ขัดแย้ง

การศึกษาเพลงพื้นบ้านภายใต้กรอบของโปรแกรมการศึกษาสมัยใหม่ดำเนินการโดยมีความสัมพันธ์กับวิถีชีวิตแบบดั้งเดิมและในบริบทของปฏิทินพื้นบ้านในลัทธิและพิธีกรรมที่การมีส่วนร่วมของเด็กและวัยรุ่นเป็นสิ่งสำคัญ แนวทางนี้ช่วยให้เด็กๆ รู้จักกับโลกแห่งนิทานพื้นบ้านในฐานะพื้นที่วัฒนธรรมชาติพันธุ์พิเศษ และมีส่วนช่วยในการสร้างแนวคิดแบบองค์รวมเกี่ยวกับนิทานพื้นบ้าน โลกทัศน์ของชาวบ้าน คุณค่าทางจริยธรรมและสุนทรียภาพ

ตามกฎแล้ว ครูพยายามสอนเด็ก ๆ เกี่ยวกับสไตล์การร้องเพลงพื้นบ้าน (ทั้งการแสดงเดี่ยวและวงดนตรี) ฝึกฝนลักษณะเฉพาะของวัฒนธรรมการร้องเพลงในระดับภูมิภาค แนะนำเด็ก ๆ ให้รู้จักกับวัฒนธรรมดั้งเดิมร่วมกับระบบการศึกษาด้านดนตรีระดับประถมศึกษา และจัดให้มีเสียงร้องและ ทักษะการแสดงร้องเพลง ละครเพื่อการศึกษามุ่งเป้าไปที่การนำเด็กๆ เข้าสู่กิจกรรมสร้างสรรค์เชิงปฏิบัติ รวมถึงเกม การเต้นรำรอบ เพลง และการทำดนตรีพื้นบ้านรูปแบบต่างๆ กระบวนการเรียนรู้ขึ้นอยู่กับรูปแบบที่รองรับปฏิทินวันหยุดและพิธีกรรมพื้นบ้าน ดังนั้นการเรียนรู้มักมีโครงสร้างเป็นการเตรียมและถือวันหยุดตามปฏิทิน ดังนั้นในฤดูใบไม้ผลิ เด็ก ๆ จะร้องเพลงฤดูใบไม้ผลิ และในฤดูร้อน - เพลงฤดูร้อน ฯลฯ

ใน ระเบียบวิธีรายบุคคลและ ชั้นเรียนกลุ่มผสมผสานการปฏิบัติ (การสวดมนต์ การเรียนรู้และการแสดงเพลง การเล่นเกมเต้นรำรอบ ฯลฯ ) และส่วนทางทฤษฎี (เรื่องราวของครูเกี่ยวกับปฏิทินพื้นบ้าน ช่วงเวลาของปี วันหยุดตามปฏิทิน ข้อมูลจากประวัติของประเภท ประเพณีของ ประสิทธิภาพการทำงาน ฯลฯ) การฟังเพลงและเพลงพื้นบ้านอย่างมีจุดมุ่งหมาย การพบปะกับนักแสดงเพลงพื้นบ้าน การเยี่ยมชมเทศกาลและคอนเสิร์ตดนตรีพื้นบ้านของรัสเซีย ถือเป็นวิธีการสำคัญในการขัดเกลาทางสังคมวัฒนธรรมชาติพันธุ์ของเด็กนักเรียนที่อายุน้อยกว่า อายุเฉพาะของนักเรียนและสื่อนิทานพื้นบ้านทำให้สามารถจัดการฝึกอบรมในรูปแบบได้ เกมพื้นบ้าน, ละครพื้นบ้าน, การแสดงพิธีกรรม, การรวมตัว, งานเลี้ยงตอนเย็น ฯลฯ ตามกฎแล้วจะใช้แบบฟอร์มดังกล่าวในชั้นเรียนสุดท้ายในหัวข้อใดหัวข้อหนึ่ง

เพลงพื้นบ้านสะท้อนชีวิตมนุษย์ความปรารถนาดีและความสุข ด้วยความช่วยเหลือของเพลงพื้นบ้าน นักเรียนจะได้รู้จักกับประวัติศาสตร์และวัฒนธรรมของผู้คนของพวกเขา

เราวิเคราะห์โปรแกรมการศึกษาเพิ่มเติมสำหรับเด็กภายใต้กรอบของ หลักสูตรการฝึกอบรม“ นิทานพื้นบ้านรัสเซีย” และ “ นิทานพื้นบ้าน Chuvash” พัฒนาโดยอาจารย์สำหรับโรงเรียนศิลปะสำหรับเด็กและโรงเรียนดนตรีของสาธารณรัฐเชเชน ดังนั้นในโครงการของ Natalia Yuryevna Petrova หัวหน้าสตูดิโอนิทานพื้นบ้านรัสเซียและวงดนตรีพื้นบ้าน "Zorenka" ของสถาบันการศึกษาเทศบาล "โรงเรียนมัธยมหมายเลข 59" ใน Cheboksary จึงมีข้อสังเกตเป็นพิเศษว่าเพลงพื้นบ้านไม่ได้เป็นเพียง " สวดมนต์ด้วยคำพูด” แต่ส่วนหนึ่งของชีวิตมนุษย์และช่วงเวลาของการประหารชีวิตมีความสำคัญมากเนื่องจากโดยพื้นฐานแล้วนี่คือช่วงเวลาแห่งการถ่ายทอดประสบการณ์จากรุ่นสู่รุ่น Natalia Yuryevna นึกถึงคุณยายของเธอที่ "ร้องเพลงทั้งความสุขและความเศร้าของเธอขณะนั่งอยู่บนล้อหมุนหรืองานอื่นๆ" ดังนั้นในงานของเธอ เธอไม่เพียงแต่มองว่าตัวเองเป็นครูเท่านั้น แต่ยังเป็นคุณย่า-พี่เลี้ยงเด็กที่จะเล่านิทานให้ฟังอีกด้วย เด็ก ๆ เกี่ยวกับทุกสิ่งและฟังพวกเขาเอง ในสำนักงานด้านหลังกาโลหะพวกเขาดื่มชาอย่างมีความสุขและเล่านิทาน และชั้นเรียนของพวกเขาเริ่มต้นด้วยการทำความรู้จักกันและเรียนรู้การสลับลิ้นและการนับคำคล้องจอง วิธีการจัดชั้นเรียนในทุกขั้นตอนของการฝึกอบรมประกอบด้วยงานร้องและร้องประสานเสียง การร้องเพลงเพื่อการศึกษาและการฝึกอบรม การสื่อสารข้อมูลทางทฤษฎี องค์ประกอบการเรียนรู้การเต้นรำพื้นบ้าน การแนะนำเด็ก ๆ ให้รู้จักกับปฏิทินพื้นบ้าน และการเล่นเครื่องดนตรีที่มีเสียง ดนตรีและนิทานพื้นบ้านที่สนุกสนานได้รับการเรียบเรียงในลักษณะที่รวมถึงบทบาทของครู ผู้ปกครอง และครูการศึกษาเพิ่มเติม เด็ก ๆ สามารถใช้ทักษะที่ได้รับทั้งหมดในช่วงวันหยุดของครอบครัว

ละครของวงดนตรีสำหรับเด็ก "Tivlet" ของโรงเรียนดนตรีสำหรับเด็ก Khyrkasi ประกอบด้วยเพลงเต้นรำแบบกลม: "Shyvĕ yukhat", "Avăt kukkuk", "Vitĕr-vitĕr vir kĕrpi", "Tarăn-varăn puçĕnche" ฯลฯ ; การนับคำคล้องจอง: “Pĕrre-pĕri”, “Vĕt-vĕltĕren ayĕnche”, “Pĕrttĕn-pĕrttĕn” ฯลฯ; เพลงรับเชิญและเพลง: "โอ้ การไถ การไถสวน", "Sad savănat", "Kĕçĕr văyla çumăr çună" ฯลฯ ผู้อำนวยการและนักดนตรีของวงดนตรีนี้คือ Antonina Vladimirovna Lukina ครูด้านการศึกษาเพิ่มเติมในประเภทสูงสุด “การแสดงต่อหน้าผู้คนเป็นเรื่องยาก แต่การแสดงบนเวทียังคงอยู่ตลอดไป เรามีวัฒนธรรมอันยาวนาน เรามีบางสิ่งที่น่าภาคภูมิใจ เกม เพลง เพลงสำหรับเด็ก - การเรียนรู้ทั้งหมดนี้จำเป็นและสำคัญมาก เด็กๆ ควรจะชื่นชมยินดีได้ และหากไม่มีเพลงก็เป็นไปไม่ได้ บางทีเด็ก ๆ อาจจะไม่ได้เป็นศิลปิน แต่ถ้าพวกเขานำเพลงชูวัชอย่างน้อยหนึ่งเพลงไปสู่อนาคต ประเพณีก็จะดำเนินต่อไปซึ่งหมายความว่างานของฉันไม่ไร้ประโยชน์” ครูเชื่อมั่น

ดังนั้นจากประสบการณ์การขัดเกลาทางสังคมวัฒนธรรมของเด็กนักเรียนชั้นต้น เพลงพื้นบ้านจึงเป็นเครื่องมือสำคัญ ประสบการณ์ที่อ้างถึงของครู Petrova N. Yu. และ Lukina A. V. เป็นเพียงส่วนเล็ก ๆ แต่บ่งบอกถึงประสบการณ์มากมายในการใช้เพลงพื้นบ้านในการแนะนำคนรุ่นใหม่ให้รู้จักวัฒนธรรมชาติพันธุ์ของประชาชนในสาธารณรัฐชูวัช

อับราโมวา ทัตยานา อเล็กซานดรอฟนา

ครูสถาบันปกครองตนเองแห่งสาธารณรัฐเชเชนแห่งการศึกษาระดับมัธยมศึกษา "วิทยาลัยการสอน Kanash"

^ บทบาทของครูประถมศึกษา
ในการศึกษาด้านดนตรีของเด็กนักเรียนชั้นมัธยมศึกษาตอนต้น

ประสบการณ์สมัยใหม่ในการสอนบทเรียนที่โรงเรียนแสดงให้เห็นอย่างน่าเชื่อว่าครูสามารถเป็นผู้สร้างที่แท้จริงได้ก็ต่อเมื่อทุกนาทีที่เขาเชื่อมต่อกับสิ่งที่เขาเล่น ร้องเพลง หรือแสดงออกกับโลกภายในของเขาด้วยทัศนคติของเขาต่อสิ่งที่ได้ยินกับของเขา ประสบการณ์ชีวิต. หากครูเมื่อคิดผ่านบทเรียนไม่ถือว่าตัวเอง ความรู้สึก ความคิด ประสบการณ์เป็น "วัตถุ" แล้วเขาจะค้นหาเส้นแบ่งระหว่างความรู้สึกภายนอก - เย็นชา ไม่แยแส และภายใน - มีประสบการณ์อย่างลึกซึ้งได้อย่างไร งานด้านศิลปะและการสอนทุกงาน แนวคิดบทเรียนจะต้องเป็นธรรมชาติสำหรับครู มีประสบการณ์อย่างลึกซึ้งจากเขา และที่สำคัญที่สุดคือระบุด้วย "ฉัน" ของเขา กระบวนการนี้มีความซับซ้อน แต่เพียงการมีอยู่ของมันเท่านั้นที่เปลี่ยนบทเรียนให้กลายเป็นความจริงที่แท้จริงของศิลปะ โดยธรรมชาติแล้วในการสร้างสรรค์ทางศิลปะเฉพาะสิ่งที่แนะนำโดยกระบวนการประสบการณ์ที่แท้จริงเท่านั้นที่มีคุณค่า และเมื่อนั้นศิลปะเท่านั้นจึงจะเกิดขึ้นได้ สิ่งนี้ควรนำมาประกอบกับกระบวนการสอนในห้องเรียนโดยสมบูรณ์ การดื่มด่ำกับภาพศิลปะอย่างแท้จริง ความเข้าใจนั้นเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับกระบวนการของประสบการณ์ กับความสามารถในการถ่ายทอดผ่านตัวเอง กับความรู้สึกของน้ำเสียงของผลงานดนตรีที่เป็นของตัวเอง

ฉันเชื่อว่าการเตรียมจิตใจ เทคนิค สติปัญญา และวิชาชีพไม่เพียงพอสำหรับการเรียนดนตรี จำเป็นต้องเตรียมบทเรียนด้วยอารมณ์ด้วย

สิ่งสำคัญโดยเฉพาะอย่างยิ่งในด้านอารมณ์ของทักษะทางวิชาชีพของครูสอนดนตรีคือความสามารถในการค้นหาโทนเสียงที่เหมาะสมสำหรับบทเรียน ความสัมพันธ์ระหว่างภายนอกและภายในในศิลปะการสอนบทเรียนสามารถแก้ไขได้สำเร็จโดยการพัฒนาทักษะการแสดงในตัวครู

หากแนวคิดเกี่ยวกับงานดนตรีได้รับการกำหนดขึ้นด้วยคำพูดไม่กี่คำและสื่อสารกับเด็กในรูปแบบนี้ ชีวิตของแนวคิดนั้นก็จะจบลงที่นั่น สิ่งสำคัญคือต้องปลุกความรู้สึกของนักเรียนในความคิดนี้ แต่ต้องอาศัยวิธีการที่มีอิทธิพลต่อจิตใจไม่มากเท่ากับความรู้สึก การแสดงมีศักยภาพมากในเรื่องนี้

นักเรียนชั้นประถมศึกษาส่วนใหญ่ยังคงมีความสามารถในการโต้ตอบอย่างรุนแรงต่อปรากฏการณ์ส่วนบุคคลที่ส่งผลกระทบต่อเขา ในแง่นี้เด็กนักเรียนชั้นต้นแตกต่างจากเด็กก่อนวัยเรียนเล็กน้อย โดยทั่วไปแล้วเด็กนักเรียนตัวเล็กจะมีปฏิกิริยารุนแรงต่อสิ่งต่างๆ รอบตัวเขา

ทิศทางเชิงกลยุทธ์ในการทำงานของครูอยู่ในกรอบของการแก้ปัญหาการศึกษาที่มุ่งเน้นบุคลิกภาพการศึกษาดังกล่าวซึ่งบุคลิกภาพของนักเรียนจะเป็นจุดเน้นของความสนใจของครูนักจิตวิทยา โดยที่กิจกรรมการเรียนรู้ - กิจกรรมการเรียนรู้ ไม่ใช่การสอน - จะนำแบบครูและนักเรียนควบคู่กัน เพื่อให้กระบวนทัศน์การศึกษาแบบดั้งเดิม - ครู-ตำราเรียน-นักเรียน ถูกแทนที่ด้วยกระบวนทัศน์ใหม่ - นักเรียน-ตำราเรียน-ครู นี่คือวิธีการจัดโครงสร้างระบบการศึกษาในประเทศชั้นนำของโลก มันสะท้อนให้เห็นถึงทิศทางมนุษยนิยมในปรัชญา จิตวิทยา และการสอน

ภารกิจหลักของครูในปัจจุบันคือการสร้างเงื่อนไขที่เอื้ออำนวยต่อการพัฒนาจิตใจ ศีลธรรม อารมณ์และร่างกายของแต่ละบุคคล มีส่วนช่วยในการพัฒนาโลกทัศน์ทางวิทยาศาสตร์ เพื่อให้แน่ใจว่านักเรียนเชี่ยวชาญระบบความรู้เกี่ยวกับธรรมชาติ สังคม มนุษย์ และงานของเขา กำหนดวิธีการของกิจกรรมอิสระ

ในปัจจุบัน งานในการสร้างบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์ สามารถนำทางและปรับตัวได้อย่างยืดหยุ่นในโลกที่มีการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วยังคงมีความสำคัญอยู่ คุณค่าของความคิดสร้างสรรค์นี้ หน้าที่ของมันไม่เพียงแต่อยู่ที่ด้านการผลิตเท่านั้น แต่ยังอยู่ในกระบวนการสร้างสรรค์ด้วย ทั้งหมดนี้ใช้กับศิลปะดนตรีและ บทเรียนของโรงเรียนดนตรีซึ่งสามารถมีส่วนช่วยในการพัฒนาระดับความคิดสร้างสรรค์ของนักเรียน

ดังนั้น แก่นแท้ของบทเรียนดนตรีแต่ละบทควรเป็นการแสดงความคิดสร้างสรรค์อย่างอิสระของเด็ก ซึ่งจัดโดยงานพิเศษเพื่อความสามารถในการสร้างสรรค์ ซึ่งมีส่วนช่วยโดยทั่วไป การพัฒนาความคิดสร้างสรรค์บุคลิกภาพ, การตอบสนอง, จินตนาการทางศิลปะ, การคิดเชิงเปรียบเทียบ, เปิดใช้งานหน่วยความจำ, การสังเกต, สัญชาตญาณ, สร้างโลกภายในของเด็ก

แนวทางบูรณาการในการศึกษาบุคลิกภาพเชิงสร้างสรรค์ครอบคลุมประเด็นต่างๆ มากมายที่เกี่ยวข้องกับปัญหาการศึกษาด้านสุนทรียศาสตร์และศีลธรรมโดยทั่วไป ความสามัคคีที่แยกกันไม่ออกของอุดมการณ์ โลกทัศน์ จิตวิญญาณ และศิลปะเป็นเงื่อนไขสำคัญสำหรับการพัฒนาความสามัคคีของแต่ละบุคคล ความต้องการการศึกษาแบบมีมนุษยธรรมซึ่งนำเสนอโดยครูและนักจิตวิทยาสมัยใหม่บ่งบอกถึงความสนใจอย่างมากต่อการพัฒนาความสามารถในการสร้างสรรค์ของเด็กซึ่งเป็นคุณสมบัติส่วนบุคคลที่ดีที่สุดของเขาดังนั้นการศึกษาบุคลิกภาพที่สร้างสรรค์จึงเป็นหนึ่งในงานที่สำคัญที่สุดที่การสอนสมัยใหม่ต้องเผชิญ .

วิชาของวงจรสุนทรียศาสตร์ และโดยเฉพาะอย่างยิ่งบทเรียนดนตรี สามารถเปิดเผยความเป็นไปได้เชิงสร้างสรรค์ของนักเรียนได้อย่างชัดเจนที่สุด พัฒนาทักษะความคิดสร้างสรรค์ในการแต่งเพลง การฟัง การแสดง และการคิดเกี่ยวกับดนตรี พัฒนาการด้านดนตรีและความคิดสร้างสรรค์ของเด็กนักเรียนถือเป็นองค์ประกอบที่สำคัญที่สุดของวัฒนธรรมดนตรี ในดนตรี ความคิดสร้างสรรค์โดดเด่นด้วยเนื้อหาส่วนบุคคลที่เด่นชัด ซึ่งแสดงออกมาว่าเป็นความสามารถพิเศษในการทำซ้ำ ตีความ และสัมผัสประสบการณ์ทางดนตรี ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีเป็นตัวบ่งชี้สูงสุดของความเชี่ยวชาญด้านศิลปะดนตรีของบุคคล

แน่นอนว่าความคิดสร้างสรรค์ของเด็กในบทเรียนดนตรีไม่ใช่ศิลปะ แต่เป็นการฝึกดนตรีเชิงรับรู้และเชิงสำรวจ ความคิดสร้างสรรค์ของนักเรียนมีคุณค่าเพราะพวกเขาได้ค้นพบสิ่งใหม่ๆ ที่ไม่เคยรู้จักมาก่อนในโลกแห่งดนตรี งานสร้างสรรค์ที่มีความซับซ้อนต่างกันจะต้องรวมอยู่ในบทเรียนอย่างเป็นระบบเริ่มตั้งแต่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 มันสำคัญมากที่จะต้องสร้างเงื่อนไขสำหรับเด็กแต่ละคนในการแสดงออกอย่างสร้างสรรค์ เด็กนักเรียนทุกคนควรสัมผัสกับความสุขจากความคิดสร้างสรรค์ซึ่งพัฒนาการตอบสนองทางอารมณ์ต่อดนตรี

งานนอกหลักสูตรด้านดนตรีเชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดกับการพัฒนาความสามารถในการสร้างสรรค์ของเด็กนักเรียนระดับต้นโดยมีวัตถุประสงค์เพื่อพัฒนาความสนใจ, ความรู้ที่ลึกซึ้ง, การมีส่วนร่วมของมวลชน, ความหลงใหล, การพัฒนาความคิดริเริ่มและมีรูปแบบที่หลากหลาย

สาระสำคัญของความคิดสร้างสรรค์คือความจำเป็นในการเปลี่ยนแปลง ก่อให้เกิดปัญหาใหม่ และวิธีการใหม่ในการแก้ปัญหา

หัวใจสำคัญของความคิดสร้างสรรค์คือการคิดสร้างสรรค์และจินตนาการ กระบวนการทางจิตที่สำคัญเหล่านี้สามารถพัฒนาได้อย่างมีประสิทธิภาพมากขึ้นหากคุณใช้งานที่สร้างสรรค์ ช่วงเวลาที่สนุกสนาน การเรียนรู้ที่อิงปัญหา และงานรูปแบบต่างๆ ในบทเรียนของคุณ

วรรณกรรม

Verbitsky, A. A. แนวทางส่วนบุคคลและความสามารถในด้านการศึกษา ปัญหาบูรณาการ / A. A. Verbitsky, O. G. Larionova – อ.: โลโก้, 2552. – 336 หน้า
↑ Kruglikov, I. G. งานการศึกษาของปรมาจารย์อาชีวศึกษา / I. G. Kruglikov – อ.: Academy, 2010. – 160 น. ลาสคิน, เอ.เอ. ระเบียบการสอนการปรับทิศทางอย่างมืออาชีพของผู้เชี่ยวชาญที่ได้รับการปลดปล่อยให้เข้ากับกิจกรรมทางสังคมและวัฒนธรรม / A. A. Laskin – อ.: Unity-Dana, กฎหมายและกฎหมาย, 2010. – 248 หน้า Maksimov, V. G. ทฤษฎีบทบาทระบบของการสร้างบุคลิกภาพของครู / O. G. Maksimova, N. Yu. Savchuk ฯลฯ - M.: Academia, 2007. - 536 p.
Serikov, V.V. การสอนเป็นกิจกรรมการสอนประเภทหนึ่ง / V.V. Serikov – อ.: Academy, 2551. – 256 น.

Alekseeva Tatyana Alexandrovna,

นักศึกษาชั้นปีที่ 3 s/o PPF

^ คุณสมบัติของการใช้ดนตรี

การบำบัดในการทำงานของนักจิตวิทยาโรงเรียน

ใน ชีวิตประจำวันปัจจุบัน จิตบำบัดทางดนตรีเต็มไปด้วยความยากลำบากและความเครียดมากมายสามารถใช้เป็นวิธีการป้องกันที่ดี ช่วยให้ผู้คนมีชีวิตรอดได้

ดนตรีบำบัดเป็นวิธีจิตบำบัดโดยอาศัยผลการรักษาของดนตรีที่มีต่อสภาพจิตใจของบุคคล จนถึงขณะนี้ ได้รับการพิสูจน์ทางวิทยาศาสตร์และยืนยันว่าท่วงทำนองบางเพลงสามารถสร้างสภาวะทางอารมณ์ ความรู้สึก และภาพที่เฉพาะเจาะจงในตัวผู้ฟังได้

เป้าหมายและจุดเน้นของดนตรีบำบัดคือการสร้างอารมณ์ที่น่าพึงพอใจอย่างเหมาะสม อารมณ์เหล่านี้ที่เกิดขึ้นขณะฟังเพลงพิเศษบางชิ้นอาจส่งผลดีต่อระบบต่างๆ ของร่างกายมนุษย์ โดยอาจส่งผลต่อจิตใจอย่างมีเจตนา เพิ่มการทำงานของเปลือกสมอง ปรับปรุงการเผาผลาญ กระตุ้นการหายใจและการไหลเวียนโลหิต ในกรณีนี้จะมีผลการประสานกันโดยทั่วไปเกือบทุกครั้ง

มีดนตรีบำบัดที่กระตือรือร้นและเปิดกว้าง ดนตรีบำบัดแบบแอคทีฟเป็นกิจกรรมทางดนตรีที่เน้นการแก้ไขและแอคทีฟ: การทำซ้ำ การเพ้อฝัน การแสดงด้นสดโดยใช้เสียงของมนุษย์และเครื่องดนตรีที่คัดสรร ดนตรีบำบัดแบบแอคทีฟอาจเป็นแบบรายบุคคล (การบำบัดด้วยเสียง) และแบบกลุ่ม (วงดนตรีแกนนำนักร้องประสานเสียง) หรือในรูปแบบของการเล่นเครื่องดนตรีหรือความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรี ดนตรีบำบัดแบบเปิดกว้างเกี่ยวข้องกับการรับรู้ทางดนตรี (เช่น การฟัง) โดยมีเป้าหมายในการแก้ไข

การเลือกโปรแกรมดนตรีที่เหมาะสมถือเป็นปัจจัยสำคัญในการบำบัดด้วยดนตรี เพื่อให้ดนตรีเข้าถึงตัวเด็กได้ จะต้องสอดคล้องกับสภาวะทางอารมณ์ของเขา ย้อนกลับไปในปี 1916 V. M. Bekhterev เขียนว่า: “ ดนตรีชิ้นหนึ่งซึ่งอยู่ในสภาพเดียวกับอารมณ์ของผู้ฟังสร้างความประทับใจอย่างมาก งานที่ไม่สอดคล้องกับอารมณ์ไม่เพียงแต่จะไม่ชอบเท่านั้น แต่ยังน่ารำคาญอีกด้วย คือเวลาแสดงอาการซึมเศร้า ดนตรีจะเงียบ สงบ เวลาตื่นเต้น-ดังเร็ว

ในดนตรีบำบัด นอกเหนือจากส่วนดนตรีที่เกี่ยวข้องกับการปฏิบัติงานสร้างสรรค์ต่างๆ แบบฝึกหัด ฯลฯ แล้ว ยังมีการอภิปรายเป็นกลุ่มหรือพูดคุยกับนักจิตวิทยาเสมอหากเป็นบทเรียนส่วนบุคคล ประสบการณ์ ความทรงจำ ความคิด ความสัมพันธ์ จินตนาการที่เกิดขึ้นระหว่างการฟัง ฯลฯ ง. .

บทบาทของนักจิตวิทยาโรงเรียนคือการสร้างเงื่อนไขสำหรับการเคลื่อนไหวที่มีประสิทธิผลของเด็กตามเส้นทางที่เขาเลือกเองและเพื่อแก้ไขความขัดแย้งที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ที่เกิดขึ้นอันเป็นผลมาจากการเลือกนี้อย่างสร้างสรรค์ การปฏิบัติหน้าที่ในการเพิ่มประสิทธิภาพกิจกรรมร่วมกันของผู้เข้าร่วมในกระบวนการศึกษาที่โรงเรียนนักจิตวิทยาจะเข้ามาแทนที่ผู้ไกล่เกลี่ยในระบบความสัมพันธ์ระหว่างพวกเขา

งานเกี่ยวกับการใช้ดนตรีบำบัดควรเริ่มต้นด้วยการวินิจฉัยเบื้องต้นเกี่ยวกับสภาวะทางอารมณ์ของเด็กโดยใช้เทคนิคการฉายภาพ (ภาพ) เป็นหลัก เช่น "บ้าน - ต้นไม้ - คน", "สัตว์ที่ไม่มีอยู่จริง" แบบสอบถามและแบบสอบถาม (เช่น แบบสอบถาม A. Bassa-Darki) แนะนำให้ใช้กับเด็กโตเมื่อมีการพัฒนาการไตร่ตรองแล้ว ตามผลลัพธ์ของเทคนิคเหล่านี้จึงคัดเลือกผลงานเฉพาะเพื่อฟังและแก้ไขสภาวะทางอารมณ์ของเด็ก ตัวอย่างเช่น คุณสามารถใช้ตารางผลงานดนตรีที่พัฒนาโดย V.I. Petrushin

ตารางที่ 1

งานดนตรี,

สะท้อนถึงสภาวะทางอารมณ์ที่คล้ายคลึงกัน

พารามิเตอร์เพลงพื้นฐาน

อารมณ์พื้นฐาน

คำจำกัดความทางวรรณกรรม

ชื่อผลงาน

ช้า

วิชาเอก

เงียบสงบ

โคลงสั้น ๆ นุ่มนวลครุ่นคิดสง่างามไพเราะ มีความคิดอ่อนโยน

A. Borodin - น็อกเทิร์นจากวงเครื่องสาย; F. Chopin – กลางคืนใน F major, D flat major, การเคลื่อนไหวสุดขั้ว; F. Schubert - "Ave Maria"; C. Saint-Saëns – “The Swan”, S Rachmaninov – คอนเสิร์ตหมายเลข 2 เริ่ม 2 ชั่วโมง

ช้า

ส่วนน้อย

มืดมน, เศร้าหมอง, น่าเศร้า, เศร้า, เศร้า, โศกเศร้า

พี. ไชคอฟสกี – จุดเริ่มต้นของซิมโฟนีที่ห้า ตอนจบของซิมโฟนีที่หก; E. Grieg - "ความตายของ Ose", "คำร้องเรียนของ Ingrid จากชุด "Pergynt"; F Chopin – โหมโรงใน C minor; มีนาคมจาก Sonata ใน B-flat minor, Etude ใน C-sharp minor; K. Gluck - "เมโลดี้"

ส่วนน้อย

ดราม่า ตื่นเต้น วิตกกังวล กระสับกระส่าย โกรธ โกรธ สิ้นหวัง

เอฟ. โชแปง – เอทูเดส หมายเลข 12,23,24; เชอร์โซ หมายเลข 1; โหมโรงหมายเลข 16,24; A. Scriabin - Etude หมายเลข 6, ความคิดเห็น 8; P. Tchaikovsky – การทาบทาม “The Tempest” R. Schumann – “Rush”; แอล. เบโธเฟน – โซนาตาตอนจบ: 14.23 น.

วิชาเอก

รื่นเริง, รื่นเริง, ร่าเริง, ร่าเริง, สนุกสนาน

D. Shostakovich - "การทาบทามรื่นเริง"; F. Liszt – รอบชิงชนะเลิศของฮังการี rhapsodies หมายเลข 6,10,11, 12; W. Mozart - "Little Night Serenade" (ส่วน I และ IV); L. Beethoven – รอบชิงชนะเลิศซิมโฟนีหมายเลข 5, 6, 9

ต่อไปเราจะพิจารณาตัวอย่างการใช้ดนตรีบำบัดในงานของนักจิตวิทยาในโรงเรียน นอกเหนือจากการฟังเพลงตามปกติ (รูปแบบหนึ่งของดนตรีบำบัดแบบพาสซีฟ) นักจิตวิทยามักใช้เทคนิค งาน และแบบฝึกหัดที่ใช้งานอยู่มากมายในชั้นเรียนที่ใช้ในการสอนราชทัณฑ์และการบำบัดรักษา องค์ประกอบของการบำบัดด้วยเทพนิยาย จิตยิมนาสติก และการบำบัดด้วยการเล่น ทำให้เด็กๆ ได้รับการตอบรับมากที่สุด ดังนั้นภายใต้ลักษณะเฉพาะของดนตรี เด็ก ๆ จะพบว่าตัวเองอยู่ในเทพนิยาย วาดภาพตัวละครที่พวกเขาชื่นชอบ และแต่งนิทานของตนเอง เด็ก ๆ แสดงท่าเต้นที่เป็นรูปเป็นร่างและเต้นรำตามธรรมชาติของดนตรี เช่น กลายเป็นปลา ผีเสื้อ และเดินผ่านพุ่มไม้

ดังนั้นดนตรีจึงช่วยให้นักเรียนมีสมาธิหรือนั่งสมาธิโดยอิสระจากความคิด ดนตรีบำบัดช่วยสร้างความสัมพันธ์ระหว่างครูกับเด็ก พัฒนาความรู้สึกของการควบคุมภายใน การสะท้อนความคิด ค้นพบความสามารถใหม่ๆ และเพิ่มความภาคภูมิใจในตนเอง

วรรณกรรม

Gotsdiner, A. L. จิตวิทยาดนตรี / A. L. Gotsdiner – อ.: NB MASTER, 1993.- 190 น.

Petrushin, V. I. จิตบำบัดทางดนตรี: ทฤษฎีและการปฏิบัติ / V. I. Petrushin – อ.: วลาดอส, 2000. – 176 หน้า

อาเรสโตวา เวโรนิกา ยูริเยฟน่า

แคนด์ เท้า. วิทยาศาสตร์ รองศาสตราจารย์ ภาควิชาครุศาสตร์ประถมศึกษา

สถาบันการศึกษาของรัฐด้านการศึกษาวิชาชีพชั้นสูง "ChSPU ตั้งชื่อตาม ไอ. ยาโคฟเลวา"

^ หลักสูตรวิธีการศึกษาดนตรี

ในการฝึกอบรมวิชาชีพ

ครูประถมศึกษาในอนาคต

สาขาวิชา “ทฤษฎีและวิธีการศึกษาดนตรี” หมายถึง สาขาวิชาฝึกวิชาและมีความสำคัญในระบบ อาชีวศึกษาครูโรงเรียนประถมศึกษาในอนาคต ระเบียบวินัยมุ่งเน้นไปที่กิจกรรมทางวิชาชีพประเภทการศึกษาวัฒนธรรมและการศึกษาการศึกษามีส่วนช่วยในการแก้ไขงานทั่วไปของกิจกรรมทางวิชาชีพดังต่อไปนี้:

ดำเนินกระบวนการเรียนรู้ตามแผนการศึกษา

การวางแผนและการดำเนินการ ช่วงของการฝึกอบรมในวิชา “ดนตรี” โดยคำนึงถึงเฉพาะหัวข้อและส่วนของหลักสูตรและตามหลักสูตร

การใช้เทคนิค วิธีการ และวิธีการศึกษาดนตรีตามหลักวิทยาศาสตร์สมัยใหม่ ได้แก่ วิธีการทางเทคนิคการฝึกอบรม เทคโนโลยีสารสนเทศและคอมพิวเตอร์

การประยุกต์ใช้วิธีการสมัยใหม่ในการประเมินผลการฝึกและการศึกษาด้านดนตรี

การก่อตัวของค่านิยมทางจิตวิญญาณ ศีลธรรม และความรักชาติของนักเรียนผ่านดนตรี

การนำแนวทางบุคลิกภาพมาใช้ในการศึกษาและการพัฒนานักเรียนเพื่อสร้างแรงจูงใจในการเรียนรู้

การบำรุงเลี้ยงวัฒนธรรมดนตรีของนักเรียนซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมทางจิตวิญญาณทั้งหมดของพวกเขา

นักศึกษาที่เรียนสาขาวิชานี้ควรรู้:

กลไกทางจิตวิทยาของการรับรู้ทางดนตรีที่รองรับการมีส่วนร่วมทางดนตรีของเด็กทุกรูปแบบ

ลักษณะทางจิตวิทยาของผู้ฟังเด็ก

ตัวอย่างของวัฒนธรรมดนตรีโลกสะสมความประทับใจทางดนตรีบนพื้นฐานนี้

กฎแห่งศิลปะดนตรีที่อิงธรรมชาติของน้ำเสียง ความเชื่อมโยงมากมายกับชีวิต การแสดงรูปแบบต่างๆ และการดำรงอยู่ของดนตรี เข้าใจสาระสำคัญทางศีลธรรมและสุนทรียศาสตร์ของงานดนตรีแต่ละชิ้นที่รวมอยู่ในกระบวนการศึกษา

เกณฑ์การคัดเลือกสื่อดนตรีสำหรับบทเรียนและกิจกรรมนอกหลักสูตร

สาระสำคัญของการศึกษาด้านดนตรี เป้าหมาย วัตถุประสงค์ เนื้อหา

เกณฑ์การประเมินกิจกรรมทางดนตรีและการปฏิบัติของนักเรียน

รูปแบบและวิธีการแนะนำให้เด็กรู้จักดนตรี (การรับรู้การฟัง การร้องประสานเสียงและร้องเพลงเดี่ยว การทำดนตรีบรรเลง น้ำเสียงพลาสติก และการเคลื่อนไหวตามจังหวะดนตรี การแสดงด้นสด เกมการสอนดนตรี)

ประเภทและประเภทของบทเรียนดนตรี รูปแบบของงานดนตรีนอกหลักสูตร

กำหนดวัตถุประสงค์เฉพาะของการฝึกอบรมและการศึกษา

จัดการกระบวนการรับรู้ทางดนตรีโดยคำนึงถึงอายุและแง่มุมทางจิตวิทยาของกระบวนการนี้

เปิดใช้งานกระบวนการรับรู้โดยใช้วิธีการต่างๆในการฝึกและการศึกษาดนตรี

วิเคราะห์ผลงานดนตรี

เลือกสื่อดนตรีสำหรับบทเรียนและกิจกรรมนอกหลักสูตรโดยคำนึงถึงเกณฑ์การคัดเลือก

วิเคราะห์ระดับวัฒนธรรมดนตรีของนักเรียน

ประเมินกิจกรรมดนตรีและการปฏิบัติของนักเรียน

วางแผน วิเคราะห์ พัฒนาสถานการณ์สำหรับบทเรียนและกิจกรรมนอกหลักสูตร

ในการฝึกปฏิบัติวิธีการสอนดนตรีศึกษาที่คณะจิตวิทยาและการสอนของ ChSPU ที่ได้รับการตั้งชื่อตาม I. Ya. Yakovlev ใช้ทฤษฎีบทบาทของระบบของการสร้างบุคลิกภาพของครู (V. G. Maksimov) บทบาทคือระบบการกระทำเชิงบรรทัดฐานที่กำหนดโดยวัตถุประสงค์ทางวิชาชีพของครูในสังคมซึ่งการดำเนินการดังกล่าวทำให้สามารถเพิ่มประสิทธิภาพของกระบวนการสอนได้ บทบาทของครูโรงเรียนประถมศึกษาในด้านการศึกษาด้านดนตรีของเด็กนักเรียนนั้นมีความหลากหลายและหลากหลาย จากมุมมองของเราสามารถแยกแยะบทบาทหลักดังต่อไปนี้: นักการศึกษาและผู้สนับสนุนวัฒนธรรมดนตรี, นักออกแบบท่าเต้น, ผู้อำนวยการคณะนักร้องประสานเสียงเด็ก, ผู้อำนวยการวงออเคสตราเครื่องดนตรีสำหรับเด็ก, ผู้อำนวยการวงดนตรีชาวบ้าน, ผู้อำนวยการโรงละครดนตรีสำหรับเด็ก . การศึกษาสาขาวิชานี้เริ่มต้นด้วยหัวข้อ “ทฤษฎีดนตรี” เนื้อหาของส่วนนี้ได้รับการระบุและมุ่งเป้าไปที่การควบคุมระบบบทบาทโดยมีบทบาทนำของนักการศึกษาและผู้สนับสนุนวัฒนธรรมดนตรี บทบาทนี้ต้องการให้ครูโรงเรียนประถมศึกษามีความสามารถในการวิเคราะห์เพลง เมื่อเชี่ยวชาญบล็อก "ทฤษฎีดนตรี" นักเรียนจะได้เรียนรู้ลักษณะประเภทของดนตรี วิธีการแสดงออกทางดนตรี และเรียนรู้ที่จะเข้าใจถึงความสำคัญของวิธีการทางดนตรีในการสร้างโครงสร้างที่เป็นรูปเป็นร่างของงาน ทำความเข้าใจเรื่องน้ำเสียง รูปแบบดนตรีหลักการของการพัฒนาดนตรีและการละครดนตรี - ทั้งหมดนี้เป็นพื้นฐานระเบียบวิธีสำหรับองค์กรที่มีความสามารถด้านการศึกษาดนตรีของเด็กนักเรียน ดังนั้นการเรียนรู้ส่วน "ทฤษฎีดนตรี" จึงเตรียมพร้อมสำหรับการเรียนรู้ส่วนที่สอง - "ความรู้เบื้องต้นเกี่ยวกับวิธีการศึกษาดนตรีสำหรับเด็กนักเรียนระดับต้น" ซึ่งกล่าวถึงประเด็นวิธีการศึกษาด้านดนตรี

จากการเรียนรู้ส่วนที่สอง นักเรียนจะได้รับความรู้เกี่ยวกับประวัติศาสตร์ ทฤษฎี และแนวโน้มหลักในการพัฒนาการศึกษาด้านดนตรีของเด็กในโลกสมัยใหม่ ความเข้าใจเกี่ยวกับดนตรีในฐานะความสามารถที่ซับซ้อน และได้รับทักษะในการวินิจฉัยระดับของ การพัฒนาความสามารถทางดนตรีในเด็ก นำเสนอที่นี่ แนวคิดที่ทันสมัยการศึกษาด้านดนตรีของเด็กนักเรียน ความรู้เกี่ยวกับหลักการ เป้าหมาย วัตถุประสงค์ และเนื้อหาของการศึกษาด้านดนตรี ตลอดจนเกณฑ์ในการประเมินประสิทธิผลของกระบวนการศึกษา เป็นเรื่องปกติในการบรรลุผลสำเร็จของบทบาททั้งระบบในการศึกษาด้านดนตรี เพื่อให้นักเรียนเชี่ยวชาญระบบบทบาททั้งหมด เขาจำเป็นต้องทำความคุ้นเคยกับเนื้อหาการสอนและการเลี้ยงดูในแต่ละชั้นเรียน เข้าใจลักษณะเฉพาะของการสอนและการเลี้ยงดูในบริบทของการสอนดนตรี สร้างแนวคิดของ ความเป็นไปได้ในการบรรลุเป้าหมายทางการศึกษาโดยใช้วิธีการต่างๆ และได้รับความสามารถในการผลิตและใช้อุปกรณ์ช่วยด้านการศึกษา วางแผนบทเรียนดนตรี และกิจกรรมดนตรีนอกหลักสูตร ปัญหาเหล่านี้ได้รับการแก้ไขโดยส่วนที่สาม - "การเตรียมระเบียบวิธีของครูโรงเรียนประถมศึกษาสำหรับกิจกรรมในด้านการศึกษาด้านดนตรี"

หากครูโรงเรียนประถมศึกษาในอนาคตประสบความสำเร็จในการเรียนรู้เนื้อหาของสามส่วนก่อนหน้าของโปรแกรมดังนั้นเมื่อเริ่มต้นส่วนที่สี่ - การพัฒนาภาคปฏิบัติของระบบบทบาทในการศึกษาดนตรีของเด็กนักเรียนพวกเขามีพื้นฐานที่บ่งบอกถึงการแสดงบทบาทอยู่แล้ว ซึ่งในอนาคตเมื่อพวกเขามีบทบาทในห้องปฏิบัติการและชั้นเรียนภาคปฏิบัติ ในช่วงระยะเวลาของการฝึกปฏิบัติการสอนก็ยังคงมีความเข้าใจและเสริมสร้างความเข้มแข็งต่อไป

สำหรับการใช้งานจริงของเนื้อหาของส่วนที่สี่ของหลักสูตรที่กล่าวถึงข้างต้น ชั้นเรียนจะดำเนินการใน แบบฟอร์มเกมซึ่งมีหน้าที่หลักคือการเรียนรู้จากการลงมือทำ กิจกรรมประเภทหนึ่งคือการสวมบทบาท เกมเล่นตามบทบาทช่วยให้คุณสามารถเปิดใช้งานและเพิ่มความเข้มข้นของกระบวนการเรียนรู้ เนื่องจากเกมเหล่านี้ค่อนข้างกระตุ้นแรงจูงใจของกิจกรรมการเรียนรู้ของนักเรียนอย่างมาก

ทฤษฎีและวิธีการศึกษาดนตรีมีความเชื่อมโยงกับสาขาวิชาที่มีหลักสูตรรวมถึงการได้รับความรู้และทักษะที่จำเป็นในการดำเนินกิจกรรมในด้านการศึกษาดนตรีของเด็กนักเรียน ก่อนอื่น นี่คือ "การฝึกดนตรีรายบุคคล" สิ่งสำคัญไม่น้อยในแง่นี้คือสาขาวิชาของการฝึกอบรมวัฒนธรรมทั่วไป: วัฒนธรรมศิลปะโลก, ปรัชญาการศึกษาตลอดจนสาขาวิชาของวงจรจิตวิทยาและการสอน: การสอนระดับประถมศึกษา, ทฤษฎีและวิธีการศึกษา, ทฤษฎีการเรียนรู้

การฝึกปฏิบัติในโรงเรียนสมัยใหม่มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยการสร้างพื้นที่ทางดนตรีและสุนทรียศาสตร์ที่กว้างขวาง ซึ่งเด็กนักเรียนจะได้รับการแนะนำให้รู้จักกับดนตรีไม่เพียงแต่ในโรงเรียนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงสถาบันการศึกษาเพิ่มเติมต่างๆ สำหรับเด็กด้วย โดยอิงจากการมีปฏิสัมพันธ์และการประสานงานของห้องเรียน นอกหลักสูตร และนอกหลักสูตร รูปแบบของชั้นเรียนดนตรี ในสถานการณ์ปัจจุบัน ปัญหาในการฝึกดนตรีของครูที่ทำงานกับเด็กทุกวัน เช่น ครูโรงเรียนประถมศึกษาที่รู้จักเด็กแต่ละคนดี มีโอกาสจัดการศึกษาด้านดนตรีของนักเรียนมากขึ้น กลายเป็นเรื่องสำคัญ แม้ว่าครูเหล่านี้จะไม่ได้ร้องเพลง เต้นรำ และเล่นเครื่องดนตรีเป็นการส่วนตัว แต่เชิญนักร้อง นักเต้น และเครื่องดนตรีมาทำสิ่งนี้

ในระยะเริ่มแรก การเชื่อมโยงระหว่างการได้ยินทางดนตรีกับความสามารถด้านประสาทสัมผัสและประสาทสัมผัสอื่นๆ มีความสำคัญอย่างยิ่ง การแยกทางสายตา มอเตอร์ และส่วนประกอบอื่นๆ โดยไม่ตั้งใจไม่ได้เร่งให้เกิดการเร่ง แต่ก่อให้เกิดอันตรายต่อพัฒนาการของการได้ยินทางดนตรีและการเล่นดนตรี

ดังนั้น เมื่อคำนึงถึงความแตกต่างระหว่างเด็กในระดับพัฒนาการของการได้ยินทางดนตรี ครูจึงต้องใช้แนวทางที่แตกต่างในการกระตุ้นและประเมินความสำเร็จทางการศึกษาของเด็กนักเรียนที่อายุน้อยกว่า ในเวลาเดียวกัน ครูจะประเมินพัฒนาการของนักเรียน โดยไม่ได้อิงตามเกณฑ์เฉลี่ยของ "นักเรียนดี - แย่" แต่โดยคำนึงถึงความก้าวหน้าของนักเรียนแต่ละคน โดยคำนึงถึงระดับเริ่มต้นของเขาด้วย สิ่งสำคัญคือต้องไม่กระทบต่อกิจกรรมของเด็ก ความมั่นใจในตนเอง และความปรารถนาที่จะเข้าใจศิลปะดนตรีอย่างลึกซึ้งและครอบคลุมยิ่งขึ้น

แนวคิดของ "วิธีการ" ในการสอนตามประเพณีมักเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นกิจกรรมที่เป็นระเบียบเพื่อให้บรรลุเป้าหมายทางการศึกษา วิธีการนี้มีเอกลักษณ์เฉพาะด้วยสามลักษณะ: ทิศทางของการเรียนรู้ (เป้าหมาย), วิธีการดูดซึม (ลำดับของการกระทำ), ธรรมชาติของปฏิสัมพันธ์ของวิชา (การสอนและการเรียนรู้) ในขณะเดียวกันวิธีกิจกรรมการศึกษาของครูและนักเรียนมีความสัมพันธ์กันอย่างใกล้ชิดและมีปฏิสัมพันธ์กัน ในบางช่วงของการพัฒนาการสอนดนตรี การให้เหตุผลของวิธีการเป็นลำดับการกระทำของครูในการเรียนรู้เนื้อหาการศึกษาโดยนักเรียนอยู่เบื้องหน้า ระบบการศึกษาสมัยใหม่กำหนดงานตามการจัดกิจกรรมร่วมกันของครูและนักเรียนซึ่งกิจกรรมของวิชากระบวนการศึกษากลายเป็นปัจจัยหลักและเป็นปัจจัยกำหนดในอุปกรณ์ระเบียบวิธี

ไม่มีโปรแกรมการดำรงชีวิต เขียนโดย D. B. Kabalevsky โดยไม่มีวิธีการที่สอดคล้องกัน ไม่มีวิธีการใด ๆ หากไม่สอดคล้องกับโปรแกรมเฉพาะนี้ โปรแกรมและวิธีการในการเชื่อมโยงวิภาษวิธี การโต้ตอบ และพัฒนาอย่างต่อเนื่องเป็นแนวคิดการสอนแบบเดียว การเชื่อมต่อนี้ไม่ใช่เพียงสิ่งเดียว แต่เป็นเงื่อนไขบังคับสำหรับการเรียนในวิชาของโรงเรียนให้ประสบความสำเร็จ

มีแนวทางที่แตกต่างกันในการจำแนกวิธีการ ในการสอน หนึ่งในวิธีการที่พบบ่อยที่สุดคือการจำแนกวิธีการตามแหล่งความรู้ ได้แก่ วิธีทางวาจา เมื่อแหล่งความรู้คือคำพูดหรือคำที่พิมพ์ วิธีการมองเห็นเมื่อแหล่งที่มาของความรู้ถูกสังเกต วัตถุ ปรากฏการณ์ เครื่องช่วยการมองเห็น วิธีปฏิบัติเมื่อผู้เรียนได้รับความรู้และพัฒนาทักษะโดยการปฏิบัติจริง ให้เราดูรายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับคุณสมบัติของการใช้แต่ละกลุ่มวิธีการเหล่านี้ในบทเรียนดนตรีเป็นบทเรียนศิลปะ

วิธีการสอนด้วยวาจา (เรื่องราว การอธิบาย การสนทนา การอภิปราย การบรรยาย การทำงานกับหนังสือ) เป็นผู้นำในระบบวิธีการสอน ช่วยให้คุณสามารถถ่ายทอดข้อมูลจำนวนมากในเวลาที่สั้นที่สุด วางปัญหา ระบุวิธีการแก้ไข และสรุปผล ด้วยความช่วยเหลือของคำพูด ครูสามารถปลุกภาพที่สดใสของอดีต ปัจจุบัน และอนาคตในจิตใจของเด็ก ๆ คำนี้กระตุ้นจินตนาการ ความทรงจำ ความรู้สึกของนักเรียน คำพูดของอาจารย์ที่เขียนโดย V. A. Sukhomlinsky เป็นเครื่องมือที่ไม่สามารถถูกแทนที่ได้ในการมีอิทธิพลต่อจิตวิญญาณของนักเรียน ประการแรก ศิลปะแห่งการศึกษารวมถึงศิลปะแห่งการพูด การหันไปหาหัวใจมนุษย์... คำพูดนี้ไม่สามารถอธิบายความลึกของดนตรีได้อย่างครบถ้วน แต่หากไม่มีคำพูด เราก็ไม่สามารถเข้าถึงขอบเขตความรู้เกี่ยวกับความรู้สึกที่ละเอียดอ่อนที่สุดนี้ได้ คำอธิบายของดนตรีควรมีเนื้อหาที่เป็นบทกวี บางสิ่งบางอย่างที่จะทำให้คำนี้ใกล้ชิดกับดนตรีมากขึ้น เนื่องจากเป็นจุดอ้างอิงที่แน่นอนสำหรับการรับรู้ทางดนตรี คำหนึ่งจึงไม่สามารถขจัดความคลุมเครือทางความหมายของภาพศิลปะได้ มันบอกทิศทางที่จินตนาการเชิงสร้างสรรค์ของเด็กพัฒนาขึ้นเท่านั้น

วิธีการมองเห็นมีจุดมุ่งหมายในการสอนเพื่อสร้างความคุ้นเคยให้กับนักเรียนเกี่ยวกับปรากฏการณ์ชีวิต กระบวนการ วัตถุในรูปแบบธรรมชาติหรือในการแสดงสัญลักษณ์โดยใช้ภาพวาด การทำซ้ำ แผนภาพ แบบจำลองทุกประเภท

เนื่องจากธรรมชาติของเสียงของศิลปะดนตรี วิธีการสอนด้วยภาพและการได้ยิน หรือวิธีการสร้างภาพการได้ยิน การสอนจึงมีความสำคัญเป็นพิเศษ การแสดงภาพประเภทลำดับความสำคัญในบทเรียนดนตรีคือเสียงของดนตรี ซึ่งเกี่ยวข้องกับการสาธิตผลงานดนตรีทั้งในรูปแบบเสียงสดและการใช้อุปกรณ์สร้างเสียง สิ่งที่มีคุณค่าเป็นพิเศษในเรื่องนี้คือการแสดงดนตรีโดยเด็ก ๆ เอง: การร้องเพลงประสานเสียง, การร้องเพลงแต่ละทำนอง, การเปล่งเสียง, การเล่นดนตรีเบื้องต้น, การเล่นเครื่องดนตรีในจินตนาการ, น้ำเสียงพลาสติก, การดำเนินรายการ, การแสดงดนตรีบนเวที ฯลฯ ปริมาณและคุณภาพของเพลงที่เล่น ในบทเรียนตลอดจนหน้าที่ในการละครของบทเรียนเป็นตัวบ่งชี้สำคัญของความสำเร็จของกระบวนการสอนดนตรี

ในบรรดาวิธีการและเทคนิคที่เน้นการฟังที่หลากหลาย บุคคลที่โดดเด่นในด้านการศึกษาดนตรีมวลชน (B.V. Asafiev, B.L. Yavorsky, N.L. Grodzenskaya, D.B. Kabalevsky) เน้นย้ำวิธีการสังเกตเป็นพิเศษและถือว่าเป็นองค์ประกอบพื้นฐานของการศึกษาด้านดนตรี

การสังเกตศิลปะตาม B.V. Asafiev หมายถึงประการแรกเพื่อให้สามารถรับรู้ได้ ประการแรกนี้หมายความว่ากิจกรรมการแสดงทุกรูปแบบ การแต่งเพลงโดยเด็ก ๆ จะได้รับอุปนิสัยที่จริงใจและมีสติ “ การสังเกต (ดนตรี - บันทึกของบรรณาธิการ) นำไปสู่การปฐมนิเทศของจิตสำนึกไม่ใช่ต่อวัตถุแต่ละชิ้นและคุณสมบัติของพวกมันในฐานะ "การแยกจากกัน" แต่ไปสู่การพึ่งพาซึ่งกันและกันและการผันคำกริยาของปรากฏการณ์ ดังที่มักจะเกิดขึ้นเมื่อสังเกตคุณสมบัติของปรากฏการณ์ที่จับต้องได้เท่านั้น แต่มองไม่เห็น ” เฉพาะในกรณีนี้ B.V. Asafiev เชื่อว่าดนตรีมีผลกระทบทางการศึกษาต่อเด็ก ๆ บนพื้นฐานของการเสริมประสบการณ์ชีวิตของพวกเขา "สภาวะทางจิตที่มีคุณค่าทางสังคม" ได้รับการปลุกให้ตื่น "ความคิดริเริ่มความมีไหวพริบไหวพริบในองค์กรทัศนคติเชิงวิพากษ์" ได้รับการพัฒนา นักเรียนเรียนรู้ที่จะสรุปและสรุปข้อมูลทั่วไป

ในการฝึกสอนดนตรี วิธีการมองเห็นและการมองเห็นหรือวิธีการทำให้มองเห็นชัดเจนก็ถูกนำมาใช้กันอย่างแพร่หลายเช่นกัน ตัวอย่างเช่น อุปกรณ์ช่วยสอนด้วยภาพ แผนภาพ แผ่นโน้ตเพลง พจนานุกรมลักษณะทางอารมณ์ การทำซ้ำใช้เพื่อเตรียมเด็กให้รับรู้ถึงดนตรีและเพิ่มความประทับใจทางดนตรีด้วยการเชื่อมโยงทางภาพ ภาพวาดของเด็กเกี่ยวกับดนตรีและดนตรีทำหน้าที่คล้ายกันในบทเรียนดนตรี

ตามที่นักจิตวิทยาชื่อดังชาวรัสเซีย A. N. Leontiev การใช้การสร้างภาพควรคำนึงถึงสองประเด็น: บทบาทเฉพาะของเนื้อหาภาพในการดูดกลืนและความสัมพันธ์ของเนื้อหาหัวเรื่องกับหัวเรื่องที่จะหลอมรวม ด้วยเหตุนี้จึงจำเป็นต้องใช้ความชัดเจนดังกล่าวซึ่งกำหนดโดยแก่นแท้ของดนตรีในฐานะศิลปะน้ำเสียงเวลาการฟังที่เป็นอิสระรูปแบบเสียงน้ำเสียงที่มีความหมายของงานและกิจกรรมทางดนตรีที่แท้จริงของเด็ก

การสอนนักเรียนให้ติดตาม เข้าใจ และประเมินกระบวนการน้ำเสียงที่เกิดขึ้นในดนตรี โดยเน้นการวางแนวการได้ยินของระบบการศึกษาด้านดนตรีถือได้ว่าเป็นแนวทางพื้นฐานของการศึกษาด้านดนตรีในประเทศ จำเป็นต้องรักษาความสามัคคีในการโต้ตอบของการได้ยิน ความชัดเจนของภาพ การปฏิบัติจริงกับดนตรี

วิธีปฏิบัติในการสอนทั่วไปรวมถึงวิธีการที่มุ่งรับข้อมูลในกระบวนการดำเนินการ “การสังเกตดนตรี” B.V. Asafiev เขียน “ก่อนอื่นเลย นำไปสู่ความประทับใจจากการได้ยินที่เข้มข้นขึ้น... และด้วยเหตุนี้ จึงเป็นการเพิ่มคุณค่าของประสบการณ์ชีวิตและความรู้เกี่ยวกับโลกของเราผ่านการได้ยิน... แต่มันเป็น จำเป็นต้องกระตุ้นสัญชาตญาณของนักแสดงในตัวผู้ฟัง จำเป็นที่ผู้คนจำนวนมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้จะต้องมีส่วนร่วมอย่างแข็งขันในการสร้างดนตรีขึ้นมาใหม่ แม้จะเป็นเพียงขอบเขตที่เล็กที่สุดก็ตาม เฉพาะเมื่อบุคคลดังกล่าวรู้สึกจากภายในเนื้อหาที่ใช้ดนตรีเท่านั้น เขาจึงจะรู้สึกถึงกระแสของดนตรีภายนอกได้ชัดเจนยิ่งขึ้น

การมีส่วนร่วมในคณะนักร้องประสานเสียงทำให้เกิดความเป็นไปได้ที่จิตสำนึกทางดนตรีและความอ่อนไหวทางดนตรีจะเติบโตอย่างรวดเร็วยิ่งไปกว่านั้นหากยังคงดำเนินการกับการเคลื่อนไหวของเสียงที่พัฒนามือถือและเป็นอิสระ ... คำอธิบายใด ๆ จากภายนอกไม่ว่ามันจะสมบูรณ์แบบแค่ไหนก็ตาม เป็น เผยให้เห็นความหมายของคำศัพท์ทางเทคนิค ชี้แจงความหมายในรูปแบบใดรูปแบบหนึ่ง แต่ไม่สามารถให้ความเข้าใจเกี่ยวกับดนตรีที่ไม่ได้มาจากการวิเคราะห์วิธีการแบบแห้งๆ แต่จากความรู้สึกที่มีชีวิตและความรู้สึกโดยตรง การมีส่วนร่วมส่วนบุคคลในการสืบพันธุ์พัฒนาคุณสมบัติเหล่านี้เพราะมันเป็นไปไม่ได้ที่จะรับรู้ด้วยความเป็นอยู่ทั้งหมดและไม่ใช่ด้วยจิตใจเท่านั้นที่ประสบความสำเร็จอย่างสร้างสรรค์หากอย่างน้อยก็ชั่วขณะหนึ่งของชีวิตคุณไม่รู้สึกเหมือนเป็นผู้สร้าง หรือผู้สมรู้ร่วมคิดในความคิดสร้างสรรค์ของใครบางคน เช่น นักแสดง " . รูปแบบเดียวกันนี้ใช้กับการรับรู้ดนตรีบรรเลงของเด็ก ๆ การรับรู้จะมีประสิทธิภาพมากที่สุดหากไม่เพียงแต่การได้ยินเท่านั้น แต่ยังรวมไปถึงกิจกรรมทางสายตาและมอเตอร์ด้วย การร้องเพลงตามที่ N. L. Grodzenskaya กล่าวไว้คือ "วิธีการที่กระตือรือร้นและสำคัญมากในการพัฒนาการรับรู้ทางดนตรี" ในเรื่องนี้ในสถานที่พิเศษในสถานที่พิเศษคือการกระทำที่เด็กสามารถสะท้อนถึงดนตรีที่รับรู้การเปล่งเสียงรวมถึงน้ำเสียงพลาสติกโน้ตดนตรีและสัญลักษณ์กราฟิก ทั้งหมดนี้ช่วยให้สัมผัสประสบการณ์ทางดนตรี เข้าใจเจตนาของผู้แต่งได้แม่นยำยิ่งขึ้น จดจำได้กระชับและรวดเร็วยิ่งขึ้น ในเวลาเดียวกัน เป็นเวลาหลายปีที่การรับรู้ทางดนตรีถูกระบุด้วยการฟังเพลง กิจกรรมดนตรีประเภทที่กระตือรือร้นและมีความสำคัญ ได้แก่ การร้องเพลงประสานเสียง การเล่นเครื่องดนตรี ฯลฯ สิ่งสำคัญคือการพัฒนาทักษะและความสามารถในการดำเนินกิจกรรมประเภทนี้

การแนะนำ

บทสรุป

บรรณานุกรม

การแนะนำ

บทเรียนดนตรีเด็กนักเรียนสร้างสรรค์

ปัญหาในการบันทึกและประเมินการศึกษาด้านดนตรียังคงเป็นสาเหตุของความขัดแย้งมากมายจนถึงทุกวันนี้ การอภิปรายปะทุขึ้นรอบ ๆ โดยมีการแสดงมุมมองที่หลากหลาย ทั้งหมดนี้พูดถึงความซับซ้อนของการแก้ปัญหาและในขณะเดียวกันก็มีความสำคัญ แท้จริงแล้ว จะมีเกณฑ์บางอย่างในการประเมินผลลัพธ์ของการศึกษาด้านดนตรีได้หรือไม่ หากเป็นไปไม่ได้เลยที่จะวัดผลกระทบของดนตรีต่อโลกภายในของเด็ก ความสมบูรณ์ของเขา ประสบการณ์ทางอารมณ์.

ความซับซ้อนของการบัญชีเกิดจากการที่กิจกรรมทางดนตรีใด ๆ มีความคิดสร้างสรรค์ ดังนั้นการแนะนำศิลปะดนตรีจึงไม่สามารถคิดได้หากไม่มีการพัฒนาจินตนาการที่สร้างสรรค์ซึ่งช่วยให้นักเรียนค้นพบโลกแห่งนักแต่งเพลง: ความรู้สึกความคิดประสบการณ์ของเขาที่ถ่ายทอด ในเพลง ในกระบวนการสร้างสรรค์มีสิ่งใหม่เกิดขึ้นและสร้างสรรค์ - ในกรณีนี้คือความเข้าใจของตนเองเกี่ยวกับภาพลักษณ์ทางดนตรีและการรับรู้ทางอารมณ์ ต้องขอบคุณจินตนาการที่สร้างสรรค์ที่ทำให้การเสริมสร้างจิตวิญญาณเกิดขึ้น

ในการฝึกสอนดนตรีของเด็กนักเรียนมีการใช้วิธีต่างๆในการพัฒนาความสามารถเชิงสร้างสรรค์: การสร้างแผนการแสดงสำหรับเพลง การแต่งเพลงประกอบเป็นจังหวะในการทำงาน การแสดงด้นสดทางเสียงและเครื่องดนตรี การเปรียบเทียบการเปรียบเทียบผลงาน อย่างไรก็ตามเป็นไปไม่ได้ที่จะจัดกระบวนการพัฒนาทักษะความคิดสร้างสรรค์อย่างเป็นทางการเนื่องจากในแต่ละกรณีผลลัพธ์จะขึ้นอยู่กับลักษณะเฉพาะและความสามารถของนักเรียน

ดังนั้นลักษณะเฉพาะของบทเรียนดนตรีทำให้ครูไม่เพียงคำนึงถึงความรู้ทักษะและความสามารถที่ชัดเจนที่สุดในผลลัพธ์ของกิจกรรมทางดนตรีเท่านั้นเช่นในการแสดงผลงานหรือคำกล่าวของนักเรียนเกี่ยวกับดนตรีที่รับรู้ . ความหมายพิเศษในระหว่างบทเรียน เด็กๆ จะมีความกระตือรือร้น ความสนใจในดนตรี การตอบสนองทางอารมณ์ และการทำงานของจินตนาการ ซึ่งมีความสำคัญในทุกขั้นตอนของกิจกรรมของนักเรียน และบ่งบอกถึงอิทธิพลของดนตรีที่มีต่อโลกภายในของเด็ก ด้วยความเข้าใจเกี่ยวกับการบัญชีนี้ ไม่เพียงแต่การสอนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงหน้าที่ด้านการศึกษาอย่างชัดเจนอีกด้วย

เนื่องจากกิจกรรมทางดนตรีในบทเรียนดำเนินการร่วมกัน จึงจำเป็นต้องมีการบัญชีรวม ซึ่งให้แนวคิดเกี่ยวกับการก่อตัวของทักษะการร้องเพลงเช่นวงดนตรี โครงสร้าง การร้องเพลงโพลีโฟนิก นอกจากนี้ในทางปฏิบัติมีหลายกรณีที่เด็ก ๆ ร้องเพลงประสานเสียงในคณะนักร้องประสานเสียง แต่เป็นรายบุคคล - ล้วนๆ และในทางกลับกัน พวกเขาร้องเพลงด้วยกันได้ดีขึ้นเมื่อหลงทางเมื่อร้องเพลงทีละคน ดังนั้นการใช้รูปแบบการบัญชีแบบรวมและแบบรายบุคคลจึงเป็นไปได้ที่จะได้รับผลลัพธ์ที่เป็นกลางมากขึ้นเกี่ยวกับการพัฒนาดนตรีของเด็กนักเรียน

วัตถุประสงค์ของหลักสูตรนี้คือเพื่อวิเคราะห์ระดับการศึกษาด้านดนตรีของเด็กนักเรียนระดับต้น

จากเป้าหมายข้างต้น เราได้กำหนดวัตถุประสงค์สำหรับงานตามหลักสูตรดังต่อไปนี้:

เพื่อเปิดเผยสาระสำคัญของบทเรียนดนตรีในโรงเรียนประถมศึกษาซึ่งเป็นรูปแบบหลักของการศึกษาด้านดนตรีของเด็กนักเรียนที่อายุน้อยกว่า

อธิบายการบันทึกความคืบหน้าในบทเรียนดนตรี

ดำเนินการวินิจฉัยการฝึกดนตรี

พูดคุยเกี่ยวกับบทบาทของการควบคุมและประเมินผลนักเรียนในบทเรียนดนตรี

และพัฒนาวิธีการกำหนดพัฒนาการทางดนตรีของเด็กนักเรียนรุ่นเยาว์ด้วย

โครงสร้างการทำงาน. งานหลักสูตรประกอบด้วยคำนำ สามบท บทสรุป และรายการอ้างอิง

บทที่ 1 บทเรียนดนตรีในโรงเรียนประถมศึกษาซึ่งเป็นรูปแบบพื้นฐานของการศึกษาดนตรีสำหรับเด็กนักเรียนชั้นมัธยมศึกษาตอนต้น

บทเรียนดนตรีในโรงเรียนประถมศึกษาควรเข้าใจว่าเป็นขั้นตอนหนึ่งของการศึกษาด้านดนตรีของเด็กนักเรียนที่อายุน้อยกว่าในทางความหมายชั่วคราวและเชิงองค์กรในกระบวนการศึกษาแบบองค์รวม จากคำจำกัดความจะชัดเจนว่าบทเรียนดนตรีมีลักษณะการทำความเข้าใจบทเรียนในการสอนทั่วไปอย่างชัดเจน คุณสมบัติทั่วไปเหล่านี้ที่ทำให้บทเรียนดนตรีใกล้เคียงกับบทเรียนในวิชาอื่น ๆ ของการประถมศึกษามากขึ้น ได้แก่:

เป้าหมายคือการให้ความรู้แก่บุคลิกภาพที่พัฒนาอย่างกลมกลืน

รูปแบบกระบวนการสอนทางจิตวิทยา การสอน การสื่อสาร และสังคมวิทยา

หลักการพื้นฐานของการสอน

รูปแบบของการจัดระเบียบบทเรียน (องค์ประกอบทั่วไปของนักเรียน, ระยะเวลาของบทเรียนสม่ำเสมอ, องค์ประกอบโครงสร้างของการจัดระเบียบบทเรียน - การสอนสิ่งใหม่, การทำซ้ำ, การตรวจสอบความเชี่ยวชาญของเนื้อหาที่ครอบคลุม)

ความสมบูรณ์ของบทเรียน (การอยู่ใต้บังคับบัญชาของกิจกรรมเด็กประเภทต่าง ๆ เพื่อให้บรรลุเป้าหมายเฉพาะของบทเรียน)

วิธีการสอนขั้นพื้นฐาน

ในขณะเดียวกัน การเรียนดนตรีก็มีความเฉพาะเจาะจงอย่างหนึ่ง นั่นคือ การเรียนศิลปะ ในเรื่องนี้ B. M. Nemensky ตั้งข้อสังเกตว่าวัตถุแห่งความรู้ทางศิลปะที่มีเหตุผลตรรกะวิทยาศาสตร์และอารมณ์จินตนาการมีวัตถุแห่งความรู้ที่แตกต่างกัน ในกรณีหนึ่ง นี่คือความเป็นจริงเชิงวัตถุวิสัย ในอีกกรณีหนึ่ง - ทัศนคติส่วนบุคคลของมนุษย์ที่มีต่อมัน และด้วยเหตุนี้ ความรู้รูปแบบต่างๆ รูปแบบของกิจกรรม วิธีการพัฒนา ผลลัพธ์ของความรู้ และผลลัพธ์ของการพัฒนา

ในแง่นี้ บทเรียนดนตรีในโรงเรียนประถมศึกษาจึงใกล้เคียงกับบทเรียนอื่นๆ ในวงจรสุนทรียศาสตร์ เช่น ทัศนศิลป์ การศึกษาด้านแรงงาน และวรรณกรรม

หลักฐานของสิ่งนี้คือเรื่องทั่วไป:

เป้าหมายของการพัฒนาศิลปะของนักเรียนระดับประถมศึกษา (การเลี้ยงเด็กให้มีทัศนคติที่สวยงามต่อชีวิต - ปลุกทัศนคติที่ไม่แปลกแยกและมีความรับผิดชอบต่อทุกสิ่งที่อยู่รอบตัวพวกเขา)

งาน (เพื่อพัฒนาความสามารถในการรับรู้ศิลปะของเด็กนักเรียนและความจำเป็นในการสื่อสารกับมันเพื่อให้พวกเขาได้รับประสบการณ์ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่เต็มเปี่ยมเพื่อส่งเสริมการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์จินตนาการทัศนคติที่สร้างสรรค์ต่อชีวิต)

วิธีการสอนศิลปะ (การชักจูงให้เกิดความเห็นอกเห็นใจ - N.A. Vetlugina) การเริ่มต้นสู่ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่เต็มเปี่ยมและการรับรู้ศิลปะที่สร้างสรรค์ร่วมกัน (B.M. Nemensky) เงื่อนไขสำหรับการยอมรับทางอารมณ์ภายในของงานศิลปะ (B.T. Likhachev);

ทำความเข้าใจขั้นตอนของการศึกษาระดับประถมศึกษาว่าเป็นการพัฒนาการตอบสนองทางอารมณ์และสุนทรียภาพเมื่อรับรู้โลกรอบตัว

ในขณะเดียวกัน บทเรียนดนตรีก็มีลักษณะเฉพาะของตัวเอง ซึ่งแสดงถึงกิจกรรมดนตรีประเภทต่างๆ ที่ซับซ้อนสำหรับเด็ก (การร้องเพลง การเคลื่อนไหวจังหวะดนตรี การฟังเพลง การเล่นเครื่องดนตรีในวงออเคสตราสำหรับเด็ก เป็นต้น) กิจกรรมดนตรีของเด็กที่ระบุไว้สามารถนำเสนอในรูปแบบต่างๆ ได้ ดังนั้นจึงไม่ควรมี "ลายฉลุ" เฉพาะเจาะจงในการสอนดนตรี

จุดเริ่มต้นของบทเรียนที่มีการประพันธ์วรรณกรรมและดนตรีถือเป็นอารมณ์ที่เป็นรูปเป็นร่างสำหรับบทเรียนศิลปะเนื่องจากการจัดสภาพแวดล้อมทางศิลปะและสุนทรียศาสตร์ การใช้แบบฝึกหัดดนตรีและจังหวะ“ มาว่ายน้ำกันเถอะ” นั้นสมเหตุสมผลจากมุมมองของการมีส่วนร่วมของกลไกมอเตอร์ทั่วไปในการร้องเพลงการใช้เสียงระฆังนั้นสมเหตุสมผลจากมุมมองของการค้นหาความสูง เสียงบินของเสียงเด็ก นอกจากนี้ยังสมเหตุสมผลในการสอนสำหรับเด็ก ๆ ที่จะฟังเพลงกล่อมเด็ก“ Ay-ya, zhu-zhu” ที่ครูแสดงเนื่องจากในการจัดงานร้องและร้องเพลงในระยะแรกของการทำความคุ้นเคยกับศิลปะดนตรีของเด็ก ๆ เป้าหมายคือ ไม่ต้องเรียนเพลงให้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ เช่น ในการสอนวิธีการสอน ภาษาต่างประเทศครูไม่ได้พยายามเรียนรู้คำศัพท์จำนวนมากโดยพิจารณาว่าการได้มาซึ่งภาษาพูดมีความเกี่ยวข้องมากกว่า เป้าหมายของงานร้องและร้องประสานเสียงในช่วงไตรมาสแรกของชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 คือการพัฒนาพื้นฐานทางสรีรวิทยาและจิตวิทยาของวัฒนธรรมการร้องเพลงของเด็ก ในเรื่องนี้ ควรพิจารณาให้เด็กฟังการร้องเพลงของครูเป็นพื้นฐานในเชิงการสอน

สถานการณ์ของเกมในการพบปะกับชาวป่า - หมี, กบและลูกแมว - ก็ไม่ได้เป็นไปตามอำเภอใจเช่นกัน: มีจุดมุ่งหมายเพื่อแนะนำให้เด็ก ๆ รู้จักกับความสูงของเสียงดนตรีที่หลากหลาย - ต่ำ, กลาง, สูง

ลักษณะทั่วไปของนักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 โดย O.A. Apraksina

กระบวนการของเด็กในการเรียนรู้ภาษาแม่ของเขานั้นคล้ายคลึงกัน คือ เด็กจะฟังนานแค่ไหนจนกระทั่งเขาเริ่มพูด และจะใช้เวลานานเท่าใดก่อนที่จะเริ่มพูด

ดังนั้นเนื้อหาของการฝึกอบรมจึงถูกเปิดเผยในบทเรียนในเรื่องความสามัคคีของตำแหน่งในการเพิ่มพูนประสบการณ์ของทัศนคติทางอารมณ์และคุณค่าต่อความเป็นจริงเติมเต็มความประทับใจทางดนตรีและความรู้เฉพาะของภาษาดนตรีตลอดจน พัฒนาทักษะความคิดสร้างสรรค์ของเด็ก ในขณะเดียวกัน สถานการณ์ที่เสนอก็บรรลุเป้าหมายของบทเรียนในชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 อย่างสมบูรณ์ นั่นคือ การพัฒนาวัฒนธรรมการฟังและศักยภาพในการแสดงออกอย่างสร้างสรรค์ผ่านการร้องเพลง การเคลื่อนไหว และการเล่นเครื่องดนตรี ซึ่งเกี่ยวข้องกับการแก้ปัญหาชุดหนึ่ง เนื้อหาดนตรีของบทเรียนได้รับการคัดเลือกโดยคำนึงถึงความสัมพันธ์กับบทเรียนก่อนหน้าและบทเรียนต่อ ๆ ไป ดังนั้นการร้องเพลงประสานเสียงงด "เรากำลังเดิน" ตามเอฟเฟกต์เสียงสะท้อนโดยที่แต่ละวลีร้องโดยครูก่อนแล้วจึงโดยเด็ก ๆ เป็นที่คุ้นเคยกับนักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 จากบทเรียนก่อนหน้า เพลงของหมี กบ และลูกแมวเป็นเพลงใหม่ สิ่งใหม่สำหรับเด็กในบทเรียนนี้คือบทละคร "The Hours" ของ V. Gavrilin และเพลงพื้นบ้านลัตเวีย ผลงานแต่ละชิ้นเหล่านี้จะช่วยโน้มน้าวนักเรียนครั้งแล้วครั้งเล่าว่าโลกแห่งดนตรีนั้นกว้างใหญ่ มีความหลากหลาย และน่าสนใจไม่รู้จบ ผลงานที่คุ้นเคย - แบบฝึกหัดดนตรีและจังหวะ "Let's Swim" และเพลง "Ducklings" จะทำให้เด็ก ๆ มีความมั่นใจในความสามารถของตนเองมากขึ้นและจะเป็นช่วงเวลาแห่งการผ่อนคลายจิตใจของเด็กนักเรียนระดับต้นในทางใดทางหนึ่ง เช่นเดียวกับบทเรียนนี้ บทเรียนดนตรีมีโครงสร้างโดยคำนึงถึงลักษณะเฉพาะของงานซ้อม บทเรียนประเภทพิเศษถือได้ว่าเป็นบทเรียน-คอนเสิร์ตสุดท้ายของไตรมาสการศึกษาหรือ ปีการศึกษา. ก่อนหน้านี้จะมีการหารือเกี่ยวกับการแสดงคอนเสิร์ตบทเรียนดังกล่าวกับนักเรียน อาจรวมถึงเพลงและผลงานจากสื่อการฟังที่เด็กๆชื่นชอบมากที่สุด แต่นอกเหนือจากละครที่เด็กๆ รู้จักกันดีแล้ว บทเรียนคอนเสิร์ตก็ควรรวมไปถึงด้วย วัสดุใหม่. ในเรื่องนี้ E.B. อับดุลลินเชื่ออย่างถูกต้องว่าในบทเรียนดังกล่าวเป็นที่ต้องการอย่างมากสำหรับครูสอนดนตรีที่จะแสดงเป็นศิลปินเดี่ยว (นักร้อง, นักดนตรี) ในกรณีนี้ ครูสอนดนตรีจะเปลี่ยนเด็กจากผู้ถ่ายทอดวัฒนธรรมมาเป็นผู้สร้างโดยตรง ในเวลาเดียวกัน ครูได้ศึกษาบทเพลงของแต่ละบทเรียนอย่างรอบคอบ วิเคราะห์และเรียนรู้เนื้อหาดนตรีและบทกวีเพื่อการสื่อสารอย่างสงบกับเด็ก ๆ ในกระบวนการร้องเพลงประสานเสียง เขาศึกษาคำแนะนำด้านระเบียบวิธีสำหรับโปรแกรม เลือกเนื้อหาที่น่าสนใจที่จำเป็นเกี่ยวกับผู้แต่งหรือผลงานทางดนตรีเฉพาะ เลือกการบันทึกเสียงหรือวิดีโอที่จำเป็น คิดผ่านคำถามสำหรับผู้ชมที่เป็นเด็ก และคาดการณ์คำตอบที่เป็นไปได้ และจัดให้มีการใช้ทั้งส่วนรวมและรายบุคคล รูปแบบการทำงานกับนักเรียนในบทเรียน ในกรณีที่บทเรียนดนตรีเกี่ยวข้องกับการหันไปใช้ศิลปะรูปแบบอื่นซึ่งเป็นเรื่องปกติสำหรับกระบวนการสอนสมัยใหม่โดยรวมจำเป็นต้องมีความรู้ที่ดีเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ศิลปะตลอดจนต้องมีภาพประกอบและอุปกรณ์พิเศษสำหรับสาธิตสไลด์ นอกเหนือจากเงื่อนไขขององค์กรและการสอนข้างต้นที่ส่งผลต่อประสิทธิผลของบทเรียนดนตรีในโรงเรียนประถมศึกษาแล้ว ควรกล่าวถึงสิ่งต่อไปนี้:

การปฏิบัติตามสื่อการศึกษาและการนำเสนอกับหลักการสอนพื้นฐานของการสอนนักเรียนระดับประถมศึกษา

สร้างความเชื่อมโยงระหว่างงานศิลปะที่ศึกษากับปรากฏการณ์และภาพความเป็นจริงโดยรอบ

ความเพียงพอของการจัดระเบียบการรับรู้สุนทรียศาสตร์ของดนตรีต่อลักษณะเฉพาะของแก่นแท้ของศิลปะ

ส่งเสริมการสร้างบรรยากาศแห่งความสะดวกสบายเพื่อแสดงอิสรภาพทางจิตวิญญาณของแต่ละบุคคลผ่านการเปิดกว้างทางอารมณ์ของครูและเด็ก

ริเริ่มโดยครูที่มีวัฒนธรรมและมีทักษะในการสอน มีทัศนคติเชิงบวกต่อความรู้ที่ได้รับ เป็นต้น)

เครื่องดนตรีคุณภาพสูงและปริมาณเพียงพอ (การปรับแต่งที่ดี รูปลักษณ์ที่สวยงาม ความหลากหลาย)

อุปกรณ์ช่วยสอนด้านเทคนิคคุณภาพสูงและความทันสมัย ​​(อุปกรณ์ภาพและเสียง)

การออกแบบห้องดนตรีที่สวยงาม

เงื่อนไขด้านสุขอนามัยในการเรียน (ห้องสว่าง สบาย กว้างขวาง อากาศถ่ายเทสะดวก เฟอร์นิเจอร์ที่สะดวกสบาย)

บทที่ 2

บทเรียนดนตรีก็เหมือนกับวิชาวิชาการอื่นๆ ในโรงเรียน ที่ต้องการองค์กรดังกล่าวเพื่อให้ครูสามารถติดตามความก้าวหน้าของนักเรียนของเขาในทุกขั้นตอนของการทำงาน: ในกระบวนการฝึกฝนความรู้ ทักษะ และความสามารถทางดนตรีใหม่ๆ ในขณะที่ทำซ้ำสิ่งที่มี ได้รับการเรียนรู้เช่น โดยคำนึงถึงความรู้ควรรวมอยู่ในกระบวนการศึกษาทุกส่วน

คุณลักษณะเฉพาะของบทเรียนดนตรีในฐานะบทเรียนศิลปะบังคับให้เรามองหาวิธีทดสอบนักเรียนที่จะไม่เปลี่ยนกระบวนการนี้ให้กลายเป็นพิธีการที่แห้งแล้ง แต่จะรักษาธรรมชาติของกิจกรรมทางดนตรีและสุนทรียภาพไว้

การทดสอบความรู้ไม่เพียงแต่เป็นตัวบ่งชี้ผลลัพธ์ของงานเท่านั้น ตัวอย่างเช่น เป้าหมายหลักของครูเมื่อเขาเดินผ่านนักเรียนร้องเพลงเป็นแถวคือการทดสอบทักษะการร้องเพลงประสานเสียงของนักเรียน กระบวนการของ "การตั้งคำถามโดยรวม" ดังกล่าว ในทางกลับกัน หากดำเนินการอย่างถูกต้อง ระดับความเชี่ยวชาญของทักษะที่เกี่ยวข้องจะเพิ่มขึ้น

หากแบบทดสอบสะท้อนถึงระดับความสำเร็จที่แท้จริงของนักเรียนตามคะแนนต่างๆ ได้อย่างแม่นยำ จะเป็นการกระตุ้นการทำงานของทั้งชั้นเรียน รวบรวมความรู้ ทักษะ และความสามารถที่มีอยู่ และไม่ต้องสงสัยเลยว่าจะช่วยปรับปรุงกระบวนการเรียนรู้และซึมซับสิ่งใหม่ๆ อย่างสร้างสรรค์ .

การทดสอบช่วยให้ครูสังเกตว่ามีการเรียนรู้แนวคิดอย่างถูกต้องหรือไม่ มีการเรียนรู้เพลงอย่างถูกต้องหรือไม่ และช่วยให้ครูแก้ไขข้อผิดพลาดได้อย่างรวดเร็ว

ทำให้กิจกรรมทางจิตของนักเรียนเข้มข้นขึ้นได้ ดังนั้นในขณะที่เตรียมนักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 6 ให้ฟังเพลงไพเราะจิ๋ว "Spring" โดย E. Grieg ครูแนะนำให้พวกเขารู้จักเพลงชื่อเดียวกันก่อน หลังจากนั้นพวกเขาถูกขอให้ฟังย่อส่วนซึ่งมีทำนองของเพลงที่ระบุดังขึ้น มีการถามคำถามที่มีลักษณะที่เป็นปัญหา: มีการเปลี่ยนแปลงอะไรเกิดขึ้นกับทำนองในระหว่างการพิจารณาคดีครั้งแรกและครั้งที่สอง? ธรรมชาติของดนตรีเปลี่ยนแปลงไปพร้อมๆ กัน และสิ่งนี้แสดงออกได้อย่างไร? ครูไม่ได้คาดหวังที่จะได้ยินคำตอบที่ถูกต้องสำหรับคำถามที่ถูกถาม สิ่งสำคัญคือต้องกระตุ้นนักเรียนทุกคน โดยเฉพาะกลุ่มที่ไม่โต้ตอบ เพื่อรวบรวมความคิดเห็นที่แตกต่างกัน เพื่อสร้างสถานการณ์ความขัดแย้ง หลักสูตรต่อไปของบทเรียนแสดงให้เห็นถึงประสิทธิผลของวิธีการตั้งคำถามนี้

ทีละขั้นตอนในกระบวนการเรียนรู้ ครูสอนดนตรีจะสร้างสถานการณ์ที่มีปัญหาหลายประการในบทเรียน สถานการณ์เหล่านี้เป็นชุดคำถามและงานซึ่งเป็นคำตอบที่ไม่อนุญาตให้เรามีความรู้เดิมเกี่ยวกับเรื่องที่ทำให้เกิดปัญหา. ความรู้นี้เกิดขึ้นในกระบวนการให้เหตุผลของนักเรียน การปะทะกันของความคิดเห็น และท้ายที่สุดคือการแก้ปัญหาการเรียนรู้ ด้วยวิธีนี้ ปัญหาด้านการศึกษาโดยพื้นฐานแล้วแตกต่างจากคำถามของครูธรรมดา ๆ ซึ่งสามารถให้คำตอบที่ตรงและแม่นยำได้ เช่น: "M. I. Glinka สร้างโอเปร่ากี่เรื่อง"

ในการแก้ไขปัญหาสถานการณ์และอภิปรายการปัญหาทางการศึกษา สามารถระบุระดับการคิดทางดนตรีที่แท้จริงของนักเรียนและประเมินตามนั้นได้

การบัญชีความรู้มีจุดมุ่งหมายไม่เพียงเพื่อกำหนดสิ่งที่นักเรียนคนใดคนหนึ่งหรือคนอื่นไม่เข้าใจเนื้อหาเท่านั้น แต่ยังเพื่อค้นหาเหตุผลด้วย ดังนั้นในหนึ่งในชั้นประถมศึกษาปีที่ 5 ความโรแมนติกของ M. Glinka เรื่อง "Lark" จากวงจรเสียงร้อง "อำลาสู่ปีเตอร์สเบิร์ก" จึงได้เรียนรู้ด้วยความยากลำบากอย่างยิ่ง การทดสอบรายบุคคลแสดงให้เห็นว่าเด็กผู้ชายซึ่งคิดเป็นเสียงส่วนใหญ่ในชั้นเรียน พบว่าเป็นการยากที่จะร้องเพลงทำนองโรแมนติกที่ดึงออกมาซึ่งเขียนด้วยโน้ตที่ค่อนข้างสูงเช่นกัน หลังจากเปลี่ยนงานเป็นโทนเดียว หนุ่มๆ ก็ร้องเพลงได้อิสระมากขึ้น สะอาดขึ้น และสงบขึ้น ซึ่งส่งผลต่อคุณภาพของการแสดงโรแมนติกโดยรวมในทันที

ดังนั้นเมื่อทราบถึงลักษณะของชั้นเรียนและนักเรียนแต่ละคน ครูสามารถแยกแยะข้อผิดพลาดที่เกิดจากการไม่ตั้งใจ ทัศนคติที่ไม่ใส่ใจต่อการเรียนรู้ ความเกียจคร้าน และไม่ระบุข้อผิดพลาดตามเหตุผลที่เป็นรูปธรรมได้เมื่อประเมินความรู้และทักษะ

ในระหว่างการทดสอบ คุณสามารถทำงานที่เกี่ยวข้องกับการสอนกิจกรรมทางดนตรีบางประเภทได้ อย่างไรก็ตาม

ในกรณีนี้ การเรียนรู้จะเกิดขึ้นในรูปแบบที่แตกต่างจากการเรียนรู้เพลงใหม่ นี่อาจเป็นเช่น:

) การวิเคราะห์โดยคำตอบทั้งเชิงบวกและเชิงลบทั้งชั้นเรียนที่กระดาน ให้นักเรียนทั่วทั้งชั้นเรียนมีส่วนร่วมในการประเมิน

) การประเมินคำตอบพร้อมคำอธิบายเหตุผลที่ทำให้ครูให้คะแนนนี้โดยเฉพาะไม่ใช่อย่างอื่น

) คำแนะนำแก่นักเรียนที่ตอบแบบสอบถามเกี่ยวกับวิธีกำจัดข้อผิดพลาดที่ระบุระหว่างคำตอบ

ในบางกรณี อาจเป็นสิ่งสำคัญที่จะแสดงให้นักเรียนเห็นว่าพวกเขาทำงานชิ้นใดงานหนึ่งได้ดีเพียงใด ดังนั้นในชั้นประถมศึกษาปีที่ 7 ซึ่งเป็นผลมาจากการทำงานที่ยาวนานในการแสดง "เกาะโรแมนติกของ S. Rachmaninov" นักเรียนที่ทดสอบแยกกันหลายคนและในชั้นเรียนโดยรวมก็ปรับปรุงเสียงร้องเพลงของพวกเขาและพัฒนาความไพเราะอย่างเห็นได้ชัด การเร่งความเร็วของเสียงที่สังเกตได้ก่อนหน้านี้ทำให้เกิดเสียงที่นุ่มนวล สงบ อิสระ และผ่อนคลาย ข้อเท็จจริงนี้ทำให้ชั้นเรียนได้รับความสนใจและได้รับการต้อนรับด้วยความกระตือรือร้น

ในกระบวนการทดสอบความรู้ในบทเรียน ความต้องการของครูในด้านคุณภาพของการปฏิบัติงาน ระดับความรู้ และทักษะของนักเรียนมีความสำคัญอย่างยิ่ง นักเรียนที่เชี่ยวชาญเนื้อหาทางดนตรีที่พวกเขาศึกษาอย่างมีสติและหนักแน่นพยายามแสดงความรู้ของตนเองและรู้สึกขุ่นเคืองหากครูไม่ถามด้วยเหตุผลบางประการ การสนับสนุนปณิธานนี้เป็นสิ่งสำคัญมากในการหาวิธีส่งเสริมกิจกรรมของนักเรียน

สามารถตรวจสอบและประเมินความรู้ในการเรียนดนตรีได้หลากหลายรูปแบบทั้งในงานปัจจุบันและสรุปผลปลายไตรมาส ครึ่งปี หรือปี

สิ่งสำคัญคือต้องทดสอบและประเมินความรู้ในลักษณะที่ทั้งชั้นเรียนทำงานอย่างแข็งขันแม้จะทำการสำรวจเป็นรายบุคคลก็ตาม

ทดสอบความรู้และทักษะการร้องเพลง

ครูนักดนตรีแต่ละคนมีการดัดแปลงวิธีการที่เป็นที่ยอมรับโดยทั่วไปในการตรวจสอบความสำเร็จของการพัฒนาดนตรีและการร้องเพลงของนักเรียน วรรณกรรมด้านระเบียบวิธียังไม่ค่อยพูดถึงวิธีทดสอบนักเรียนในบทเรียน สิ่งที่ต้องประเมินในการร้องเพลง คำตอบสำหรับความรู้ทางดนตรีและการฟังเพลง

เรามาพูดถึงวิธีการและเทคนิคบางอย่างในการทดสอบความรู้ของนักเรียนที่ใช้กัน งานภาคปฏิบัติในบทเรียน

โทรไปที่บอร์ด นี่อาจเป็นวิธีการตั้งคำถามแบบดั้งเดิมที่สุด: นักเรียนร้องเพลง ครูฟังการร้องเพลงและผลการเรียน ในบทเรียนดนตรี เทคนิคนี้จะได้ผลถ้าการร้องเพลงของนักเรียนเป็นอาหารสำหรับความคิดและการอภิปรายกันทั้งชั้น ตัวอย่างเช่น นักเรียนที่ร้องเพลงบนกระดานดำถือเป็นนักร้องที่เก่งที่สุดคนหนึ่ง การร้องเพลงที่แสดงออกของเขาสามารถเป็นตัวอย่างให้นักเรียนคนอื่นๆ ปฏิบัติตามได้

บางครั้งครูก็ใช้เทคนิคนี้ นักร้องที่เก่งที่สุดในชั้นเรียนร้องเพลงบนกระดานดำ แต่ครูยังคงชวนเพื่อนร่วมชั้นให้ค้นหาสิ่งที่สามารถปรับปรุงหรือแก้ไขได้ในการแสดงของเขา เราต้องดูว่านักเรียน (นักเรียนชั้นประถมศึกษาและวัยรุ่น) ลงมือทำธุรกิจด้วยความกระตือรือร้นและความสนใจอะไร! บางครั้งนักแสดงก็ต้องฟังความเห็นและความปรารถนามากมาย

อย่างไรก็ตาม ในบทเรียนดนตรี การเรียกกระดานมีข้อเสียหลายประการ

ดังนั้น นักเรียนวัยรุ่นส่วนใหญ่จึงรู้สึกเขินอายที่จะร้องเพลงตามลำพัง พวกเขาร้องเพลงบนกระดานดำแย่กว่าบนอัฒจันทร์มาก การศึกษาจุลภาคพิเศษที่ดำเนินการที่โรงเรียนประจำหมายเลข 16 ในมอสโกโดยใช้ไมโครโฟนที่ซ่อนอยู่แสดงให้เห็นว่านักเรียนทุกคนในชั้นประถมศึกษาปีที่ 6 ที่รายล้อมไปด้วยสหายร้องเพลงได้สำเร็จในการแสดงผลงานที่ค่อนข้างยากของ F. Schubert เรื่อง "On the Road" จากวงจรเสียงร้อง “The Beautiful Miller's Wife” (“The Miller Lead his Life in Motion, In Motion...”) ในเวลาเดียวกัน นักเรียนมากกว่าครึ่งหนึ่งที่ถูกเรียกไปยังคณะกรรมการไม่สามารถร้องเพลงท่อนเดียวจากเพลงนี้ได้อย่างถูกต้อง

ข้อเสียอีกประการหนึ่งของการตรวจสอบนักเรียนที่กระดานคือปฏิกิริยาที่ไม่พึงประสงค์จากชั้นเรียน เช่น เสียงหัวเราะ ล้อเล่น เสียงกระซิบเชิงวิพากษ์วิจารณ์ น่าเสียดายที่ในหมู่นักเรียนสมัยใหม่ที่อาศัยอยู่ในรัสเซียในศตวรรษที่ 21 การร้องเพลงยังไม่กลายเป็นเรื่องปกติ ดังนั้น การแสดงที่ไม่เหมาะสมของนักเรียนที่ตอบกระดานดำ ทำให้เกิดปฏิกิริยารุนแรงและค่อนข้างเป็นลบจากชั้นเรียน แม้จะไม่ได้ตั้งใจก็ตาม แน่นอนคุณสามารถต่อสู้กับสิ่งนี้ได้ อย่างไรก็ตาม ควรคำนึงถึงข้อเท็จจริงที่ว่าในระหว่างการร้องเพลงของแต่ละคน นักเรียนจะรู้สึกผ่อนคลายมากขึ้นในสภาพแวดล้อมที่คุ้นเคยของเพื่อนร่วมชั้น

และข้อเสียอีกประการหนึ่งของการตอบบนกระดานดำคือทัศนคติที่ไม่โต้ตอบของชั้นเรียนต่อสิ่งที่เกิดขึ้น: นักเรียนเริ่มทำกิจกรรมที่ไม่เกี่ยวข้องและไม่สนใจนักร้อง ประสิทธิภาพการโพลลดลงอย่างเห็นได้ชัด และถึงแม้ว่าครูจะพยายามเอาชนะความเฉยเมยของชั้นเรียนในกรณีเหล่านี้ แต่ความพยายามของพวกเขาไม่ได้นำไปสู่ผลลัพธ์ที่ดีเสมอไป

เช็คกลุ่ม. นักเรียนสามหรือสี่คนถูกเรียกไปที่คณะกรรมการพร้อมๆ กันและร้องเพลงพร้อมกันหรือเป็นเสียงประสาน ข้อดีของวิธีนี้คือสามารถสำรวจนักเรียนจำนวนมากขึ้นได้ นักเรียนที่ขี้อายจะค่อนข้างสงบกว่าและตามกฎแล้วจะแสดงผลการร้องเพลงได้ดีกว่าปกติ

ปัญหาหลักในการใช้การประเมินกลุ่มคือครูต้องแบ่งความสนใจระหว่างการร้องเพลงของนักเรียนหลายคน ซึ่งอาจส่งผลต่อความแม่นยำของการประเมินครั้งต่อไป งานจะง่ายขึ้น ตัวอย่างเช่น หากคุณวางนักร้องสองคนทางด้านขวาและอีกสองคนทางด้านซ้ายของคุณ และตรวจสอบการร้องเพลงของนักเรียนโดยไม่มีเครื่องดนตรี โดยย้ายจากนักร้องคนหนึ่งไปยังอีกคนหนึ่ง

ตรวจตามแถว. ความช่วยเหลือที่ดีเมื่อใช้เทคนิคการตรวจสอบนี้คือการบันทึกเสียงเพลงประกอบ ครูเปิดเครื่องอัดเทปและเดินผ่านแถวต่างๆ ฟังนักเรียนร้องเพลง เมื่อคุ้นเคยกับการฟังเสียงของครูในห้องเรียน เด็กนักเรียนจึงร้องเพลงได้อย่างอิสระแม้ว่าเพลงนี้จะเป็นแบบ "กลไก" ก็ตาม

ตรวจสอบโดยใช้เครื่องบันทึกเทป การใช้เครื่องบันทึกเทปเมื่อตรวจสอบความคืบหน้าในกิจกรรมทางดนตรีประเภทต่างๆ มักใช้วิธีการต่อไปนี้ ในช่วงต้นปีการศึกษา นักเรียนทุกคนจะต้องผ่าน "การรับรอง" เสียงของตนเอง - เทปบันทึกเสียงของแต่ละคน

หลังจากช่วงหนึ่ง เช่น ในไตรมาสที่สาม นักเรียนจะฟังบางส่วนของภาพยนตร์ ทั้งชั้นเรียน - และโดยเฉพาะนักเรียนที่ถูกทดสอบ - ตั้งใจฟังการบันทึก และผู้ถูกทดสอบยังต้องให้ข้อเสนอแนะโดยละเอียดเกี่ยวกับคุณภาพการร้องเพลงในช่วงต้นปีอีกด้วย จากนั้นเขาก็แสดงท่อนเพลงเดียวกัน การแสดง "สด" ของเขาในวันนี้จะถูกตัดสินโดยเพื่อนร่วมชั้นคนหนึ่งของเขา

เทคนิคนี้ก็ฝึกเช่นกัน ทั้งชั้นร้องเพลงร่วมกับครู ในเวลานี้ นักเรียนคนหนึ่งซึ่งมีเครื่องเล่นบันทึกเสียง (ควรเป็นเลเซอร์ (ดิจิทัล) ที่ให้การเล่นคุณภาพสูง) หยุดใกล้กับนักร้องแต่ละคนเป็นเวลา 6-8 วินาที เรียกนามสกุลของเขาและนำไมโครโฟนมา ใกล้ชิดกับเขามากขึ้น หลังจากบันทึกการร้องเพลงส่วนหนึ่งของชั้นเรียนแล้ว การบันทึกจะแสดงขึ้น และครูหรือนักเรียนจะประเมินระดับการแสดงเพลงของนักเรียนแต่ละคนตามนั้น เพื่อให้แน่ใจว่าการตรวจสอบดังกล่าวไม่ใช่การสุ่ม การสำรวจโดยใช้ผู้เล่นจะมีขึ้นหลายครั้งในช่วงไตรมาสการศึกษา ฉันต้องมั่นใจมากกว่าหนึ่งครั้งถึงประสิทธิภาพที่ยอดเยี่ยมของวิธีทดสอบการร้องเพลงของนักเรียนวิธีนี้

ทดสอบความรู้ด้านดนตรี

เมื่อทดสอบความรู้ด้านดนตรี เป็นการดีที่สุดที่จะปฏิบัติตามคำแนะนำของ M.A. Rumer ผู้แนะนำให้สัมภาษณ์นักเรียนในกระบวนการทำงานส่วนหน้ากับชั้นเรียนโดยไม่หยุดสำรวจนักเรียนคนหนึ่งเป็นเวลานาน วิธีนี้ช่วยให้นักเรียนทุกคนมีความกระตือรือร้น

ร้องเพลงจากแผ่นบทสวดคล้ายมาตราส่วนง่ายๆ "เดิน" ไปตามมาตราส่วน กำหนดรูปแบบ ขนาด และเนื้อสัมผัสของข้อความทางดนตรีที่คุ้นเคยและไม่คุ้นเคยมีการฝึกฝนในโรงเรียน ครูเล่น (หรือให้บันทึก) ชิ้นส่วนของงาน: นักเรียนที่ถูกเรียกจะกำหนดวิธีการแสดงออกทางดนตรีที่เหมาะสม

บางครั้งบนพื้นฐานนี้จะมีการทดสอบในชั้นเรียนทั่วไป: มีการแสดงดนตรีที่ตัดตอนมาในชั้นเรียนเช่น: 1) “ Anitra's Dance” โดย E. Grieg, 2) “ Dreams” (จาก “ Children's Scenes”) โดย R. Schumann , 3) ส่วนหนึ่งของเปียโนคอนแชร์โต้พร้อมวงออเคสตราของ E. Grieg

ตรวจสอบความเชี่ยวชาญของเนื้อหาโดยการฟังเพลง

บางครั้งในบทเรียนที่โรงเรียน คุณอาจสังเกตเห็นคำถามที่เกี่ยวข้องกับการฟังเพลงในรูปแบบที่ลึกซึ้งไม่เพียงพอ ครู: "ฉันกำลังเล่นอะไรอยู่?" - นักเรียน: "ขบวนแห่คนแคระ" โดย Grieg - ครู: “โบโรดินเกิดปีไหน” - นักเรียน: “ในปี 1833” - ครู: “ที่ไหน” - คำตอบ: "ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก" - ครู: “โมสาร์ทเขียนโอเปร่ากี่เรื่อง?” - คำตอบ: "17" - ครู:“ คุณรู้จักใครบ้าง” คำตอบคือรายการชื่อโอเปร่า ฯลฯ ที่สมบูรณ์ไม่มากก็น้อย

โดยไม่ละทิ้งการทดสอบความรู้เฉพาะเจาะจงโดยสิ้นเชิง ครูถูกเรียกให้มอบจุดหลักในแบบสำรวจถึงวิธีการโดยอาศัยการเปรียบเทียบ การเปรียบเทียบดนตรี การระบุคุณลักษณะของงาน ตัวอย่างเช่นในชั้นประถมศึกษาปีที่ 6 นักเรียนสามารถเสนอให้เปรียบเทียบการแสดงเพลงของแขก Varangian โดยนักร้อง B. Gmyrey, M. Reizen และ A. Pirogov ในเวลาเดียวกัน นักเรียนจะได้รับคำเตือนว่าไม่มีคำตอบที่ชัดเจนและชัดเจนสำหรับคำถามที่วางไว้ในหลักการ และหน้าที่ของพวกเขาคือมีส่วนร่วมในการอภิปรายเกี่ยวกับธรรมชาติของการตีความบางอย่าง และประเมินสีของตนเองอย่างสุดความสามารถ

ตัวอย่างอื่น. ในบทเรียนในชั้นประถมศึกษาปีที่ 5 ภารกิจคือพิจารณาว่าการเรียบเรียงเพลง "I Walk with the Weed" ของ S. Blagobrazov ซึ่งเด็ก ๆ เรียนในชั้นเรียนแตกต่างจากการเรียบเรียงของ N. Rimsky-Korsakov อย่างไร ที่พวกเขาฟังในการบันทึก

ในชั้นประถมศึกษาปีที่ 6 ด้วยการเตรียมการที่เหมาะสมเป็นไปได้ที่จะเสนอคุณลักษณะ (สร้าง) รูปแบบดนตรี - ประวัติศาสตร์ของข้อความที่ตัดตอนมาจากผลงานดนตรีครั้งแรกที่ฟังครั้งแรก (ลัทธิคลาสสิก, แนวโรแมนติก, รูปแบบของโรงเรียนแห่งชาติรัสเซีย, ดนตรีสมัยใหม่)

ดังที่ประสบการณ์ของโรงเรียนในปัจจุบันแสดงให้เห็น การใช้วิธีการเปิดใช้งานดังกล่าวในแบบสำรวจเป็นวิธีที่มีประสิทธิภาพในการปรับปรุงคุณภาพของกระบวนการในการแนะนำนักเรียนให้รู้จักกับความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรีขั้นสูงสุด ดนตรีเป็นรูปแบบหนึ่งของศิลปะและเป็นวิชาเชิงวิชาการเปิดโอกาสที่ดีสำหรับครูในการสร้างสถานการณ์ดังกล่าวในห้องเรียน เมื่อนักเรียนเผชิญกับความยากลำบากทางดนตรีทั้งทฤษฎีและปฏิบัติซึ่งค่อนข้างแก้ไขได้ในระดับบุคคลและมองอย่างอิสระ สำหรับแนวทางแก้ไขเหล่านั้น คำตอบด้วยวิธีการสำรวจที่ "มีปัญหา" อาจไม่ถูกต้องทั้งหมดเสมอไป ครูจะชี้แจงและแก้ไขให้ถูกต้อง อย่างไรก็ตามความพยายามของนักเรียนมุ่งเป้าไปที่การทำงานให้สำเร็จโดยอิสระการไตร่ตรองร่วมกันในบทเรียนช่วยให้ได้รับความจริงที่ต้องการเพราะแม้แต่คำตอบที่ผิดพลาดของเด็กนักเรียนก็ปลุกความคิดของคนอื่น ๆ ทำให้เกิดกิจกรรมในการค้นหา ทางออกที่ถูกต้อง

เป็นที่ทราบกันมานานแล้วว่างานและคำถามที่เกี่ยวข้องกับการเปรียบเทียบและการวิเคราะห์ด้วยการแสดงความคิดเห็นของตนเอง การประเมินของตนเอง ดึงดูดนักเรียนได้ในระดับที่มากกว่าคำถามทั่วไปที่เกี่ยวข้องกับวันที่เฉพาะเจาะจงในชีวิตของนักแต่งเพลง โดยแสดงรายการของเขา งาน ฯลฯ S. T. Shatsky ดึงความสนใจไปที่ความถูกต้องของคำถามของครู ใน "How We Teach" เขาพูดถึงความยากลำบากที่นักเรียนเผชิญในการตอบคำถามของครูเช่นนี้ คำถามดังกล่าวแตกต่างจากคำถาม "มนุษย์" ทั่วไปตรงที่นักเรียนรู้: คำตอบสำหรับคำถามที่ถามเขาพร้อมแล้วในหัวของครู และบ่อยครั้ง เมื่อมองว่าคำถามของครูเป็นเพียงกลอุบาย นักเรียนไม่ได้คิดมากว่าจะตอบคำถามในสาระสำคัญอย่างไร เท่ากับพยายามเดาว่าครูคาดหวังจะได้ยินอะไร และ S. T. Shatsky ได้ข้อสรุปที่เรียบง่ายแต่ถูกต้องมาก: ควรตั้งคำถามในลักษณะที่กระตุ้นการไตร่ตรองของนักเรียนซึ่งจะถึงจุดสูงสุดด้วยคำตอบ ตามกฎแล้วการตอบสนองอย่างเป็นอิสระของนักเรียน การตัดสินและความคิดของเขาเองนั้นไม่เพียงแต่เป็นที่สนใจของครูเท่านั้น แต่ยังรวมถึงทั้งชั้นเรียนด้วย

คำถามที่ตั้งคำถามมีบทบาทสำคัญในการพัฒนาความสามารถในการคิดอย่างสร้างสรรค์ ซึ่งถือเป็นงานที่สำคัญที่สุดงานหนึ่งของการสอนวิชาดนตรี คำถามดังกล่าวช่วยให้เราสามารถสรุปข้อสรุปที่ถูกต้องตามวัตถุประสงค์เกี่ยวกับระดับศักยภาพทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์ของนักเรียนเกี่ยวกับคุณภาพการสอนของความรู้และทักษะทางดนตรีของพวกเขาและเพื่อวางแผนระบบความพยายามในการสอนและการศึกษาเพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่ดีที่สุดในการพัฒนาดนตรี นักเรียนแต่ละคน

ต่อไปนี้เป็นตัวอย่างของการสำรวจเกี่ยวกับการรับรู้ภาษาดนตรี

เกม "ใส่ใจที่สุด" ครูเล่นทำนองที่คุ้นเคยพร้อมดนตรีประกอบ ในบางจุดรูปแบบทำนองหรือความประสานเสียงเปลี่ยนแปลงเล็กน้อย พวกเขาจำเป็นต้องพิจารณาว่าการเปลี่ยนแปลงนี้เกิดขึ้นที่ใด รูปแบบของเกมคือการฟังความก้าวหน้าของคอร์ด เด็กต้องทราบว่าได้รับอนุญาตในกลุ่มโทนิคหรือไม่ เกมทดสอบดังกล่าวช่วยให้ครูสามารถกำหนดระดับการได้ยินแบบกิริยาและการฮาร์โมนิกได้ อีกทางเลือกหนึ่ง นักเรียนฟังท่วงทำนองที่ไม่คุ้นเคยหลายครั้ง: ในการประสานที่ถูกต้อง ในทำนองที่ขัดแย้ง และในทำนองที่ไม่ถูกต้อง จากนั้นพวกเขาก็ตัดสินใจว่าในกรณีใดการประสานกันนั้นถูกต้องที่สุด

ในชั้นประถมศึกษาปีที่ 6 นักเรียนทำงานต่อไปนี้ได้สำเร็จ: ระหว่างลำดับคอร์ดต่อเนื่อง ลำดับลักษณะเฉพาะของคอร์ดจากท่อนที่แสดงก่อนหน้านี้ (หรือฟัง) จะถูก "ซ่อน" จำเป็นต้องพิจารณาว่าลำดับที่ซ่อนอยู่นั้นอยู่ที่ใดและทำงานจากที่ใด ตัวอย่างของลำดับดังกล่าว "ซ่อน" ในสภาพแวดล้อมของคอร์ดที่เป็นกลาง ได้แก่ การเปลี่ยนลักษณะเฉพาะจาก "Morning" โดย E. Grieg คอร์ดเบื้องต้นของเพลง "Beautiful Mother" โดย E. Kolmanovsky ซึ่งเป็นผืนผ้าใบฮาร์มอนิกเป็นทำนองของรายการทีวี "ราตรีสวัสดิ์นะเด็กๆ" ฯลฯ

คำจำกัดความของ "สัญชาติ" ของดนตรีพื้นบ้าน นักเรียนจะได้ชมชิ้นส่วนดนตรีประจำชาติและผลงานของประชาชนในสหพันธรัฐรัสเซีย กลุ่มประเทศ CIS และในต่างประเทศ สิ่งเหล่านี้อาจเป็น "Lezginka" โดย A. Khachaturian การเต้นรำพื้นบ้านของภูมิภาคตะวันออก "Doina" - ทำนองมอลโดวา "Gopak" ของยูเครน ลายเบลารุส และตัวอย่างอื่น ๆ ได้รับการตั้งข้อสังเกตว่าหลังจากการแบ่งอดีตสหภาพโซเวียตออกเป็นรัฐอิสระหลายรัฐการกำหนดสีประจำชาติของผลงานของนักแต่งเพลงจากประเทศเพื่อนบ้านนั้นเป็นงานที่ค่อนข้างยากแม้ว่าจะน่าสนใจสำหรับเด็กนักเรียนก็ตามทำให้พวกเขาประเมินความรู้สึก สไตล์ดนตรี

การกำหนดขนาดของข้อความที่คุณกำลังฟังเป็นครั้งแรก ในการทำภารกิจนี้ให้สำเร็จ (เกรด III-IV) นักเรียนจะ "ควบคุม" เสียงเพลง ค้นหาจังหวะที่หนักแน่นในบาร์ และบนพื้นฐานนี้ จะกำหนดขนาดของข้อความทางดนตรีที่เสนอ

การกำหนดสไตล์การแสดงของนักร้องหรือนักดนตรีที่คุ้นเคย ในชั้นเรียนที่มีความก้าวหน้าทางดนตรีมากที่สุด คุณสามารถฝึกตั้งคำถามในรูปแบบต่อไปนี้: นักแสดงหลายคนเล่น (ร้องเพลง) ข้อความเดียวกันทีละคน งานได้รับการตั้งค่า - ในหมู่นักแสดงจำนวนหนึ่งเพื่อจดจำคนที่คุ้นเคยอยู่แล้วจากบรรดาผู้ที่ทำงานที่นักเรียนคุ้นเคยอยู่แล้ว

ประสบการณ์แสดงให้เห็นว่าเป็นเรื่องง่ายสำหรับเด็กที่จะจดจำนักแสดงที่มีบุคลิกในการแสดงที่แข็งแกร่ง ในบรรดานักแสดงดังกล่าว ได้แก่ นักเปียโน S. Richter, V. Horowitz และ D. Lipatti, นักไวโอลิน J. Heifetz, นักร้อง B. Gmyrya, N. Obukhova, F. Chaliapin, G. Nelepp

การประเมินความสำเร็จและความล้มเหลวของนักเรียนอย่างเป็นกลางในบทเรียนดนตรีถือเป็นปัจจัยที่สำคัญที่สุดอย่างไม่ต้องสงสัยในการปรับปรุงความรู้และทักษะของนักเรียน และพัฒนาความสามารถทางดนตรีของพวกเขา เป็นที่ทราบกันดีจากการปฏิบัติว่าหากมีการบัญชีเป็นครั้งคราวผลลัพธ์ที่ได้จะเป็นที่ต้องการอย่างมาก ในทางกลับกัน การตั้งคำถามอย่างเป็นระบบจะกระตุ้นให้นักเรียนทำงานอย่างสม่ำเสมอ มันเกิดขึ้นที่การประเมินถูกใช้เป็นภัยคุกคามหรือรางวัลสำหรับนักเรียน นี่เป็นเรื่องที่ยอมรับไม่ได้โดยสิ้นเชิง ควรประเมินเฉพาะความรู้และทักษะของนักเรียน ไม่ใช่พฤติกรรมของเขา

มีความคิดเห็นในหมู่ครูบางคนว่าไม่ควรประเมินระดับความเชี่ยวชาญของเนื้อหาใหม่ในระหว่างบทเรียนที่มีการเสนอเนื้อหาใหม่ (เนื้อหาใหม่) ตอนนี้ความคิดเห็นนี้มีการเปลี่ยนแปลงไปหลายประการและบ่อยครั้งที่ครูประเมินคำตอบที่ถูกต้องและประสบความสำเร็จสำหรับเนื้อหาใหม่ด้วยเครื่องหมาย

ในเวลาเดียวกันเราไม่ควรลืมว่าการทดสอบและประเมินความรู้เป็นกระบวนการพิเศษและตามกฎแล้วจะเริ่มต้นขึ้นเมื่อนักเรียนมีโอกาสที่จะดูดซึมและรวบรวมเนื้อหาที่กำลังศึกษาอยู่

ส่วนหลักของบทเรียน การร้องเพลงประสานเสียง เปิดโอกาสให้ให้คะแนนได้มากที่สุด การดำเนินการที่ถูกต้องจะได้รับการประเมินด้วยคะแนนสูงสุด การไล่ระดับต่างๆ ของการดำเนินการที่ถูกต้องจะได้รับการประเมินด้วยคะแนนที่เหมาะสม: จาก "สี่" ถึง "สาม" การไม่รู้คำศัพท์ควบคู่ไปกับการร้องเพลงที่ไม่ถูกต้อง มักนำไปสู่ ​​“D” อย่างไรก็ตาม ตามกฎแล้ว ในการเรียนดนตรี จะไม่มีอักษร "D" สำหรับการร้องเพลง ส่วนใหญ่แล้วภายในสิ้นปีแรก นักเรียนทุกคนจะได้เรียนรู้กฎพื้นฐานของการร้องเพลงจนได้เกรดที่ผ่าน มิฉะนั้นครูให้ "f" จริง ๆ แล้วทำให้ไม่สามารถให้พื้นฐานทักษะการร้องเพลงที่จำเป็นแก่นักเรียนในโรงเรียนประถมศึกษาได้ หากการร้องเพลงในโรงเรียนประถมศึกษาไม่ได้ดำเนินไปหรือทำได้ไม่ดี จะต้องพยายามทุกวิถีทางเพื่อแก้ไขสถานการณ์นี้ เป็นความลับที่นักเรียนที่เป็น "เสียงกริ่ง" มักจะช่วยเหลือตัวเองไม่ได้หากไม่มีครู

บางครั้งความยากลำบากในการกำหนดเกรดที่เหมาะสมนั้นรุนแรงขึ้นจากการที่นักเรียนได้ย้ายมาจากโรงเรียนอื่นซึ่งมีข้อกำหนดสำหรับนักเรียนต่ำกว่า นี่คือตัวอย่างหนึ่ง Grisha Konovalov นักเรียนเกรด V พยายามอย่างหนักจำเนื้อเพลงของเพลงได้เสมอร้องเพลงกับชั้นเรียนและด้วยทัศนคติทั้งหมดของเขาแสดงให้เห็นว่าเขาชอบบทเรียนดนตรีและต้องการมีส่วนร่วมอย่างเต็มที่และกระตือรือร้นในนั้น อย่างไรก็ตาม เขามาจากโรงเรียนอื่นที่ไม่ให้ความสำคัญกับการร้องเพลง ดังนั้น การทดสอบแสดงให้เห็นความล่าช้าอย่างมีนัยสำคัญหลังระดับการร้องเพลงของชั้นประถมศึกษาปีที่ 5 ที่เขากำลังศึกษาอยู่ และสอดคล้องกับตำแหน่งเฉลี่ยระหว่าง "สาม" และ "สอง" เราจะอยู่ที่นี่ได้อย่างไร? เรื่องนี้ชัดเจนในตัวเอง: ในบทเรียนสุดท้ายของควอเตอร์ที่สอง (ในบทเรียนแรกเขามีเกรด "สอง" หนึ่งในสี่) การร้องเพลงของเขาได้รับคะแนน "สาม" แล้ว ส่งผลให้เกรดโดยรวมของไตรมาส 2 อยู่ในเกณฑ์น่าพอใจเช่นกัน โปรดจำไว้ว่าความสำเร็จของนักเรียนสามารถประเมินได้ในรูปแบบของการสนับสนุนการตัดสิน ครูไม่ได้ล้มเหลวที่จะกล่าวว่า "C" ของ Aleshin มีความหมายต่อทั้งเขาและครูมากกว่า "A" ของ "คนขี้เกียจที่มีความสามารถ" บางคนที่ คว้าเนื้อหาการร้องเพลงได้ทันที

อีกกรณีหนึ่งตรงกันข้าม นักเรียน Dmitry Krapiva มีเสียงที่ยอดเยี่ยม หูทางดนตรีที่ยอดเยี่ยม และความจำทางดนตรีที่ดี ดังนั้นสื่อการสอนเรื่องการร้องเพลงจึงไม่เป็นปัญหาสำหรับเขา แบบสำรวจธรรมดาพร้อมการประเมินไม่ใช่เรื่องยากสำหรับเขา นั่นคือเหตุผลว่าทำไมเขาจึงจำเป็นต้องค้นหารูปแบบการสำรวจเช่นนี้เพื่อที่การได้รับคะแนนที่ดีเยี่ยมจะนำเสนอความยากลำบากและค่อนข้างสูงสำหรับมิทรี คำตอบของเขาได้รับการจัดอันดับด้วยคะแนนดีเยี่ยมเฉพาะในกรณีที่นักเรียนส่วนใหญ่ในชั้นเรียนไม่สามารถรับมือกับงานที่ได้รับ (ร้องเพลงใหม่ เล่นเพลงของปีที่แล้วซ้ำ ดูการร้องเพลงจากโน้ต ฯลฯ) ครูประเมินความก้าวหน้าของมิทรีด้วยวาจาว่า: "ดิมาเป็นนักเรียนที่มีความสามารถดังนั้นฉันจึงเรียกร้องเขาเป็นพิเศษ อย่างที่พวกเขาพูดว่า" ฉันรักเหมือนวิญญาณฉันสั่นเหมือนลูกแพร์ กิจกรรมทางดนตรีประเภทต่างๆ"

นักเรียนจะได้เกรดโน้ตดนตรีจากความสามารถในการร้องเพลงหรือกับดนตรีเป็นหลัก ทักษะหลังสันนิษฐานว่ามีความสามารถตามเนื้อหาดนตรีในการนำทางระดับเสียงทั่วไปและการเคลื่อนไหวเป็นจังหวะของทำนอง เป็นเรื่องยากที่จะแนะนำให้จดบันทึกย่อในบทเรียนที่ใช้เวลาเรียนเพียงหนึ่งชั่วโมงต่อสัปดาห์ อย่างไรก็ตาม หากกระบวนการเขียนบันทึกดึงดูดความสนใจของนักเรียนคนหนึ่ง เขาสามารถแนะนำให้ทำนอกบทเรียนได้ตามอัธยาศัย และได้รับสื่อการสอนที่เหมาะสม

ความรู้ของนักเรียนเกี่ยวกับโน้ตดนตรีประเมินอย่างไร ขึ้นอยู่กับการดำเนินการตามคำแนะนำของโปรแกรม ตัวอย่างเช่น นักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 4 จะถูกขอให้แก้ท่วงทำนองเมเจอร์และไมเนอร์แบบง่าย โดยรวมระดับ IV และ VII ไว้ในคีย์ของ Fa, Do และ G major เพลงประกอบของโปรแกรมช่วยให้คุณสามารถนำคำแนะนำเหล่านี้ไปใช้กับเนื้อหาที่มีความหมายทางศิลปะได้ คุณภาพของการทำงานประเภทนี้ให้เสร็จสิ้นได้รับการประเมินด้วยคะแนนที่เหมาะสม

พื้นฐานสำหรับการกำหนดเกรดเฉพาะคือคำแนะนำ (ข้อกำหนด) ของโปรแกรมและระดับความเชี่ยวชาญของคำแนะนำ (ข้อกำหนด) เหล่านี้โดยนักเรียนคนใดคนหนึ่งเสมอ สิ่งนี้ทำให้คุณสามารถประเมินผลลัพธ์ได้ งานวิชาการด้วยความเที่ยงธรรมสูงสุด

ในหัวข้อ “การตรวจสอบการฟังเพลง” เราได้พูดถึงวิธีการและเทคนิคในการตั้งคำถามไปแล้ว องค์ประกอบที่สำคัญบทเรียน. และที่นี่ก็จำเป็นต้องประเมินความสำเร็จของนักเรียนด้วยการเชื่อมโยงคำถามและการมอบหมายงานกับคำแนะนำ (ข้อกำหนด) ของโปรแกรม นี่อาจเป็นคำตอบสำหรับคำถามเกี่ยวกับชีวประวัติของผู้แต่ง การวิเคราะห์งาน: การระบุส่วนต่างๆ ของงาน ธีมหลัก ความสัมพันธ์ระหว่างพวกเขา การกำหนดชื่องานตามข้อความที่ทำให้เกิดเสียง การวิเคราะห์เนื้อหาที่ไพเราะ ฯลฯ

อาจดูเหมือนว่าไม่มีปัญหาในการประเมินการสอนในบทเรียนดนตรีเลย แน่นอนว่านี่ไม่เป็นความจริง ปัญหาหลักคือการพัฒนาเกณฑ์ที่เป็นกลางอย่างแท้จริงในการประเมินการร้องเพลง ความรู้ทางดนตรี การฟังเพลง การเล่นเครื่องดนตรี และเพื่อให้ได้มาซึ่งการประเมินที่จะสะท้อนถึงระดับทั่วไปของการฝึกดนตรีของนักเรียน

บทที่ 3 การวินิจฉัยการฝึกดนตรี

การวินิจฉัยการศึกษาด้านดนตรีคือการกำหนดผลลัพธ์ของกระบวนการสอนในบทเรียนดนตรี เช่นเดียวกับการสอนทั่วไป ในการศึกษาด้านดนตรีมีการวินิจฉัยสองรูปแบบ - การวินิจฉัยที่ผ่านการฝึกอบรม™ (การระบุอย่างทันท่วงที การประเมิน และการวิเคราะห์ประสิทธิภาพการทำงานของกิจกรรมของเด็กในบทเรียนดนตรี) และการวินิจฉัยความบกพร่องทางการเรียนรู้ (การกำหนดแนวโน้มและพลวัตของพัฒนาการของเด็ก ความสามารถทางดนตรีและความสามารถเชิงสร้างสรรค์)

1 การติดตามและประเมินผลนักเรียนในบทเรียนดนตรี

จำเป็น ส่วนสำคัญการวินิจฉัยคือการติดตามและประเมินความรู้และทักษะของนักเรียน

หน้าที่หลักของการควบคุมการสอนคือการให้ข้อเสนอแนะระหว่างครูและนักเรียนเพื่อรับข้อมูลเกี่ยวกับระดับความเชี่ยวชาญของสื่อการศึกษา - ระดับและคุณภาพของการฝึกอบรม ผลการทดสอบ - การประเมิน - จะถูกบันทึกโดยอาจารย์ค่ะ นิตยสารเจ๋งๆและสมุดบันทึกนักเรียนในรูปแบบเครื่องหมาย ขอแนะนำให้ใส่เกรดลงในสมุดบันทึกในตอนท้ายของบทเรียนโดยสรุปงานของเด็ก ๆ

ควรสังเกตว่าในการสอนดนตรีสมัยใหม่ ปัญหาการประเมินยังคงเป็นปัญหาที่ถกเถียงกันมากที่สุด ตัวอย่างเช่น ในทางปฏิบัติ ครูสอนดนตรีบางคนไม่แบ่งปันความเหมาะสมในการสอนของการประเมิน โดยเฉพาะอย่างยิ่งในการอภิปรายเกี่ยวกับการประเมินการสอนที่จัดทำโดยนิตยสาร "Music at School" ครูฝึกหัดบางคนตั้งข้อสังเกตว่า: "ด้วยความสัญชาตญาณของฉันฉันรู้สึกว่าเด็ก ๆ ตั้งแต่ชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 ถึงชั้นประถมศึกษาปีที่ 3 กำลังเร่งรีบไปเรียนบทเรียนไม่ใช่เพราะเกรด ฉัน ฉันแน่ใจว่าฉันชอบบรรยากาศของบทเรียนที่มีโอกาสสูงสุดในการแสดงออกถึงความคิดสร้างสรรค์ของตัวเอง: เพลงในเกม ความลึกลับของเสียงเวทย์มนตร์ โอกาสในการเล่นเครื่องดนตรี การแข่งขันความสามารถทางการได้ยินและจิตใจ และอื่นๆ อีกมากมาย ซึ่งทำให้พวกเรา บทเรียนพิเศษและที่สำคัญที่สุด - อารมณ์อิ่ม ใครก็ตามที่พบว่าตัวเองอยู่ที่ประตูห้องเรียนจะได้ยินเสียงหัวเราะที่เป็นมิตรและเป็นมิตร... ความเงียบ ฉันควรให้เกรดอะไรเมื่อเห็นและประสบกับความสามัคคีเช่นนี้ ฉันจึงให้คะแนน (สำหรับ ฝ่ายบริหาร) กันทั้งชั้นหลังเลิกเรียน เมื่อเสียงของพวกมึงหมดไปแล้วก็จากไป”

ความเห็นตรงกันข้ามคือความจำเป็นในการรักษาระบบการให้คะแนนในบทเรียนดนตรี ในบรรดาครูฝึกหัด มีความคิดเห็นดังนี้: “ที่โรงเรียน เป็นเรื่องปกติที่จะประเมินความรู้ของเด็กๆ และให้คะแนน ตัวอย่างเช่น หากมีการประเมินวัฒนธรรมทางกายภาพ ทำไมจึงไม่ควรประเมินวัฒนธรรมเชิงสุนทรีย์?” มีการเสนอเกณฑ์การประเมินดังต่อไปนี้: เป็นกลาง, เป็นระบบ, โปร่งใส

หากครูปฏิบัติตามเกณฑ์ข้างต้น เด็กจะเข้าใจการประเมินว่าเป็นมาตรฐานของข้อกำหนดและสามารถประเมินตนเองได้อย่างเพียงพอ เนื่องจากเหตุผลเชิงตรรกะของครู ในเวลาเดียวกันการประเมินการเติบโตของทักษะเป็นสิ่งสำคัญมากซึ่งจำเป็นต้องระบุระดับความรู้และความสามารถทางดนตรีก่อน แต่เมื่อพิจารณาตัวบ่งชี้เชิงปริมาณเราไม่ควรลืมเกี่ยวกับตัวบ่งชี้เชิงคุณภาพของการเติบโตทางจิตวิญญาณของนักเรียน (แสดงความสนใจในดนตรี การตอบสนองทางอารมณ์ต่อดนตรีโดยธรรมชาติ ฯลฯ )

E. B. Abdullin เสนอเกณฑ์ต่อไปนี้ในการประเมินนักเรียนชั้นประถมศึกษาในบทเรียนดนตรี:

"5" - ปฏิบัติตามเกณฑ์สามข้อหรือสองข้อแรก:

แสดงความสนใจในดนตรี ตอบสนองทางอารมณ์โดยตรง ข้อความเกี่ยวกับชิ้นส่วนที่ฟังหรือแสดง

ความพยายามอย่างแข็งขันของเด็กนักเรียนที่ค้นพบในระหว่างสถานการณ์การค้นหาและความสามารถในการใช้ความรู้หลักประการแรกในกระบวนการรับรู้ดนตรี

การเติบโตของทักษะการแสดงซึ่งประเมินโดยคำนึงถึงระดับการฝึกอบรมเริ่มต้นของนักเรียนและกิจกรรมของเขาในห้องเรียน

"4" - การปฏิบัติตามเกณฑ์สองหรือหนึ่งเกณฑ์ "3" - ไม่ปฏิบัติตามเกณฑ์เหล่านี้ ไม่อนุญาตให้ใช้ "2" ไม่อนุญาตให้ใช้ "1"

ควรสังเกตว่าความคิดเห็นของครูฝึกหัดจำนวนหนึ่งที่เชื่ออย่างถูกต้องว่าเป็นไปไม่ได้ที่จะประเมินกระบวนการรับรู้ดนตรีที่ซับซ้อนและเข้าใจยากซึ่งอยู่เบื้องหลังการเคลื่อนไหวของหัวใจเด็กและความจริงใจของการสำแดงของเด็ก จิตวิญญาณยืนอยู่บนมาตราส่วนอันเคร่งครัด ย่อมชอบธรรมอย่างแน่นอน

มีวิธีต่างๆ ในการเพิ่มบทบาทการกระตุ้นของระดับห้าจุด:

) การให้คะแนนด้วยเครื่องหมายบวกและลบ

) การประเมินด้วยวาจาเพิ่มเติม (โดยเฉพาะอย่างยิ่งจำเป็นในโรงเรียนประถมศึกษาเมื่อจำเป็นต้องช่วยเหลือเด็กและช่วยให้เชื่อมั่นในตนเอง)

) ให้คะแนนในไดอารี่พร้อมกับข้อความที่ส่งถึงผู้ปกครอง (เช่นหากเด็กกำลังฟังเพลงอย่างจริงจังในบทเรียนให้แบ่งปันความสุขของคุณกับผู้คนที่อยู่ใกล้เขา หากเขาร้องเพลงได้อย่างยอดเยี่ยมในบทเรียนให้จดบันทึกไว้ใน ไดอารี่ไม่ประหยัดเวลาของคุณ);

) กำลังใจด้วยการประเมินซ้ำ (เช่น สองครั้ง "ห้า" ในคราวเดียว - สำหรับความคิดริเริ่มสร้างสรรค์ในการแสดง กิจกรรมในการแก้ปัญหาที่เป็นปัญหา หรือเพื่อความขยันหมั่นเพียร ความขยัน ความปรารถนาที่จะเรียนรู้การร้องเพลงและเข้าใจดนตรี)

ไม่ว่าในกรณีใดอย่าลืมว่าก่อนอื่นครูจะให้ความรู้แก่สัตว์เลี้ยงของเขาเสมอและในทุกเรื่องและไม่เพียงแต่สอนความรู้เฉพาะเท่านั้น ดังนั้น ในการประเมินเด็ก จะต้องปรับนักเรียนให้มีความเมตตา ความเข้าใจ ความอ่อนไหว และความยุติธรรม จากนั้นคุณสมบัติเหล่านี้จะกลายเป็นมาตรฐานพฤติกรรมของพวกเขาในสังคมสำหรับเด็ก

อย่ารีบให้คะแนนที่ไม่ดี แม้ว่าเด็กจะซนในชั้นเรียนโดยไม่ได้ตั้งใจก็ตาม ด้วยน้ำเสียงที่เคร่งครัด ประสบความล้มเหลวของตัวเอง เพียงแค่ยุติไดอารี่

การประเมิน "3" ก็ไม่ถูกต้องในการสอนเช่นกันเนื่องจากสามารถดับความสนใจของเด็กได้และตามความต้องการด้านความงามและความเมตตาของเขา เป็นสิ่งสำคัญมากที่เด็กจะต้องมองว่าครูสอนดนตรีเป็นผู้สมรู้ร่วมคิดในการเข้าสู่โลกแห่งศิลปะดนตรี จงชื่นชมยินดีกับความสำเร็จของนักเรียนของคุณ เพราะท้ายที่สุดแล้ว ความสำเร็จของพวกเขาก็เป็นผลมาจากการทำงานของคุณ และถ้าคุณเห็นว่ามีคนอยู่ข้างหลังคุณให้รออย่ารีบเร่งสังเกตข้อบกพร่อง ช่วยลูกของคุณด้วยศรัทธา อย่าลืมว่าการประเมินผลไม่ได้เป็นเพียงคำแถลงผลลัพธ์เท่านั้น แต่ยังเป็นวิธีการจูงใจการเรียนรู้ด้วย

กิจกรรมดนตรีทุกประเภทของเด็กในห้องเรียนควรได้รับการประเมิน ตัวอย่างเช่นครูสามารถใส่สองเกรด - หนึ่งเกรดสำหรับการฟังเพลงและอีกระดับสำหรับการร้องเพลง หรืออาจจะใส่อันธรรมดาอันหนึ่งก็ได้

นอกจากการบัญชีปัจจุบันในแต่ละบทเรียนแล้ว ยังมีการบัญชีขั้นสุดท้ายเมื่อสิ้นสุดแต่ละไตรมาสและตลอดทั้งปีการศึกษาด้วย ข้อมูลจากบันทึกปัจจุบันและบันทึกสุดท้ายช่วยให้เราสามารถติดตามพลวัตของพัฒนาการทางดนตรีของเด็กได้

2 ระเบียบวิธีในการกำหนดพัฒนาการทางดนตรีของเด็กนักเรียนอายุน้อย

Yu.B. Aliev เชื่อว่าเกณฑ์หลักในการพิจารณาพัฒนาการทางดนตรีของเด็กนักเรียนอายุน้อย ได้แก่:

ระดับการพัฒนาความชอบทางศิลปะ

การมีส่วนร่วมของเด็กนักเรียนในด้านความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะ

การรับรู้ในด้านวัฒนธรรมทางศิลปะของสังคม

เกณฑ์ที่คล้ายกันนี้มีอยู่ในระเบียบวิธีในการศึกษาวัฒนธรรมดนตรีของเด็กนักเรียนระดับต้นโดย L.V. Shkolyar ซึ่งระบุองค์ประกอบสามประการของแนวคิดของวัฒนธรรมดนตรี: ประสบการณ์ทางดนตรี ความรู้ทางดนตรี และการพัฒนาทางดนตรีและความคิดสร้างสรรค์

เกณฑ์สำหรับการมีประสบการณ์ทางดนตรีตาม Shkolyar คือ:

ระดับการรับรู้ทั่วไปเกี่ยวกับดนตรี

การมีอยู่ของความสนใจ ความหลงใหล และความชอบบางอย่าง

แรงจูงใจให้เด็กหันมาฟังเพลงนี้หรือเพลงนั้น “สิ่งที่สำคัญที่สุดคือการค้นหา: สิ่งที่เด็กคาดหวังจากดนตรี สิ่งที่เขากำลังมองหาในนั้น คำตอบสำหรับคำถามนี้จะต้องค้นหาในขอบเขตของการสะสมทางจิตวิญญาณ” ในเรื่องนี้ Shkolyar เสนอการมอบหมายงานให้กับเด็กนักเรียนที่อายุน้อยกว่าสำหรับสถานการณ์ในจินตนาการ ตัวอย่างเช่น: “ หากคุณเป็นครูสอนดนตรี คุณจะเลือกงานอะไรสำหรับบทเรียนสุดท้ายของไตรมาสของปี คุณอยากจะบอกอะไรกับเด็ก ๆ ด้วย ?”, “เพลงอะไรที่คุณจะเลือกฟังกับครอบครัว? และอื่น ๆ.

ต่อไปนี้เป็นมาตรฐานบางประการสำหรับการประเมินความรู้ ทักษะ และความสามารถที่แนะนำโดยสถาบันการศึกษาศิลปะสำหรับเด็กของ Academy of Pedagogical Sciences:

"5" สำหรับการฟังเพลง - นักเรียนจะต้องตอบคำตอบที่ถูกต้องโดยระบุเนื้อหาเกี่ยวกับผลงานดนตรี วิธีการแสดงดนตรี และความสัมพันธ์ของพวกเขา

“ 5” ในการร้องเพลง - รู้จักข้อความดนตรีและเนื้อร้องของเพลง ร้องเพลงอย่างหมดจด จังหวะถูกต้องและชัดเจน ไม่มีข้อบกพร่องที่สำคัญในด้านคุณภาพเสียง ให้คำอธิบายที่ถูกต้องเกี่ยวกับคุณภาพการแสดงของคุณ หากมีข้อผิดพลาดส่วนบุคคล - เป็น สามารถกำจัดพวกมันได้เมื่อแสดงอีกครั้ง สามารถร้องเพลงจากโน้ตได้ และมีทักษะการแสดงด้นสดอยู่บ้าง”

ด้วยความเข้าใจทางจิตวิญญาณของศิลปะดนตรี L.V. Shkolyar ยังเชื่อมโยงเกณฑ์ความรู้ทางดนตรีด้วย:

ระดับของการเปิดกว้างภายในของเด็กนักเรียนเพื่อทำความเข้าใจเพลงที่ไม่คุ้นเคย

ความสามารถของเด็กในการ "ค้นพบตัวเอง" ผ่านดนตรี

ระดับการมีส่วนร่วมของเด็กในเนื้อหาของดนตรีในปรากฏการณ์ชีวิตที่อยู่เบื้องหลังเนื้อหานี้ซึ่งในความเห็นของเขาทำให้เกิดเนื้อหาทางดนตรีและความหมายดังกล่าวอย่างแม่นยำ

ระดับของการปฐมนิเทศเด็กในกระบวนการดนตรีและละครด้วยวิธีการแสดงออกทำความเข้าใจองค์กรของพวกเขาในงานเฉพาะตามกฎของศิลปะดนตรี

พารามิเตอร์สำหรับการประเมินการเรียนรู้ทักษะและความสามารถในการสร้างสรรค์ของเด็กคือ:

อารมณ์;

ระดับการรับรู้แผน

ความเฉลียวฉลาดความคิดริเริ่มความเป็นเอกเทศในการเลือกวิธีการดำเนินการ

ศิลปะของการดำเนินการตามแผน

ดึงเอาประสบการณ์ทางดนตรีที่มีอยู่มาใช้

เงื่อนไขที่จำเป็นสำหรับการศึกษาการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของนักเรียนคือการประยุกต์ใช้วิธีการวิจัยที่ครอบคลุม ดังนั้นพร้อมกับการสังเกตตามยาว - การวิเคราะห์อิทธิพลของเงื่อนไขที่มีต่อการพัฒนาความอ่อนไหวทางดนตรีและสุนทรียศาสตร์ของนักเรียนระดับประถมศึกษาตลอดจนการพัฒนาทักษะการแสดง - การสังเกตย้อนหลังเชิงบวก - หันไปหาอดีตเพื่อกำหนดอิทธิพลชี้ขาด เกี่ยวกับการเติบโตของตัวชี้วัดในการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรีของเด็ก เพื่อกำหนดพัฒนาการของรสนิยมทางสุนทรีย์ของเด็ก ๆ ขอแนะนำให้ใช้แบบสอบถามซ้ำ ๆ การสนทนากับนักเรียนตลอดจนผู้ปกครองจะช่วยระบุความจำเป็นในการสื่อสารกับศิลปะในหมู่เด็กนักเรียนที่อายุน้อยกว่าและความสำคัญของดนตรีที่มีศิลปะขั้นสูงในชีวิตของพวกเขา

วิธีการทั่วไปในการกำหนดระดับความรู้ทางดนตรีและสุนทรียภาพคือการทดสอบ การทดสอบ (งานทดสอบ) มีอยู่ในสมุดงานและภาคผนวกของหนังสือเรียนเรื่อง "ดนตรี"

เมื่อเลือกแบบทดสอบหรือรวบรวมแบบทดสอบด้วยตัวเอง ครูสอนดนตรีควรปฏิบัติตามตำแหน่งการสอนทั่วไปดังต่อไปนี้:

การรู้หนังสือ ความแม่นยำ และความชัดเจนในการตั้งคำถาม

มุ่งเน้นไปที่การทดสอบความเชี่ยวชาญในหัวข้อเฉพาะ (ตามกฎแล้วการทดสอบที่มุ่งเป้าไปที่การเรียนรู้ทั้งส่วนและด้วยเหตุนี้จึงครอบคลุมเนื้อหาจำนวนมากจึงมีระดับความน่าเชื่อถือน้อยกว่า)

ความสอดคล้องของงานกับระดับการพัฒนาของนักเรียน

ความน่าเชื่อถือของคำตอบที่ไม่ถูกต้อง

สุ่มลำดับการวางคำตอบที่ถูกต้อง

ประสิทธิผลของการฝึกอบรมสามารถกำหนดได้จากผลการทดสอบตามสูตรที่เสนอโดยนักวิทยาศาสตร์ในประเทศ V. P. Bespalko:

โดยที่ a คือจำนวนงานข้อความที่แก้ไขได้อย่างถูกต้อง n คือจำนวนงานข้อความที่เสนอทั้งหมด K คือสัมประสิทธิ์คุณภาพของการได้มาซึ่งความรู้

เพื่อให้สอดคล้องกับความเชี่ยวชาญในหัวข้อและการแบ่งกระบวนการศึกษาออกเป็นไตรมาสและครึ่งปี การบัญชีอาจเป็นปัจจุบันและเป็นขั้นสุดท้าย บันทึกปัจจุบันจะถูกเก็บไว้ในแต่ละบทเรียนในระหว่างการศึกษาหัวข้อ: กิจกรรมใด ๆ ของนักเรียนจะถูกนำมาพิจารณาและบันทึก - การมีส่วนร่วมในการทำงานเป็นกลุ่มตลอดจนความสำเร็จของกลุ่มและงานเดี่ยว การบัญชีปัจจุบันช่วยตรวจสอบความถูกต้องของการวางแผนและกำหนดการแนะนำการปรับปรุงบางอย่าง

การประเมินขั้นสุดท้ายไม่สามารถดำเนินการได้เฉพาะในรูปแบบของการทดสอบหรือแบบสำรวจรายบุคคลของนักเรียน เนื่องจากครูมีเวลาไม่มากขนาดนั้น และผลลัพธ์ที่ได้จะไม่ให้ภาพที่สมบูรณ์ของการเติบโตทางดนตรีของเด็กนักเรียน ในระดับหนึ่ง คอนเสิร์ตบทเรียนสุดท้ายของปีซึ่งกระตุ้นความสนใจของเด็ก ๆ และเสริมสร้างแรงจูงใจเชิงบวก ทำให้พวกเขารู้สึกถึงความสำเร็จที่ประสบความสำเร็จ เป็นไปได้ที่จะเห็นพลวัตของการพัฒนาทางดนตรีของเด็กด้วยข้อมูลการบัญชีปัจจุบันเท่านั้น ดังนั้นสรุปแล้วครูจึงสรุปโดยใช้ข้อมูลทั้งหมดที่ได้รับเกี่ยวกับนักเรียนแต่ละคนและกิจกรรมร่วมกันของพวกเขาในกระบวนการของกิจกรรมประจำวัน (ในบทเรียนและใน กิจกรรมนอกหลักสูตร).

บทสรุป

D. B. Kabalevsky แย้งว่า "ตราประทับในการสอนมักจะไม่ดีเสมอไป แต่เมื่อพูดถึงงานศิลปะ มันแย่เป็นพิเศษและถึงขั้นอันตรายด้วยซ้ำ" แต่ถึงกระนั้นครูสอนดนตรีมือใหม่จำเป็นต้องมีพื้นฐาน - ความรู้และประสบการณ์ซึ่งเขาสามารถพัฒนาสไตล์ความคิดสร้างสรรค์ของเขาได้ แต่แนวทางบางประการจำเป็นสำหรับทุกคน นี่คือการบริการศิลปะอย่างไม่เห็นแก่ตัว ความรักต่อเด็กๆ และความเข้าใจในวิสัยทัศน์เชิงบทกวีเกี่ยวกับโลกของพวกเขา

ข้อมูลการบัญชีจะถูกบันทึกด้วยเครื่องหมายซึ่งเป็นการประเมินกิจกรรมของทีมและนักเรียนรายบุคคล สิ่งสำคัญคือต้องกระตุ้นความสนใจและความคิดสร้างสรรค์ของเด็ก ดังนั้น ความสำเร็จควรได้รับการส่งเสริมเสมอ โดยให้มีคะแนนที่ดี ในขณะที่ความล้มเหลวสามารถพูดคุยกันได้ แต่ไม่จำเป็นต้องประเมินผล คะแนนรวมส่งเสริมความสำเร็จของนักเรียนในการทำงานเป็นทีม เช่น การแสดงเพลง การค้นหาเพลงประกอบที่ดีที่สุดในงาน ฯลฯ การผสมผสานที่สมเหตุสมผลกับการประเมินรายบุคคลมีผลกระทบทางการศึกษาอย่างมากต่อทั้งนักเรียนแต่ละคนและทีมโดยรวม โดยสรุป เราจะพิจารณาสิ่งที่สามารถช่วยได้เมื่อทดสอบและประเมินความรู้ ทักษะ และความสามารถของนักเรียน คุณไม่ควร “ดุ” นักเรียนที่ได้เกรดไม่น่าพอใจ โดยเฉพาะอย่างยิ่งถ้าเขาไม่ใช่นักเรียนที่มีความสามารถมากนัก ในทางตรงกันข้าม ในทุกโอกาส ควรเน้นว่า "สอง" และ "สาม" เป็นเพียงชั่วคราว และหากนักเรียนใช้ความพยายามมากขึ้น คะแนนที่ไม่น่าพอใจหรือปานกลางจะได้รับการแก้ไข ควรตั้งคำถามกับนักเรียนเป็นรายบุคคลในลักษณะที่ทำให้สาระสำคัญของคำถามชัดเจนต่อทั้งชั้นเรียน ความจริงก็คือบางครั้งในบทเรียนดนตรี นักเรียนจะถูกถามคำถามเกี่ยวกับตำแหน่งของโน้ตบนเจ้าหน้าที่ กฎสำหรับการแบ่งโน้ตโดยไม่ต้องอาศัยการร้องเพลง แน่นอนว่านี่ไม่เป็นความจริง การควบคุมความรู้ไม่สามารถแยกออกจากความตระหนักรู้ของนักเรียนเกี่ยวกับความสำคัญเชิงปฏิบัติของสิ่งที่พวกเขาได้รับการสอนได้ ความเป็นธรรมของการประเมินขึ้นอยู่กับความเป็นระบบของการสำรวจของนักเรียนแต่ละคน เมื่อคำนึงถึงความรู้ ความสามารถ และทักษะ เราควรอาศัยหลักสูตรเป็นหลัก การดำเนินการตามคำแนะนำและข้อกำหนดซึ่งเป็นพื้นฐานสำหรับการบันทึกและประเมินผลงานของนักเรียน

ครูบางคนเบี่ยงเบนไปจากข้อกำหนดของโปรแกรมในการประเมินความรู้และทักษะของนักเรียน แสดงลัทธิเสรีนิยม และเพิ่มคะแนนอย่างไม่สมควร ในอีกกรณีหนึ่ง ครูดูถูกความรู้และทักษะของนักเรียน และดังที่คุณทราบ คะแนนที่ไม่ยุติธรรมและต่ำจะทำให้นักเรียนขวัญเสียและบิดเบือนสภาพที่แท้จริงของสิ่งต่างๆ

ไม่จำเป็นต้องปกปิดความจริงที่ว่าเกรดดนตรีไม่ส่งผลกระทบต่อการเลื่อนชั้นนักเรียนไปเกรดต่อไป อย่างไรก็ตาม เมื่อให้เกรดที่ไม่น่าพอใจ ก็ควรเน้นว่าถึงแม้จะเป็นไปได้ที่จะเรียนดนตรีที่มี "D" ในเกรดถัดไป แต่คุณควรร่วมกับครูเพื่อร่างแนวทางในการกำจัด "D" นี้ .

การติดตามและคำนึงถึงความรู้และทักษะในบทเรียนดนตรีควรกลายเป็นแรงจูงใจในการบรรลุผลการศึกษาที่ประสบความสำเร็จ กระตุ้นนักเรียน ปลูกฝังทัศนคติที่สำคัญต่องานของพวกเขา และสอนให้พวกเขารู้จักการควบคุมตนเอง การประเมินตามวัตถุประสงค์และยุติธรรมไม่ได้ขึ้นอยู่กับการสอบอย่างเป็นทางการ แต่อยู่บนการพิจารณากิจกรรมทางดนตรีทั้งหมดของนักเรียนในบทเรียนอย่างเป็นระบบและมีเป้าหมาย

วิธีการวิจัยหลักในทฤษฎีดนตรีศึกษาคือการทดลองเชิงการสอน - การทดสอบเชิงทดลองของสมมติฐาน ตามแนวทางการสอนทั่วไปขั้นตอนของการทดลองต่อไปนี้มีความโดดเด่น: การตรวจสอบ - การระบุสถานะที่แท้จริงของวัตถุที่กำลังศึกษาการทดสอบ - การทดสอบสมมติฐานที่สร้างขึ้นในกระบวนการทำความเข้าใจปัญหาการก่อสร้าง - การสร้างปรากฏการณ์การสอนใหม่

บรรณานุกรม

1. อับดุลลิน อี.บี. ทฤษฎีและปฏิบัติการสอนดนตรีในโรงเรียนมัธยมศึกษาตอนต้น - ม., 2526.

2. Aliev Yu. B. กิจกรรมทางอารมณ์และคุณค่าของเด็กนักเรียนเป็นพื้นฐานการสอนสำหรับการแนะนำศิลปะ // ปัญหาการศึกษาสมัยใหม่: การรวบรวม - ตูลา, 1997.

Artobolevskaya A. การพบกันครั้งแรกกับดนตรี: จากประสบการณ์ของครู - นักเปียโนกับเด็กก่อนวัยเรียนและวัยประถม: หนังสือเรียน - ม., 2528.

Osenneva M.S. แอลเอ เบซโบโรโดวา. วิธีการศึกษาด้านดนตรีของเด็กนักเรียนระดับต้น อคาเดมา ม., 2544.

การศึกษาด้านดนตรีที่โรงเรียน เอ็ด แอล.วี. เด็กนักเรียน. อคาเดมา ม., 2544.

เบซโบโรโดวา แอล.เอ. , อาลีฟ ยู.บี. วิธีการสอนดนตรีใน สถาบันการศึกษา. อคาเดมา ม., 2545.

อับดุลลิน อี.บี.,นิโคลาเอวา อี.วี. ทฤษฎีดนตรีศึกษา สถาบันการศึกษา ม., 2547.

Dmitrieva L.G. , เชอร์นอยวาเนนโก เอ็น.เอ็ม. วิธีการศึกษาด้านดนตรีที่โรงเรียน การศึกษา ม. 2532

Burtsev K. ในการประเมิน เกรด และค่านิยม: การประเมินโรงเรียนเป็นวิธีการสนับสนุนการสอน // โรงยิมเพื่อมนุษยธรรมสมัยใหม่. - ม., 1996.

Kabalevsky D. B. หลักการพื้นฐานและวิธีการของโปรแกรมดนตรีสำหรับโรงเรียนมัธยม: โปรแกรมดนตรี (พร้อมการพัฒนาระเบียบวิธีบทเรียน) สำหรับ โรงเรียนมัธยม. เกรด 1 - 3 - ม., 1980.

Kabalevsky D. B. เกี่ยวกับวาฬสามตัวและอีกมากมาย: หนังสือเกี่ยวกับดนตรี - ม., 2519.

Melik-Pashaev A.A., Novlyanskaya Z.I. แนวคิดและโครงการโครงการพัฒนาศิลปะทั่วไปของเด็กนักเรียนชั้นปีที่ 1 // ศิลปะในโรงเรียน - 1994. - ลำดับที่ 2.

ดนตรีในโรงเรียนประถมศึกษา: ชุดเครื่องมือสำหรับครู / เอ็ด ดี.บี. คาบาเลฟสกี้ - ม., 1980.

Shkolyar L.V. ศึกษาวัฒนธรรมดนตรีของเด็กนักเรียนระดับต้น // ทฤษฎีและวิธีการศึกษาดนตรีของเด็ก: คู่มือทางวิทยาศาสตร์และระเบียบวิธี - ม., 2541. - หน้า 292.

กวดวิชา

ต้องการความช่วยเหลือในการศึกษาหัวข้อหรือไม่?

ผู้เชี่ยวชาญของเราจะแนะนำหรือให้บริการสอนพิเศษในหัวข้อที่คุณสนใจ
ส่งใบสมัครของคุณระบุหัวข้อในขณะนี้เพื่อค้นหาความเป็นไปได้ในการรับคำปรึกษา

การแนะนำ

บทที่ 2

บทที่ 3 การวินิจฉัยการฝึกดนตรี

1 การติดตามและประเมินผลนักเรียนในบทเรียนดนตรี

2 ระเบียบวิธีในการกำหนดพัฒนาการทางดนตรีของเด็กนักเรียนอายุน้อย

บทสรุป

บรรณานุกรม

การแนะนำ

บทเรียนดนตรีเด็กนักเรียนสร้างสรรค์

ปัญหาในการบันทึกและประเมินการศึกษาด้านดนตรียังคงเป็นสาเหตุของความขัดแย้งมากมายจนถึงทุกวันนี้ การอภิปรายปะทุขึ้นรอบ ๆ โดยมีการแสดงมุมมองที่หลากหลาย ทั้งหมดนี้พูดถึงความซับซ้อนของการแก้ปัญหาและในขณะเดียวกันก็มีความสำคัญ แท้จริงแล้ว จะมีเกณฑ์ที่แน่นอนในการประเมินผลลัพธ์ของการศึกษาด้านดนตรีได้หรือไม่ หากเป็นไปไม่ได้เลยที่จะวัดผลกระทบของดนตรีต่อโลกภายในของเด็ก ความสมบูรณ์ของประสบการณ์ทางอารมณ์ของเขา

ความซับซ้อนของการบัญชีเกิดจากการที่กิจกรรมทางดนตรีใด ๆ มีความคิดสร้างสรรค์ ดังนั้นการแนะนำศิลปะดนตรีจึงไม่สามารถคิดได้หากไม่มีการพัฒนาจินตนาการที่สร้างสรรค์ซึ่งช่วยให้นักเรียนค้นพบโลกแห่งนักแต่งเพลง: ความรู้สึกความคิดประสบการณ์ของเขาที่ถ่ายทอด ในเพลง ในกระบวนการสร้างสรรค์มีสิ่งใหม่เกิดขึ้นและสร้างสรรค์ - ในกรณีนี้คือความเข้าใจของตนเองเกี่ยวกับภาพลักษณ์ทางดนตรีและการรับรู้ทางอารมณ์ ต้องขอบคุณจินตนาการที่สร้างสรรค์ที่ทำให้การเสริมสร้างจิตวิญญาณเกิดขึ้น

ในการฝึกสอนดนตรีของเด็กนักเรียนมีการใช้วิธีต่างๆในการพัฒนาความสามารถเชิงสร้างสรรค์: การสร้างแผนการแสดงสำหรับเพลง การแต่งเพลงประกอบเป็นจังหวะในการทำงาน การแสดงด้นสดทางเสียงและเครื่องดนตรี การเปรียบเทียบการเปรียบเทียบผลงาน อย่างไรก็ตามเป็นไปไม่ได้ที่จะจัดกระบวนการพัฒนาทักษะความคิดสร้างสรรค์อย่างเป็นทางการเนื่องจากในแต่ละกรณีผลลัพธ์จะขึ้นอยู่กับลักษณะเฉพาะและความสามารถของนักเรียน

ดังนั้นลักษณะเฉพาะของบทเรียนดนตรีทำให้ครูไม่เพียงคำนึงถึงความรู้ทักษะและความสามารถที่ชัดเจนที่สุดในผลลัพธ์ของกิจกรรมทางดนตรีเท่านั้นเช่นในการแสดงผลงานหรือคำกล่าวของนักเรียนเกี่ยวกับดนตรีที่รับรู้ . สิ่งสำคัญอย่างยิ่งในบทเรียนนี้คือความกระตือรือร้นของเด็ก ความสนใจในดนตรี การตอบสนองทางอารมณ์ และการทำงานของจินตนาการ ซึ่งมีความสำคัญในทุกขั้นตอนของกิจกรรมของนักเรียน และบ่งบอกถึงอิทธิพลของดนตรีต่อโลกภายในของเด็ก ด้วยความเข้าใจเกี่ยวกับการบัญชีนี้ ไม่เพียงแต่การสอนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงหน้าที่ด้านการศึกษาอย่างชัดเจนอีกด้วย

เนื่องจากกิจกรรมทางดนตรีในบทเรียนดำเนินการร่วมกัน จึงจำเป็นต้องมีการบัญชีรวม ซึ่งให้แนวคิดเกี่ยวกับการก่อตัวของทักษะการร้องเพลงเช่นวงดนตรี โครงสร้าง การร้องเพลงโพลีโฟนิก นอกจากนี้ในทางปฏิบัติมีหลายกรณีที่เด็ก ๆ ร้องเพลงประสานเสียงในคณะนักร้องประสานเสียง แต่เป็นรายบุคคล - ล้วนๆ และในทางกลับกัน พวกเขาร้องเพลงด้วยกันได้ดีขึ้นเมื่อหลงทางเมื่อร้องเพลงทีละคน ดังนั้นการใช้รูปแบบการบัญชีแบบรวมและแบบรายบุคคลจึงเป็นไปได้ที่จะได้รับผลลัพธ์ที่เป็นกลางมากขึ้นเกี่ยวกับการพัฒนาดนตรีของเด็กนักเรียน

วัตถุประสงค์ของหลักสูตรนี้คือเพื่อวิเคราะห์ระดับการศึกษาด้านดนตรีของเด็กนักเรียนระดับต้น

จากเป้าหมายข้างต้น เราได้กำหนดวัตถุประสงค์สำหรับงานตามหลักสูตรดังต่อไปนี้:

เพื่อเปิดเผยสาระสำคัญของบทเรียนดนตรีในโรงเรียนประถมศึกษาซึ่งเป็นรูปแบบหลักของการศึกษาด้านดนตรีของเด็กนักเรียนที่อายุน้อยกว่า

อธิบายการบันทึกความคืบหน้าในบทเรียนดนตรี

ดำเนินการวินิจฉัยการฝึกดนตรี

พูดคุยเกี่ยวกับบทบาทของการควบคุมและประเมินผลนักเรียนในบทเรียนดนตรี

และพัฒนาวิธีการกำหนดพัฒนาการทางดนตรีของเด็กนักเรียนรุ่นเยาว์ด้วย

โครงสร้างการทำงาน. งานของหลักสูตรประกอบด้วยบทนำ สามบท บทสรุป และรายการข้อมูลอ้างอิง

บทที่ 1 บทเรียนดนตรีในโรงเรียนประถมศึกษาซึ่งเป็นรูปแบบพื้นฐานของการศึกษาดนตรีสำหรับเด็กนักเรียนชั้นมัธยมศึกษาตอนต้น

บทเรียนดนตรีในโรงเรียนประถมศึกษาควรเข้าใจว่าเป็นขั้นตอนหนึ่งของการศึกษาด้านดนตรีของเด็กนักเรียนที่อายุน้อยกว่าในทางความหมายชั่วคราวและเชิงองค์กรในกระบวนการศึกษาแบบองค์รวม จากคำจำกัดความจะชัดเจนว่าบทเรียนดนตรีมีลักษณะการทำความเข้าใจบทเรียนในการสอนทั่วไปอย่างชัดเจน คุณสมบัติทั่วไปเหล่านี้ที่ทำให้บทเรียนดนตรีใกล้เคียงกับบทเรียนในวิชาอื่น ๆ ของการประถมศึกษามากขึ้น ได้แก่:

เป้าหมายคือการให้ความรู้แก่บุคลิกภาพที่พัฒนาอย่างกลมกลืน

รูปแบบกระบวนการสอนทางจิตวิทยา การสอน การสื่อสาร และสังคมวิทยา

หลักการพื้นฐานของการสอน

รูปแบบของการจัดระเบียบบทเรียน (องค์ประกอบทั่วไปของนักเรียน, ระยะเวลาของบทเรียนสม่ำเสมอ, องค์ประกอบโครงสร้างของการจัดระเบียบบทเรียน - การสอนสิ่งใหม่, การทำซ้ำ, การตรวจสอบความเชี่ยวชาญของเนื้อหาที่ครอบคลุม)

ความสมบูรณ์ของบทเรียน (การอยู่ใต้บังคับบัญชาของกิจกรรมเด็กประเภทต่าง ๆ เพื่อให้บรรลุเป้าหมายเฉพาะของบทเรียน)

วิธีการสอนขั้นพื้นฐาน

ในขณะเดียวกัน การเรียนดนตรีก็มีความเฉพาะเจาะจงอย่างหนึ่ง นั่นคือ การเรียนศิลปะ ในเรื่องนี้ B. M. Nemensky ตั้งข้อสังเกตว่าวัตถุแห่งความรู้ทางศิลปะที่มีเหตุผลตรรกะวิทยาศาสตร์และอารมณ์จินตนาการมีวัตถุแห่งความรู้ที่แตกต่างกัน ในกรณีหนึ่ง นี่คือความเป็นจริงเชิงวัตถุวิสัย ในอีกกรณีหนึ่ง - ทัศนคติส่วนบุคคลของมนุษย์ที่มีต่อมัน และด้วยเหตุนี้ ความรู้รูปแบบต่างๆ รูปแบบของกิจกรรม วิธีการพัฒนา ผลลัพธ์ของความรู้ และผลลัพธ์ของการพัฒนา

ในแง่นี้ บทเรียนดนตรีในโรงเรียนประถมศึกษาจึงใกล้เคียงกับบทเรียนอื่นๆ ในวงจรสุนทรียศาสตร์ เช่น ทัศนศิลป์ การศึกษาด้านแรงงาน และวรรณกรรม

หลักฐานของสิ่งนี้คือเรื่องทั่วไป:

เป้าหมายของการพัฒนาศิลปะของนักเรียนระดับประถมศึกษา (การเลี้ยงเด็กให้มีทัศนคติที่สวยงามต่อชีวิต - ปลุกทัศนคติที่ไม่แปลกแยกและมีความรับผิดชอบต่อทุกสิ่งที่อยู่รอบตัวพวกเขา)

งาน (เพื่อพัฒนาความสามารถในการรับรู้ศิลปะของเด็กนักเรียนและความจำเป็นในการสื่อสารกับมันเพื่อให้พวกเขาได้รับประสบการณ์ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่เต็มเปี่ยมเพื่อส่งเสริมการพัฒนาความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะและความคิดสร้างสรรค์จินตนาการทัศนคติที่สร้างสรรค์ต่อชีวิต)

วิธีการสอนศิลปะ (การชักจูงให้เกิดความเห็นอกเห็นใจ - N.A. Vetlugina) การเริ่มต้นสู่ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะที่เต็มเปี่ยมและการรับรู้ศิลปะที่สร้างสรรค์ร่วมกัน (B.M. Nemensky) เงื่อนไขสำหรับการยอมรับทางอารมณ์ภายในของงานศิลปะ (B.T. Likhachev);

ทำความเข้าใจขั้นตอนของการศึกษาระดับประถมศึกษาว่าเป็นการพัฒนาการตอบสนองทางอารมณ์และสุนทรียภาพเมื่อรับรู้โลกรอบตัว

ในขณะเดียวกัน บทเรียนดนตรีก็มีลักษณะเฉพาะของตัวเอง ซึ่งแสดงถึงกิจกรรมดนตรีประเภทต่างๆ ที่ซับซ้อนสำหรับเด็ก (การร้องเพลง การเคลื่อนไหวจังหวะดนตรี การฟังเพลง การเล่นเครื่องดนตรีในวงออเคสตราสำหรับเด็ก เป็นต้น) กิจกรรมดนตรีของเด็กที่ระบุไว้สามารถนำเสนอในรูปแบบต่างๆ ได้ ดังนั้นจึงไม่ควรมี "ลายฉลุ" เฉพาะเจาะจงในการสอนดนตรี

จุดเริ่มต้นของบทเรียนที่มีการประพันธ์วรรณกรรมและดนตรีถือเป็นอารมณ์ที่เป็นรูปเป็นร่างสำหรับบทเรียนศิลปะเนื่องจากการจัดสภาพแวดล้อมทางศิลปะและสุนทรียศาสตร์ การใช้แบบฝึกหัดดนตรีและจังหวะ“ มาว่ายน้ำกันเถอะ” นั้นสมเหตุสมผลจากมุมมองของการมีส่วนร่วมของกลไกมอเตอร์ทั่วไปในการร้องเพลงการใช้เสียงระฆังนั้นสมเหตุสมผลจากมุมมองของการค้นหาความสูง เสียงบินของเสียงเด็ก นอกจากนี้ยังสมเหตุสมผลในการสอนสำหรับเด็ก ๆ ที่จะฟังเพลงกล่อมเด็ก“ Ay-ya, zhu-zhu” ที่ครูแสดงเนื่องจากในการจัดงานร้องและร้องเพลงในระยะแรกของการทำความคุ้นเคยกับศิลปะดนตรีของเด็ก ๆ เป้าหมายคือ ไม่ต้องเรียนรู้เพลงให้ได้มากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ตัวอย่างเช่น ในวิธีการสอนภาษาต่างประเทศ ครูไม่ได้พยายามหาคำศัพท์ที่เรียนรู้เป็นจำนวนมาก โดยพิจารณาว่าการได้มาซึ่งภาษาพูดมีความเกี่ยวข้องมากกว่า เป้าหมายของงานร้องและร้องประสานเสียงในช่วงไตรมาสแรกของชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 คือการพัฒนาพื้นฐานทางสรีรวิทยาและจิตวิทยาของวัฒนธรรมการร้องเพลงของเด็ก ในเรื่องนี้ ควรพิจารณาให้เด็กฟังการร้องเพลงของครูเป็นพื้นฐานในเชิงการสอน

สถานการณ์ของเกมในการพบปะกับชาวป่า - หมี, กบและลูกแมว - ก็ไม่ได้เป็นไปตามอำเภอใจเช่นกัน: มีจุดมุ่งหมายเพื่อแนะนำให้เด็ก ๆ รู้จักกับความสูงของเสียงดนตรีที่หลากหลาย - ต่ำ, กลาง, สูง

ลักษณะทั่วไปของนักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 โดย O.A. Apraksina

กระบวนการของเด็กในการเรียนรู้ภาษาแม่ของเขานั้นคล้ายคลึงกัน คือ เด็กจะฟังนานแค่ไหนจนกระทั่งเขาเริ่มพูด และจะใช้เวลานานเท่าใดก่อนที่จะเริ่มพูด

ดังนั้นเนื้อหาของการฝึกอบรมจึงถูกเปิดเผยในบทเรียนในเรื่องความสามัคคีของตำแหน่งในการเพิ่มพูนประสบการณ์ของทัศนคติทางอารมณ์และคุณค่าต่อความเป็นจริงเติมเต็มความประทับใจทางดนตรีและความรู้เฉพาะของภาษาดนตรีตลอดจน พัฒนาทักษะความคิดสร้างสรรค์ของเด็ก ในขณะเดียวกัน สถานการณ์ที่เสนอก็บรรลุเป้าหมายของบทเรียนในชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 อย่างสมบูรณ์ นั่นคือ การพัฒนาวัฒนธรรมการฟังและศักยภาพในการแสดงออกอย่างสร้างสรรค์ผ่านการร้องเพลง การเคลื่อนไหว และการเล่นเครื่องดนตรี ซึ่งเกี่ยวข้องกับการแก้ปัญหาชุดหนึ่ง เนื้อหาดนตรีของบทเรียนได้รับการคัดเลือกโดยคำนึงถึงความสัมพันธ์กับบทเรียนก่อนหน้าและบทเรียนต่อ ๆ ไป ดังนั้นการร้องเพลงประสานเสียงงด "เรากำลังเดิน" ตามเอฟเฟกต์เสียงสะท้อนโดยที่แต่ละวลีร้องโดยครูก่อนแล้วจึงโดยเด็ก ๆ เป็นที่คุ้นเคยกับนักเรียนชั้นประถมศึกษาปีที่ 1 จากบทเรียนก่อนหน้า เพลงของหมี กบ และลูกแมวเป็นเพลงใหม่ สิ่งใหม่สำหรับเด็กในบทเรียนนี้คือบทละคร "The Hours" ของ V. Gavrilin และเพลงพื้นบ้านลัตเวีย ผลงานแต่ละชิ้นเหล่านี้จะช่วยโน้มน้าวนักเรียนครั้งแล้วครั้งเล่าว่าโลกแห่งดนตรีนั้นกว้างใหญ่ มีความหลากหลาย และน่าสนใจไม่รู้จบ ผลงานที่คุ้นเคย - แบบฝึกหัดดนตรีและจังหวะ "Let's Swim" และเพลง "Ducklings" - จะให้เด็ก ๆ มากขึ้น